Past Artfairs
CURRENT EXHIBITION
Anne-Lise Coste, Ton Crâne, Mon Crâne (Your Skull, My Skull), 11.05. – 27.07.2018



ARTIST NEWS 
Group Show „Evoking Reality“ with Clément Cogitore, Opening: Saturday, November 24th, 2018, 1 - 8 pm
25.11.18 – 19.05.2019, Daimler Contemporary Berlin, Haus Huth, Alte Potsdamer Str. 5, 10785 Berlin
›Evoking Reality‹ stellt Positionen politischer Fotografie und Videokunst aus der Daimler Art Collection (DAC) vor, die Neukonzeptionen aktueller Realitätsbilder formulieren. Beginnend in den frühen 1990er Jahren erweiterte die DAC ihren Sammlungsschwerpunkt um Werke der Neuen Medien: Fotografie, Video, Objektkunst und installative Arbeiten. Die Neuerwerbungen wurden in der dreiteiligen Ausstellungsreihe ›Photography, Video, Mixed Media I-III‹ zwischen 2003 und 2007 im Berliner Ausstellungsraum Daimler Contemporary vorgestellt. Dieser Fokus auf Fotografie und Video ist seither intensiv weiterverfolgt worden. Die Sammlung umfasst heute ein stetig wachsendes Konvolut bedeutender Arbeiten, die zeitgenössische Perspektiven auf globale Thematiken und politische Konflikte visualisieren. Die Ausstellung ›Evoking Reality‹ widmet sich zeitgenössischen Strategien, die sich von etablierten Darstellungsprinzipien und gängigen Narrativen des Fotojournalismus distanzieren, um ein offenes Wirklichkeitsbild entstehen zu lassen, das auf eine kritische Sensibilisierung des Betrachters zielt. Angesprochen wird ein kritisches Bewusstsein bezogen auf mediale Vermittlungs- und Darstellungsweisen, die das Auge mittels wiederkehrender Leidensbilder und Gewaltszenen seit Jahrzehnten prägen. Ausgehend von einer Re-Lektüre der Publikation ›Das Leiden Anderer betrachten‹ (2005) von Susan Sontag befasst sich die Ausstellung ›Evoking Reality‹ mit aktuellen medialen und konzeptuellen Herangehensweisen an politische, öffentliche und daraus resultierende private Konfliktsituationen. Das Ineinanderblenden von Fiktion, Inszenierung, Konstruktion und Realität verunsichert den Betrachter, der jene Verfremdungsstrategien zugleich unerwartet als realitätsstiftendes Moment erfährt. Offenheit und Vieldeutigkeit fordern den Betrachter auf, sich das Geschehen selbst zu erschließen, visuelle Impulse zu reflektieren und teils auch intellektuell zu revidieren. Wirklichkeit wird als fragiles Konstrukt erfahren, das aus unterschiedlichen Perspektiven stets seine Gestalt ändert. Die Werke dieser Ausstellung evozieren ein Realitätsmoment, das eben durch Vieldeutigkeit, Widersprüchlichkeit, Interkonnektivität und Relativität unsere globale Lebensrealität greifbar werden lässt. Die jüngst erworbene zwölfteilige Fotoserie „Congo Democratic“ (2006) von Guy Tillim, der 2004 Preisträger des ›Mercedes-Benz Award for South African Art and Culture‹ war, wird erstmals in Berlin zu sehen sein. Zudem bilden fotografische Arbeiten u.a. von Jane Alexander, Clément Cogitore, Tacita Dean, Cao Fei, Pieter Hugo, Maya Zack und die Videoinstallationen „Snow White“ (2001) von Bernie Searle, „Mermaids [Erasing the Border of Azkelon]“ (2011) von Sigalit Landau sowie „The amorous Indies“ (2017) von Clément Cogitore Schwerpunkte der Ausstellung. Kuratiert von Renate Wiehager und Nadine Henrich. (Photo: Clément Cogitore: „The amorous Indies“, 2017, still of Video HD, 6 min., Ed. 5 + 1 AP.)
(art.daimler.com/evoking-reality/)



PLAY Kortrijk – Circuit for Contemporary Art with Marc Bijl
23.06. – 11.11.2018, City of Kortrijk, Belgium
PLAY is a headstrong city festival organised from 23 June to 11 November 2018 that will take over the centre of Kortrijk with contemporary artworks (curated by Hilde Teerlinck and Patrick Ronse). You can immerse yourself in the unique world of national and international visual art at diverse indoor and outdoor locations in the city. During PLAY, the city not only serves as a canvas; bit by bit the festival simultaneously dissects our relationship with 'play'. How does play influence our social behaviour? How does 'play' reflect the evolution of our society? How important is play for our motor and cognitive development? Kortrijk is a member of the UNESCO Creative Cities Network, was officially named a child and youth-friendly city and is chosen as European City of Sport 2018. Kortrijk is growing, flourishing and above all, does not stand still. And it is precisely this continuous urban metamorphosis that makes the West Flanders city the dream décor for PLAY. Not only a breeding ground for regional, national and international talent, but also a springboard that offers opportunities. This unexpected creative melting pot carefully connects different disciplines such as art, design, education and entrepreneurship. A city with a generous dose of daring, sense of creative entrepreneurship and above all, the (play)room to experiment. (Image: Marc Bijl: „Lara Croft. La revolutionaire sieme noi“, 2011.)
(www.playkortrijk.be/en)



Group Show „Umay (3 Hamburger Frauen)“ with Ergül Cengiz, Opening: Thursday, June 21th, 2018, 7 pm
21.06. – 25.07.2018, Galerie Françoise Heitsch, München
Mit der Austellung „Umay“ (türk. Göttin der Frauen und Kinder) schafft das Künstlerinnenkollekiv „3 Hamburger Frauen“ eine einmalige temporäre, begehbare Rauminstallation in der Galerie Françoise Heitsch in München.  Für „Umay“ collagieren die Künstlerinnen Ergül Cengiz, Henrieke Ribbe und Kathrin Wolf filigrane Zeichnung, expressive Malerei, Ornamentik und altmeisterliche Portraits an der Wand und im Raum. Durch das Spiel mit Zwei- und Dreidimensionalität, mit transparenter Leichtigkeit und dunkler Raumtiefe verwebt sich das Werk zu dem facettenreichen „3 Hamburger Frauen-Kosmos“. Dieser ist durch die jeweiligen Bedingungen und die Spontanität der Zusammenarbeit vor Ort geprägt, erhält aber seine Dichte aus der jahrelangen künstlerischen Zusammenarbeit der drei Frauen.  Das neue Werk in der Galerie Françoise Heitsch ist den Vorkämpferinnen des Frauenwahlrechts zum 100-jährigen Jubiläum gewidmet und knüpft inhaltlich an die letzte Wandcollage „Wild Thoughts“ (400 x 300 cm) an, die im März 2018 in der Ausstellung „Sexed Power“ im MOM Art Space zu sehen war. Im Zentrum des Bildes stand eine Zeichnung von fünf Feministinnen, den so genannten 'Radikalen'. Als Vorlage für die Zeichnung diente ein Foto, das 1887 in ihrem Münchener Treffpunkt, dem Fotostudio 'Elvira' entstand. Außerdem präsentierten sich die Künstlerinnen hier als Cowboys, von denen einer mit der mythenumrankten Calamity Jane liiert gewesen sein soll. Calamity Jane, die sich reitend und schießend im Wilden Westen behauptete, hielt mit dem Gewehr die Szenerie des Bildes in Schach. Humorvoll werden in Selbstinszenierungen Zitate aus der Kunst und Popkultur genutzt, um sich zu aktuellen und historischen Themen zu positionieren. Im Spannungsfeld von Elementen der gestischen Malerei der abstrakten Moderne, Reminiszenzen an die Gruppe Cobra und bunter Geometrie werfen die 3 Hamburger Frauen immer wieder die Frage auf, wie Rollenklischees in der zeitgenössischen Malerei neu verhandelt werden können. Seit ihrem Studienabschluss 2004 an der HFBK Hamburg arbeiten Ergül Cengiz, Henrieke Ribbe und Kathrin Wolf zusammen und haben mit dieser Kollaboration eine eigene künstlerische Handschrift etabliert. Mit ortsspezifischen, meist ephemeren raumgreifenden Werken wie Wandmalereien, Installationen und Collagen hat das Kollektiv in mehreren Museen und Kunstvereinen ausgestellt. ///////// The exhibition “Umay” (Turkish: Goddess of women and children), created by the artist collective “3 Hamburger Frauen,” is a unique temporary and accessible installation at the Gallerie Françoise Heitsch, Munich. For “Umay” the artists Ergül Cengiz, Henrieke Ribbe, and Kathrin Wolf collaged filigree drawings, expressive paintings, ornamentation, and portraits in the style of the old masters on the walls and in the space itself. It is due to the interplay of two- and three-dimensional elements together with transparent lightness and the dark depth of the space, the work is interwoven to a multifarious “3 Hamburger Frauen cosmos.” It is shaped by the conditions and the collaborative spontaneity at the respective locations, but receives its density also through the long-standing artistic collaboration of the three women.  The new work displayed at the Galerie Françoise Heitsch is dedicated to the campaigners of the women suffrage and its 100th anniversary and builds content-wise on the last wall collage “Wild Thoughts” (400 x 300 cm), shown in the exhibition “Sexed Power” at the MOM Art Space in March 2018. Central to the image is a drawing of five feminists, the so-called “radicals.” The template for the drawing is a photograph, which originated in the Munich-based photography studio “Elvira” in 1887. Furthermore, the artists present themselves as Cowboys of which one was supposedly in a relationship with Calamity Jane – a character shrouded in myth. Calamity Jane, who asserted herself riding and shooting in the Wild West, keeps the scenes of the image at bay with her rifle.  Humorously and in a self-staged manner, quotes derived from art and pop culture are employed in order to comment on current as well as historical topics. Due to the tense relationship between elements derived from gestural painting of abstract Modernity, reminiscences of COBRA, and colourful geometry, the 3 Hamburger Frauen are able to repeatedly give rise to questions on how gender stereotypes can be debated anew in contemporary painting.  Since graduating from HFBK Hamburg in 2004, Ergül Cengiz, Henrieke Ribbe, and Kathrin Wolf have been working together and have thus also been able to establish their own artistic signature. With their location-specific, often ephemeral space-consuming works, such as murals, installations, and collages, the collective has been presented at several Museums and Kunstverein.
(francoiseheitsch.de/exhibitions/3-hamburger-frauen-umay)



„Suspension of Disbelief“ with Tim Berresheim and Dominik Halmer, Opening: Saturday, June 9th, 2018, 4 - 11 pm
10.06. – 29.07.2018, NAK – Neuer Aachener Kunstverein, Passstr. 29, 52070 Aachen
Begrüßung um 19 Uhr: Dr. Werner Dohmen, Vorstand NAK; Einführung: Maurice Funken, Direktor NAK; Grillen + Musik: Dj-Set mit Tom Borderland, Toke und JAHxPRINZxBJUTI. Unter dem Titel Suspension of Disbelief präsentiert der NAK Neuer Aachener Kunstverein neue Arbeiten der beiden Künstler Tim Berresheim und Dominik Halmer. Als Pate des Titels fungiert der englische Romantikdichter, Kritiker und Philosoph Samuel Taylor Coleridge, der im Jahre 1817 in seiner Biographia Literaria von der „willentlichen Aussetzung der Ungläubigkeit“, im Englischen „Suspension of Disbelief“, als notwendiger Voraussetzung für die adäquate Rezeption von Kunst gesprochen hat. Neue Arbeiten Tim Berresheims werden im Rahmen der Ausstellung zu Bildern aus seinem Fundus in Beziehung gesetzt, zudem wird er sein eigenes Schaffen im buchstäblichen Sinne einer Revision unterziehen, und ältere Werke für die Aachener Ausstellung neu konzipieren und produzieren. Der Ausstellungsort selbst wird ebenfalls zum Bildgegenstand, indem sein unmittelbares urbanes, per Laserscan erfasstes Umfeld in Form des 1928 im Stadtpark wiedererrichteten Kongreßdenkmals als großformatiges Motiv einer 3D-Tapete in Erscheinung tritt, auf die wiederum die gerahmten Arbeiten angebracht werden. Zudem wird Berresheim die Ausstellung mit einer eigens entwickelten Augmented Reality-App begleitend erfahrbar machen. Berresheim entgegen steht in Dominik Halmer eine Position, deren Bildobjekte auf dem Gedanken einer sich in den Realraum erweiternden Malerei basieren. Seine im zweiten Ausstellungsraum des Kunstvereins präsentierten Arbeiten sind dabei Teil eines Versuchsaufbaus, der das Verhältnis von Ding und Abbild, von Funktionalität und Kunstwerk hinterfragt. Dem Titel Suspension of Disbelief folgend stellt sich so die Frage: Was wollen wir glauben? Die im NAK gezeigten Shaped Cavases führen ein breites Spektrum verschiedener Realitätsebenen vor. Angefangen beim informellen Fleck, über Zeichen und Computermodellierung, bis hin zu Fotorealismus werden die Elemente so miteinander in Beziehung gesetzt, dass sie sich zu einer wesenhaften Entität, einem animierten Gegenüber zusammenfügen. In der Rauminstallation treten die Einzelwerke über graphische Elemente, die wie zeichenhafte Markierungen direkt auf der Wand sitzen, miteinander in ein quasi narratives Dialogverhältnis. Mit seiner Öffnung über die materielle Erweiterung durch Holzringe, überspringt das Leinwandbild seine eigenen Grenzen und wird zur „Transformationsapparatur“, die Teile des Raumes annektiert und in das eigene Bildsystem eingliedert. Tim Berresheim und Dominik Halmer betreiben beide auf sehr eigene, analytische Weise ein Hinterfragen von Realität und Illusion. Wie setzt sich unser Bild von Realität zusammen? Was ist allgemeiner Konsens? Das Einlassen auf die Illusion ist die „willentliche Aussetzung der Ungläubigkeit” – die Suspension of Disbelief hält mit diesen zwei Positionen Einzug in den NAK Neuer Aachener Kunstverein. Parallelveranstaltungen in Kooperation mit dem Centre Charlemagne: 08. Juni 2018, 19 Uhr: Ausstellungseröffnung „Uns gehört die Stadt! Kids, Kunst und Krawall in Aachen”, Centre Charlemagne – Neues Stadtmuseum Aachen; 08. Juni 2018, 23 Uhr: Hip-Hop Jam mit den Aachen Allstars, Musikbunker; 09. Juni 2018, 21 Uhr: Konzert mit Frustration, Komplikations und The Lost Tapes, Musikbunker Aachen – Shuttlebus um 20.30 Uhr vom NAK zum Musikbunker. Begleitprogramm: 28. Juni 2018, 19 Uhr: Katalog-Präsentation Tim Berresheim – Haare, Pilze, Holz & Floozies und Artist Talk mit Tim Berresheim und Leonie Pfennig (Kunsthistorikerin, freie Autorin aus Köln und Co-Founder von And She Was Like: BÄM!). Weitere Veranstaltungen im Rahmen der Ausstellung werden auf der Homepage bzw. Facebook Seite des NAK angekündigt (Plakat: Tim Berresheim).
(www.neueraachenerkunstverein.de/content/2018/ausstellungen/suspension-of-disbelief/)



Group Show „NIGHT, SHORTLY“ with Anne-Lise Coste, Opening: Saturday, June 9th, 2018, 6 - 8 pm
09.06. – 27.07.2018, Halsey McKay at Susan Inglett Gallery | 522 West 24th Street, New York
Group show with COLBY BIRD, ANNE-LISE COSTE, CHRIS DUNCAN, RACHEL FOULLON, JOSEPH HART and BRIE RUAIS
(www.halseymckay.com/exhibitions)



Group Show „Dime-Store Alchemy“ with Josephine Meckseper, Opening Reception: Tuesday, June 5th, 2018, 6 - 8 pm
05.06. – 17.08.2018, The FLAG Art Foundation, New York
“One can deduce and conclude that every object has two aspects: one current one, which we see nearly always and which is seen by men in general; and the other, which is spectral and metaphysical and seen only by rare individuals in a moment of clairvoyance…” – Giorgio de Chirico [1] The FLAG Art Foundation is pleased to present Dime-Store Alchemy from June 5-August 17, 2018, on its 9th floor. The exhibition features 24 contemporary artists who elevate everyday objects through the framing devices of cabinets, shelves, and containers. Contextualized within the broader legacy of artist Joseph Cornell (1903-1972) and his celebrated box constructions, this selection of artworks, and their safeguarded contents, addresses issues of identity, value, memory, and time. “The genius of Cornell,” wrote poet John Ashbery on artist’s 1967 retrospective at the Solomon R. Guggenheim Museum, “is that he sees, and enables us to see, with the eyes of childhood, before our vision got clouded by experience, when objects like a rubber ball or a pocket mirror seemed charged with meaning, and a marble rolling across a wooden floor could be as portentous as a passing comet.”[2] This spirit of re-seeing runs throughout each of the pieces in Dime-Store Alchemy—a phrase borrowed from Pulitzer Prize-winning poet Charles Simic’s beguiling book of short prose on Cornell. Artworks by Vincent Fecteau, Curtis Talwst Santiago, and Carolee Schneemann are most directly related to Cornell’s dreamlike box constructions, which utilize found containers as the setting for their theatrical dioramas. Other artists push the boundaries of what could be considered a container: Ryan Gander’s suitcase and carry-on rendered in ghostly white marble; Thomas Lanigan-Schmidt’s dollar store lasagna pans-cum-bejeweled Catholic reliquaries; and Nicole Wermers’s baby changing station resurfaced in polished terrazzo. Susan Hiller combines spiritual and physical healing in her collection of sacred holy water, while Tony Feher’s suspended kickline of plastic bottles, and Damien Hirst’s cigarette butts meticulously arranged in a glass vitrine, each magnify items that are often disregarded. Featuring thousands of saccharine pink products collected over 25 years, Portia Munson’s room-sized installation—itself a cabinet of curiosity—functions as both a portrait of femininity and excessive consumerism. Some works are autobiographical in nature: Sophie Calle memorializes her birthday gifts as evidence of her relationships and mortality, while Francis Cape traces his own career through a pair of impregnable wooden cabinets, cobbled from elements of his previous exhibitions. [1] Giorgio de Chirico, Sull’arte metafsica, in Scritti/1. Romanzi e scritti critici e teorici 1911-1945, edited by A. Cortellessa, Bompiani, Milan 2008, p. 289. [2] Ashbery, John. “Cornell: The Cube Root of Dreams.” ARTnews, Vol. 66, No. 4 (Summer 1967), pp. 56-59.
(flagartfoundation.org/exhibitions/dime-store-alchemy/)



Solo Show „Pia Maria Martin. not the same“, Opening: Saturday, May 19th, 2018, 7 pm
20.05. – 24.06.2018, FORUM KUNST Rottweil, Bürgersaal, Friedrichsplatz 4, 78628 Rottweil
Ausstellung „Pia Maria Martin. not the same“. Einladung zur Eröffnung der Ausstellung am Samstag, 19. Mai 2018, 19 Uhr im Bürgersaal am Friedrichsplatz. Zur Eröffnung führt Jürgen Knubben mit der Künstlerin ein Gespräch. Pia Maria Martin, geboren 1974 in Altdorf (bei Nürnberg), lebt und arbeitet in Stuttgart und Nizza. 1997 - 2003: Staatliche Akademie der Bildenden Künste, Stuttgart, mit längeren Auslandsaufenthalten in Spanien, England, Schweiz, Frankreich und Finnland. Seit 2013 Professur für Video und bewegtes Bild an der Villa Arson, Nice, Frankreich.
(www.forumkunstrottweil.de/?page_id=14)



Group Show „In the Cut – Der männliche Körper in der Feministischen Kunst“ with Julika Rudelius, Opening: Friday, May 18th, 2018, 7 pm
18.05. – 30.09.2018, Stadtgalerie Saarbrücken, St. Johanner Markt 24, 66111 Saarbrücken
Sexualität als zentrales Thema in der Kunst war bis in die 1970er Jahre vornehmlich vom männlichen Blick auf den weiblichen Körper beherrscht. Auch feministische Künstlerinnen konzentrierten sich zunächst auf den eigenen Körper, während der (hetero-)erotische Blick auf den Mann bis heute eine Ausnahme darstellt. Wenn feministische Künstlerinnen ihren begehrlichen Blick auf den männlichen Körper werfen, brechen sie damit gleich mehrere Tabus und kehren die Machtverhältnisse um, die dem traditionellen Bilderkanon eingeschrieben sind. Mit ihren Darstellungen erotischer Männerkörper erheben sie Anspruch auf sexuelle Selbstbestimmung und künstlerische Autorität. Gleichzeitig stellen sie klassische Rollenzuschreibungen in Frage und eröffnen den Diskurs für neue Möglichkeiten sexueller Identität. Künstlerinnen, wie Louise Bourgeois (USA), Herlinde Koelbl (DE), Eunice Golden (USA), Joan Semmel (USA), Betty Tompkins (USA) oder Carolee Schneemann (USA) haben die Entwick-lung dieser feministischen Tendenzen vorbereitet. Ihre Werke werden diese international besetzte Themenausstellung ebenso bestimmen, wie Vertreterinnen der jüngeren Genera-tion mit Sophie Calle (FR), Anke Doberauer (DE), Tracey Emin (GB), Alicia Framis (ES), Kathleen Gilje (USA), Aude du Pasquier Grall (FR), Anna Jermolaewa (RU), Julika Rudelius (DE), Mwangi Hutter (DE/KE), ORLAN (FR), Jana Sterbak (CAN), Susan Silas (USA) und Paula Winkler (DE). So stehen in der Ausstellung nicht nur die Arbeiten der ersten Feministinnen-Generation, sondern auch die jüngerer Künstlerinnen im Fokus, die den begehrenswerten männlichen Körper für sich oder in der Begegnung mit dem eigenen Körper in Szene setzen. Der Mann ist Objekt des Begehrens und zugleich agierendes Subjekt. Es sind Männer-Bilder, die sich formal nicht notwendigerweise von homoerotischen Darstellungen unterscheiden, und doch ist die Frau als künstlerisches Subjekt in ihnen stets präsent – vielleicht oder gerade weil sie ihren Modellen Verletzlichkeit, Unvollkommenheit und Individualität zugesteht, und sie dadurch angreifbarer und begehrenswerter macht. In anderen Fällen sind es die bewusst gesetzten Spuren weiblicher sexueller Aktivität, die uns als Objekte, Skulpturen oder Videobilder begegnen. Ziel dieses Ausstellungsprojekts ist es, die Werke von Künstlerinnen vorzustellen, die durch ihre Auseinandersetzung mit dem Tabu der eigenen weiblichen Sexualität ausgegrenzt oder ignoriert wurden. Denn feministische Künstlerinnen, die ihren begehrlichen Blick auf den männlichen Körper werfen, brechen gleich mehrere Tabus und kehren die Machtverhältnisse um, die dem traditionellen Bilderkanon eingeschrieben sind. Mit ihren Darstellungen erotischer Männerkörper erheben sie Anspruch auf sexuelle Selbstbestimmung und künstlerische Autorität. Gleichzeitig stellen sie klassische Rollenzuschreibungen in Frage und eröffnen den Diskurs für neue Möglichkeiten sexueller Identität. Kuratorin: Dr. Andrea Jahn. Zur Ausstellung erscheint ein Katalog im Kerber Verlag, Bielefeld (230 Seiten, deutsch/englisch). Foto: Julika Rudelius: „The Hare“, 2018, 4 HD Videoloops about 2-4 min.
(www.stadtgalerie.de/in_the_cut_der_maennliche_koerper_in_der_feministischen_kunst)



"In the Cut" in der Stadtgalerie Saarbrücken mit Julika Rudelius, SWR-Fernsehen: „KUNSCH!“-Beitrag vom 17.05.2018, 5 min.
18.05. – 30.09.2018, Stadtgalerie Saarbrücken, St. Johanner Markt 24, 66111 Saarbrücken
Die Stadtgalerie Saarbrücken zeigt den männlichen Körper in der Feministischen Kunst und verspricht viele nackte Tatsachen von 19 internationalen Künstlerinnen (Foto: Julika Rudelius).
(www.ardmediathek.de/tv/Kunscht/In-the-Cut-in-der-Stadtgalerie-Saarbr%C3%BC/SWR-Fernsehen/Video?bcastId=18349524&documentId=52514494)



Group Show „Mixed Realities. Virtuelle und reale Welten in der Kunst“ with Tim Berresheim, Opening: Friday, May 4th, 2018, 7 pm
05.05. – 26.08.2018, Kunstmuseum Stuttgart
Längst haben »Virtual Reality« (VR) und »Augmented Reality« (AR) sich in der Spieleindustrie und in industriellen Anwendungen etabliert. Aber wie gehen Künstlerinnen und Künstler mit den neuen Medien um? Was passiert mit Malerei, Zeichnung und Plastik, wenn die illusionistische Erweiterung bis zu einer 360-Grad-Ansicht des Raums durch VR und AR genutzt wird? Als erste museale Einrichtung in der Innovations- und Metropolregion Stuttgart widmet sich das Kunstmuseum Stuttgart dem künstlerischen Umgang mit VR und AR. Die Ausstellung präsentiert künstlerische Positionen, die sowohl auf einer analogen wie auch einer digitalen Ebene arbeiten und beide in ihrem Werk verbinden. Der Begriff »Mixed Realities« steht für die Vorstellung, dass die reale und die virtuelle Welt keine Gegensätze sind, sondern ein Kontinuum darstellen. (Image: Tim Berresheim, The Early Bird (SIGH), Traces VI, 2012, Print on Paper, 100 x 80 cm, © Tim Berresheim.)
(www.youtube.com/watch?v=k1UJBa7M4F4&feature=youtu.be)



"Mixed Realities" im Kunstmuseum Stuttgart mit Tim Berresheim, SWR-Fernsehen: „KUNSCH!“-Beitrag vom 17.05.2018, 2 min.
05.05. – 26.08.2018, Kunstmuseum Stuttgart
"Mixed Realities" im Kunstmuseum Stuttgart präsentiert computergenerierte Bilder und interaktive Kunstwerke, in die der Betrachter mit VR-Brille eintauchen kann (Foto: Tim Berresheim).
(www.ardmediathek.de/tv/Kunscht/Mixed-Realities-im-Kunstmuseum-Stuttga/SWR-Fernsehen/Video?bcastId=18349524&documentId=52494546)



Group Show „Haus der Sinnsuche. Gutes Leben durch Kultur“ with Marc Bijl, Opening: Friday, April 27th, 2018, 5 - 9 pm
28.04. – 22.07.2018, KUNSTSAELE Berlin, Bülowstr. 90, 10783 Berlin
„Haus der Sinnsuche. Gutes Leben durch Kultur“ curated by Ellen Blumenstein. Artists: Kurdwin Ayub, Joost Baljeu, Marc Bijl, Julius von Bismarck, Böhler & Orendt, Melanie Bonajo, Club Fortuna, Jochen Dehn, Ceal Floyer, Rainald Grebe, Jenny Holzer, Reiner Kallhardt, On Kawara, Alexander Kluge, Terence Koh, Lawrence Lek, Katharina Mayer, Gianni Motti, Kateřina Šedá, Anton Stankowski, Klaus Steinmann, Mladen Stilinović, Pilvi Takala, Jos De Gruyter & Harald Thys, Gert Weber, Francesca Woodman and Helga Wretman. (Image: Gianni Motti: "Untitled, Elevation 1049, Gstaad", 2014, Courtesy The Artist and Perrotin Gallery.)
(www.kunstsaele.de/vorschau-1/)



Solo Show „Joan Jonas“
14.03. – 05.08.2018, Tate Modern, London
Joan Jonas – hero to a generation of younger artists, Joan Jonas is a pioneer of performance and video who has pushed the boundaries of art for the last five decades. Experience the largest exhibition of Jonas’s work ever held in the UK. Early works from the late 1960s are shown alongside recent installations dealing with topical themes such as climate change and extinction. You can see her landmark installations including „Organic Honey“, „The Juniper Tree“ and „Reanimation“. For the first time at Tate Modern, a single artist’s work is explored in the exhibition galleries, and in film screenings in the Starr Cinema and installations in the Tanks – an experimental exhibition for an experimental artist. Joan Jonas will also perform live alongside other artists as part of the BMW Tate Live Exhibition: Ten Days Six Nights programme. (Photo: ​Joan Jonas „Stream or River Flight or Pattern“ 2016-2017 © Joan Jonas / Artists Rights Society ARS, New York / DACS, London.)
(www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/joan-jonas)



Joan Jonas Is Taking Over Tate Modern With a Headline Performance
14.03. – 05.08.2018, Tate Modern, London
The veteran US artist will restage historic works as her retrospective spills out of the galleries and reaches the banks of the River Thames. Joan Jonas will be in the building: animating Tate Modern’s galleries and its basement Tanks as well as appearing in person on the banks of the River Thames nearby. The US artist’s major survey show opens today, 14 March, at Tate Modern along with a retrospective of her films in its cinema. And Jonas is headlining the Tate’s second annual live program, which kicks off on Friday. During Tate Live, Jonas will be performing in a version of her 1972 work “Delay Delay“, which will be staged outside the gallery at low tide. “It’s been quite a privilege to be able to work with Joan on revisiting historical works and remaking them,” said Catherine Wood, the Tate’s curator, contemporary art and performance. The exhibition is the largest survey of Jonas’s work that has been staged in the UK. It covers the past 50 years of artistic production, presenting Jonas’s interdisciplinary approach and experimental practice, and includes important historic photographs and videos of her performances in downtown New York in the 1960s, as well as old, reconfigured, and new installations. At the press preview for the exhibition, Tate Modern curator Andrea Lissoni said that Jonas “has incessantly continued to sample and reappropriate her own work, and to represent it throughout her career.” Co-curated with Julienne Lor from the Haus der Kunst in Munich, where the show will travel later this year, the survey moves through crucial installations such as “Lines in the Sand“ (2002/2005), created for documenta 11 in the wake of 9/11, and the more recent “Stream or River, Flight or Pattern“ (2016/ 2017), a sort of follow up to her work for the US pavilion at the 56th Venice Biennale in 2016. Downstairs in the Tanks of Tate Modern, the converted oil storage tanks of the former Bankside Power Station, preparations are underway for the live performance program sponsored by BMW and jointly curated by Lissoni and Wood. Titled “BMW Tate Live Exhibition: Ten Days Six Nights,” and running from this Friday, March 16, through March 25, it is the gallery’s second annual “Live Exhibition.” The inaugural program last year included, among other things, an immersive fog installation by Fujiko Nakaya. “We made Joan the focus of this year’s live exhibition… to really try to give people an experience of not only the gallery-based work that Joan made but really to share the ways in which she used a live theater situation to rethink what sculpture could be and to experiment with the video technology that she took on so early,” Wood said. On the first two nights of Tate Live, Jonas will perform music composed for her work in conversation with her long-time collaborator, the jazz pianist Jason Moran. On nights three and four, three of Jonas’s most famous early works will be restaged. Alongside the new version of “Mirror Piece II“, a solo performance art piece originally starring Jonas called “Mirror Check“ (1970/2018) will be re-performed by a young artist, and Jonas herself will re-perform “Mirage“, which many argue was the first expanded cinema performance ever made by a woman artist, for the first time since 1976. The final two nights will see performances from Sylvia Palacios Whitman, a peer of Jonas’s who is working with Robert Rauschenberg’s photographer son, Christopher Rauschenberg, on an experimental piece, and the London-based duo, patten. Turner prizewinning artist Mark Leckey will also execute an “exorcism” of sorts in a new work titled “Extended Exorcism of the Bridge @ Eastham Rake“ (2018). “One of the key things that Joan has done is to think about myth and storytelling, moving back and forth between the past and present of her own practice, so there’s never really the historical object to conserve in a traditional way,” noted Wood of the selection of Jonas for the Live program. “Joan is always moving back and forth and remaking, rearranging, so there’s this live culture that’s inherent to how she thinks.” (Image: Joan Jonas: „They Come to Us without a Word II“, 2015. Performance at Teatro Piccolo Arsenale, Venice, Italy, 2015. Photo by Moira Ricci. © 2017 Joan Jonas: Artists Rights Society (ARS), New York: DACS, London.)
(news.artnet.com/exhibitions/joan-jonas-headlines-tate-moderns-second-annual-live-exhibition-1243256?utm_content=from_&utm_source=Sailthru&utm_medium=email&utm_campaign=Europe%20Newsletter%20March%2015%20AM&utm_term=New%20Euro%20%2B%20Newsletter%20List)



New catalogue „more or everything“ by Wolfgang Flad
06.02.18 – 06.02.2019,
„WOLFGANG FLAD. more or everything“, ed. Atelier Wolfgang Flad & Sylvia van der Woude, Berlin: VfmK Verlag für moderne Kunst 2018, S. 191.
(www.wolfgangflad.de/)



Herzlichen Glückwunsch Thomas Locher!
08.02.17 – 08.02.2022, HGB Leipzig – Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig
Der Erweiterte Senat der HGB Leipzig hat gestern (08.02.2017) den Künstler Thomas Locher zum neuen Rektor der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig gewählt. Die Amtszeit des neuen Rektors beträgt fünf Jahre. Thomas Locher löst mit seiner Wahl Prof. Dr. Ana Dimke ab, die seit 2011 Rektorin der HGB war und zum 1. April 2016 aus persönlichen Gründen aus dem Amt ausgeschied. „Ich bin sehr glücklich über die Wahl! Mich ehrt das entgegengebrachte Vertrauen, das ich unbedingt zurück geben möchte“, sagte Thomas Locher nach der Wahl. „Ich freue mich auf interessante und produktive Jahre mit den Studierenden und den KollegInnen an der HGB Leipzig.“ Thomas Locher, geboren 1956 in Munderkingen, ist Künstler. Von 1979 bis 1985 studierte er an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart, 1981 bis 1985 an der Universität Stuttgart. Locher lehrte international an Kunstakademien, Fachhochschulen und Universitäten (Merzakademie Stuttgart, Technische Universität Wien) und war von 2008 bis 2016 Professor an der Königlich Dänischen Kunstakademie in Kopenhagen. Thomas Locher ist Mitglied im Deutschen Künstlerbund. Er lebte von 1986 bis 2000 in Köln, arbeitet und lebt nun in Berlin und Kopenhagen. Thomas Locher stellte weltweit aus, u. a. in der Tate Gallery, Liverpool (1989), im Museum of Contemporary Art, Sidney (1992), im Museum of Modern Art, Saitama/Japan (1994), in den Deichtorhallen, Hamburg (2004) und im Museum of Modern Art, New York (2006). Lochers Arbeiten sind heute in großen öffentlichen Sammlungen vertreten, wie im Museu d’Art Contemporani de Barcelona, im Museum of Modern Art, New York, in der Vancouver Art Gallery, in der Grafischen Sammlung Albertina, Wien und in der Staatsgalerie Stuttgart. Foto: Erich Malter
(www.hgb-leipzig.de/)