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ARTFAIRS
art berlin 2018, 27.09. – 30.09.2018
(www.artberlinfair.com/)



ARTIST NEWS 
Group Show „Evoking Reality“ with Clément Cogitore, Opening: Saturday, November 24th, 2018, 1 - 8 pm
25.11.18 – 19.05.2019, Daimler Contemporary Berlin, Haus Huth, Alte Potsdamer Str. 5, 10785 Berlin
›Evoking Reality‹ stellt Positionen politischer Fotografie und Videokunst aus der Daimler Art Collection (DAC) vor, die Neukonzeptionen aktueller Realitätsbilder formulieren. Beginnend in den frühen 1990er Jahren erweiterte die DAC ihren Sammlungsschwerpunkt um Werke der Neuen Medien: Fotografie, Video, Objektkunst und installative Arbeiten. Die Neuerwerbungen wurden in der dreiteiligen Ausstellungsreihe ›Photography, Video, Mixed Media I-III‹ zwischen 2003 und 2007 im Berliner Ausstellungsraum Daimler Contemporary vorgestellt. Dieser Fokus auf Fotografie und Video ist seither intensiv weiterverfolgt worden. Die Sammlung umfasst heute ein stetig wachsendes Konvolut bedeutender Arbeiten, die zeitgenössische Perspektiven auf globale Thematiken und politische Konflikte visualisieren. Die Ausstellung ›Evoking Reality‹ widmet sich zeitgenössischen Strategien, die sich von etablierten Darstellungsprinzipien und gängigen Narrativen des Fotojournalismus distanzieren, um ein offenes Wirklichkeitsbild entstehen zu lassen, das auf eine kritische Sensibilisierung des Betrachters zielt. Angesprochen wird ein kritisches Bewusstsein bezogen auf mediale Vermittlungs- und Darstellungsweisen, die das Auge mittels wiederkehrender Leidensbilder und Gewaltszenen seit Jahrzehnten prägen. Ausgehend von einer Re-Lektüre der Publikation ›Das Leiden Anderer betrachten‹ (2005) von Susan Sontag befasst sich die Ausstellung ›Evoking Reality‹ mit aktuellen medialen und konzeptuellen Herangehensweisen an politische, öffentliche und daraus resultierende private Konfliktsituationen. Das Ineinanderblenden von Fiktion, Inszenierung, Konstruktion und Realität verunsichert den Betrachter, der jene Verfremdungsstrategien zugleich unerwartet als realitätsstiftendes Moment erfährt. Offenheit und Vieldeutigkeit fordern den Betrachter auf, sich das Geschehen selbst zu erschließen, visuelle Impulse zu reflektieren und teils auch intellektuell zu revidieren. Wirklichkeit wird als fragiles Konstrukt erfahren, das aus unterschiedlichen Perspektiven stets seine Gestalt ändert. Die Werke dieser Ausstellung evozieren ein Realitätsmoment, das eben durch Vieldeutigkeit, Widersprüchlichkeit, Interkonnektivität und Relativität unsere globale Lebensrealität greifbar werden lässt. Die jüngst erworbene zwölfteilige Fotoserie „Congo Democratic“ (2006) von Guy Tillim, der 2004 Preisträger des ›Mercedes-Benz Award for South African Art and Culture‹ war, wird erstmals in Berlin zu sehen sein. Zudem bilden fotografische Arbeiten u.a. von Jane Alexander, Clément Cogitore, Tacita Dean, Cao Fei, Pieter Hugo, Maya Zack und die Videoinstallationen „Snow White“ (2001) von Bernie Searle, „Mermaids [Erasing the Border of Azkelon]“ (2011) von Sigalit Landau sowie „The amorous Indies“ (2017) von Clément Cogitore Schwerpunkte der Ausstellung. Kuratiert von Renate Wiehager und Nadine Henrich. (Photo: Clément Cogitore: „The amorous Indies“, 2017, still of Video HD, 6 min., Ed. 5 + 1 AP.)
(art.daimler.com/evoking-reality/)



Solo Show „Julio Rondo. O.K., LET’S PANIC LATER“, Opening: Friday, October 5th, 2018, 7 pm
05.10. – 30.11.2018, Grölle Pass Projects, Friedrich-Ebert-Str. 143 e, 42117 Wuppertal
(Image: Julio Rondo: „Easy“, 2018, acrylic behind glass, acrylic and chrome varnish on wood, wooden frame, 152 x 122 cm.)
(www.passprojects.com)



ART ALARM 2018 – Galerienrundgang Stuttgart, Saturday (22.09.2018), 11 am - 9 pm; Sunday (23.09.2018), 11 am - 6 pm
22.09. – 23.09.2018,
Galerie Abart, Galerie Klaus Braun, Galerie von Braunbehrens, Dengler und Dengler – Galerie für Schöne Künste, Galerie Thomas Fuchs, Galerie Reinhard Hauff, Andreas Henn Kunsthandel Galerie, Galerie Keim, Brigitte March, Galerie Merkle, Schacher – Raum für Kunst, Galerie Schlichtenmaier, Strzelski Galerie, Galerie Michael Sturm, Uno Art Space – Ute Noll, Galerie Valentien and Galerie Z
(www.art-alarm.de/)



Solo Show „Ergül Cengiz / ZERRE“, Opening: Friday, September 14th, 2018, 7 pm
14.09. – 26.10.2018, GALERIE FRANÇOISE HEITSCH, Amalienstr. 19, 80333 München
In der Ausstellung ZERRE (türkisch; Partikel) von Ergül Cengiz, in der Galerie Françoise Heitsch werden großformatige Scherenschnitte, Linoldrucke und Tuschzeichnungen gezeigt. Das Grundthema von Ergül Cengiz sind die unterschiedlichen Sehgewohnheiten in der abendländischen und morgenländischen Tradition. Sie verwebt beide Sichtweisen in räumlich erfahrbaren Installationen. Mit Formen, Mustern und Farben experimentiert sie gekonnt und führt uns in die irre, wie in einem Spiel. Wir werden uns beim genauen Hinschauen ertappen ob ein bestimmtes Muster oder eine Form einem orientalischen oder abendländischen Hintergrund entspringt. Wie könnten wir uns auch sicher sein, da der Orient schon seit Jahrhunderten Europa fasziniert durch opulente aber auch schlichte Ornamente und uns in seinem Bann hält. Der Orient ist tief in unserem Unterbewusstsein präsent, als gelegentlich abrufbarer Kontingent von Kostbarkeiten. Dort ist er unberührt von den sonstigen Klischees, die man gerne wenn fremd als Synonym mit feindlich setzt. Belohnt werden wir, wenn wir die sprudende Kraft wahrnehmen, die zwischen Orient und Okzident entspringt, und wir sie als Quelle von Toleranz und Ästhetik und als ein Signal für eine friedliche Koexistenz definieren lernen.  /////// In Ergül Cengiz’s exhibition ZERRE (Turkish: Partikel) large-sized paper cuts, linoleum prints as well as pen and ink drawings are on display at Galerie Françoise Heitsch. The main theme of Ergül Cengiz’s work are the various different viewing habits traceable within the occidental and the oriental traditions. She interweaves both ways of seeing in tangible spatial installations. She experiments skilfully with forms, patterns, and colours while she leads us astray at the same time – as if it were a game. Upon closer inspection, we will catch ourselves trying to figure out whether a particular pattern originates from an oriental or occidental background. And, how could we be even sure, if the Orient has fascinated and kept Europe under its spell with its opulent yet also modest ornaments for centuries. As an occasionally retrievable contingent of valuables, for us, the Orient is subconsciously ever-present. There, it remains untouched by any cliches, often used if something alien becomes the synonym of something hostile. We are rewarded once we perceive the sparkling force that originates between Orient and Occident, and once we learn to define it as the source of tolerance and aesthetic as well as a signal for peaceful coexistence. (Image: Ergül Cengiz, 2018.)
(www.francoiseheitsch.de)



On View: ‘I Put on a Mask and I Become That Spirit’: Watch Artist Joan Jonas Combine Drawing, Video, and Performance to Create Her Seminal Works. As part of a collaboration with Art21, hear news-making artists describe their inspirations in their own words.
26.07.18 – 28.07.2019,
For the past five decades, Joan Jonas has created work that seamlessly blends live performance, drawing, installation, video, and music. In the process, she has become one of the most influential and multidimensional artists working today. Now 82, Jonas is showing no signs of slowing down. This summer, two museums will showcase her work: the eponymously titled career retrospective “Joan Jonas” at the Tate in London and, across the pond, “Ice Drawing” at the MFA Boston. In her piece Reanimation, originally performed in 2012, she incorporates manifold modes of communication ranging from chalk drawings to closed-circuit video projections, all in the company of an otherworldly musical score. In 2014, Jonas spoke to Art21 about her intensive practice and the many sources of inspiration that have informed her work. Her collaborator for Reanimation is the pianist and artist Jason Moran, who admittedly struggled to keep pace with the octagenarian powerhouse. In the dual-interview, Moran tells Art21, “I wasn’t prepared for how rigorous the process is. And Joan really toils over this material through the text, through the images, through her movements, through the wardrobe, through the sounds that she’s going to make.” The combination of multi-sensory expression is something Jonas has become known for since she first began performance-based work in the early 1960s. During a trip to the Southwest, the artist saw the Hopi Snake Dance, where the participants don masks, “It not only transforms the body but they become something else,” she said of the act. That mode of physical transformation led her to experiment with actual masks (some bought from erotic stores, others hand-made) and to embrace the intuitive side of performing live in front of an audience, “I put on a mask,” she said, “and I become that spirit.” Jonas also learned how to articulate her modes of expression so that others can perform her conceptual works, while she stands back, conducting them in a sort of philosophical ballet. She told Art21 about re-working an early performance, Mirror Piece, where participants hold full-length vertical mirrors in front of them, facing the audience. “I liked the way the audience is uneasy seeing themselves in the mirror,” she said. “They’re not just reflecting the audience; the mirrors are reflecting the space and the other performers. So I like the dimensionality of this.” To this day, Jonas continues to conjure new ideas of space and performance in her works, defying categorization at every turn. Watch the full conversation between Joan Jonas and Jason Moran, which originally appeared as part of “Art in the Twenty-First Century” series on PBS, below. “Joan Jonas” is on view at the Tate Modern in London through August 5; “Joan Jonas: Ice Drawings” is on view at the MFA Boston through September 3. (Photo: Joan Jonas performing Reanimation, still from Art21 “Fiction” (2014). Courtesy of Art21.)
(news.artnet.com/exhibitions/joan-jonas-art21-1323164?utm_content=from_&utm_source=Sailthru&utm_medium=email&utm_campaign=Europe%20July%2027&utm_term=New%20Euro%20%2B%20Newsletter%20List)



PLAY Kortrijk – Circuit for Contemporary Art with Marc Bijl
23.06. – 11.11.2018, City of Kortrijk, Belgium
PLAY is a headstrong city festival organised from 23 June to 11 November 2018 that will take over the centre of Kortrijk with contemporary artworks (curated by Hilde Teerlinck and Patrick Ronse). You can immerse yourself in the unique world of national and international visual art at diverse indoor and outdoor locations in the city. During PLAY, the city not only serves as a canvas; bit by bit the festival simultaneously dissects our relationship with 'play'. How does play influence our social behaviour? How does 'play' reflect the evolution of our society? How important is play for our motor and cognitive development? Kortrijk is a member of the UNESCO Creative Cities Network, was officially named a child and youth-friendly city and is chosen as European City of Sport 2018. Kortrijk is growing, flourishing and above all, does not stand still. And it is precisely this continuous urban metamorphosis that makes the West Flanders city the dream décor for PLAY. Not only a breeding ground for regional, national and international talent, but also a springboard that offers opportunities. This unexpected creative melting pot carefully connects different disciplines such as art, design, education and entrepreneurship. A city with a generous dose of daring, sense of creative entrepreneurship and above all, the (play)room to experiment. (Image: Marc Bijl: „Lara Croft. La rivoluzione siamo noi“, 2002.)
(www.playkortrijk.be/en)



Joan Jonas wins 2018 Kyoto Prize
19.06.18 – 19.06.2019, The Inamori Foundation in Japan, Kyoto
The Inamori Foundation in Japan has revealed the winners of this year’s Kyoto Prize, which is presented annually in each of the following categories: advanced technology, basic sciences, and arts and philosophy. The recipients – neurologist Karl Deisseroth, mathematician Masaki Kashiwara, and artist Joan Jonas – will each be presented with a twenty-karat gold medal and more than $ 900,000. Born in New York in 1936, Jonas originally trained as a sculptor but soon became a pioneer of performance and video art. Deeply influenced by the work of Trisha Brown, with whom she studied dance, as well as by John Cage and Claes Oldenburg, Jonas is known for producing work that engages with myths, rituals, poems, folk songs, and texts from around the world. “Creating labyrinth-like works that lead audiences to diverse interpretations, she hands down the legacy of 1960s avant-garde art by developing it into a postmodern framework, profoundly impacting artists of later generations,” the prize said in a statement. The recipient of numerous honors and awards, Jonas represented the United States at the Fifty-Sixth Venice Biennale, which took place in 2015. She also received the Lifetime Achievement Award from the Solomon R. Guggenheim Museum in 2009. A longtime educator, Jonas has taught at the State Academy of Fine Arts Stuttgart in Germany and the Massachusetts Institute of Technology for many years. An exhibition dedicated to the artist’s work – the largest survey to be held in the UK – is currently on view at Tate Modern in London. Founded by Kazuo Inamori, chairman emeritus of the Kyocera Corporation in 1984, the international award honors those who have made significant contributions to the scientific, cultural, and spiritual betterment of mankind. In March of next year, Jonas will give a lecture at the Kyoto Prize Symposium, which will take place in San Diego, California (image: Joan Jonas in her studio in New York. Photo: Mike McGregor for The Observer.)
(www.artforum.com/news/joan-jonas-wins-2018-kyoto-prize-75753)



Group Show „In the Cut – Der männliche Körper in der Feministischen Kunst“ with Julika Rudelius, Opening: Friday, May 18th, 2018, 7 pm
18.05. – 30.09.2018, Stadtgalerie Saarbrücken, St. Johanner Markt 24, 66111 Saarbrücken
Sexualität als zentrales Thema in der Kunst war bis in die 1970er Jahre vornehmlich vom männlichen Blick auf den weiblichen Körper beherrscht. Auch feministische Künstlerinnen konzentrierten sich zunächst auf den eigenen Körper, während der (hetero-)erotische Blick auf den Mann bis heute eine Ausnahme darstellt. Wenn feministische Künstlerinnen ihren begehrlichen Blick auf den männlichen Körper werfen, brechen sie damit gleich mehrere Tabus und kehren die Machtverhältnisse um, die dem traditionellen Bilderkanon eingeschrieben sind. Mit ihren Darstellungen erotischer Männerkörper erheben sie Anspruch auf sexuelle Selbstbestimmung und künstlerische Autorität. Gleichzeitig stellen sie klassische Rollenzuschreibungen in Frage und eröffnen den Diskurs für neue Möglichkeiten sexueller Identität. Künstlerinnen, wie Louise Bourgeois (USA), Herlinde Koelbl (DE), Eunice Golden (USA), Joan Semmel (USA), Betty Tompkins (USA) oder Carolee Schneemann (USA) haben die Entwick-lung dieser feministischen Tendenzen vorbereitet. Ihre Werke werden diese international besetzte Themenausstellung ebenso bestimmen, wie Vertreterinnen der jüngeren Genera-tion mit Sophie Calle (FR), Anke Doberauer (DE), Tracey Emin (GB), Alicia Framis (ES), Kathleen Gilje (USA), Aude du Pasquier Grall (FR), Anna Jermolaewa (RU), Julika Rudelius (DE), Mwangi Hutter (DE/KE), ORLAN (FR), Jana Sterbak (CAN), Susan Silas (USA) und Paula Winkler (DE). So stehen in der Ausstellung nicht nur die Arbeiten der ersten Feministinnen-Generation, sondern auch die jüngerer Künstlerinnen im Fokus, die den begehrenswerten männlichen Körper für sich oder in der Begegnung mit dem eigenen Körper in Szene setzen. Der Mann ist Objekt des Begehrens und zugleich agierendes Subjekt. Es sind Männer-Bilder, die sich formal nicht notwendigerweise von homoerotischen Darstellungen unterscheiden, und doch ist die Frau als künstlerisches Subjekt in ihnen stets präsent – vielleicht oder gerade weil sie ihren Modellen Verletzlichkeit, Unvollkommenheit und Individualität zugesteht, und sie dadurch angreifbarer und begehrenswerter macht. In anderen Fällen sind es die bewusst gesetzten Spuren weiblicher sexueller Aktivität, die uns als Objekte, Skulpturen oder Videobilder begegnen. Ziel dieses Ausstellungsprojekts ist es, die Werke von Künstlerinnen vorzustellen, die durch ihre Auseinandersetzung mit dem Tabu der eigenen weiblichen Sexualität ausgegrenzt oder ignoriert wurden. Denn feministische Künstlerinnen, die ihren begehrlichen Blick auf den männlichen Körper werfen, brechen gleich mehrere Tabus und kehren die Machtverhältnisse um, die dem traditionellen Bilderkanon eingeschrieben sind. Mit ihren Darstellungen erotischer Männerkörper erheben sie Anspruch auf sexuelle Selbstbestimmung und künstlerische Autorität. Gleichzeitig stellen sie klassische Rollenzuschreibungen in Frage und eröffnen den Diskurs für neue Möglichkeiten sexueller Identität. Kuratorin: Dr. Andrea Jahn. Zur Ausstellung erscheint ein Katalog im Kerber Verlag, Bielefeld (230 Seiten, deutsch/englisch). Foto: Julika Rudelius: „The Hare“, 2018, 4 HD Videoloops about 2-4 min.
(www.stadtgalerie.de/in_the_cut_der_maennliche_koerper_in_der_feministischen_kunst)



"In the Cut" in der Stadtgalerie Saarbrücken mit Julika Rudelius, SWR-Fernsehen: „KUNSCH!“-Beitrag vom 17.05.2018, 5 min.
18.05. – 30.09.2018, Stadtgalerie Saarbrücken, St. Johanner Markt 24, 66111 Saarbrücken
Die Stadtgalerie Saarbrücken zeigt den männlichen Körper in der Feministischen Kunst und verspricht viele nackte Tatsachen von 19 internationalen Künstlerinnen (Foto: Julika Rudelius).
(www.ardmediathek.de/tv/Kunscht/In-the-Cut-in-der-Stadtgalerie-Saarbr%C3%BC/SWR-Fernsehen/Video?bcastId=18349524&documentId=52514494)



New catalogue „more or everything“ by Wolfgang Flad
06.02.18 – 06.02.2019,
„WOLFGANG FLAD. more or everything“, ed. Atelier Wolfgang Flad & Sylvia van der Woude, Berlin: VfmK Verlag für moderne Kunst 2018, S. 191.
(www.wolfgangflad.de/)



Herzlichen Glückwunsch Thomas Locher!
08.02.17 – 08.02.2022, HGB Leipzig – Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig
Der Erweiterte Senat der HGB Leipzig hat gestern (08.02.2017) den Künstler Thomas Locher zum neuen Rektor der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig gewählt. Die Amtszeit des neuen Rektors beträgt fünf Jahre. Thomas Locher löst mit seiner Wahl Prof. Dr. Ana Dimke ab, die seit 2011 Rektorin der HGB war und zum 1. April 2016 aus persönlichen Gründen aus dem Amt ausgeschied. „Ich bin sehr glücklich über die Wahl! Mich ehrt das entgegengebrachte Vertrauen, das ich unbedingt zurück geben möchte“, sagte Thomas Locher nach der Wahl. „Ich freue mich auf interessante und produktive Jahre mit den Studierenden und den KollegInnen an der HGB Leipzig.“ Thomas Locher, geboren 1956 in Munderkingen, ist Künstler. Von 1979 bis 1985 studierte er an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart, 1981 bis 1985 an der Universität Stuttgart. Locher lehrte international an Kunstakademien, Fachhochschulen und Universitäten (Merzakademie Stuttgart, Technische Universität Wien) und war von 2008 bis 2016 Professor an der Königlich Dänischen Kunstakademie in Kopenhagen. Thomas Locher ist Mitglied im Deutschen Künstlerbund. Er lebte von 1986 bis 2000 in Köln, arbeitet und lebt nun in Berlin und Kopenhagen. Thomas Locher stellte weltweit aus, u. a. in der Tate Gallery, Liverpool (1989), im Museum of Contemporary Art, Sidney (1992), im Museum of Modern Art, Saitama/Japan (1994), in den Deichtorhallen, Hamburg (2004) und im Museum of Modern Art, New York (2006). Lochers Arbeiten sind heute in großen öffentlichen Sammlungen vertreten, wie im Museu d’Art Contemporani de Barcelona, im Museum of Modern Art, New York, in der Vancouver Art Gallery, in der Grafischen Sammlung Albertina, Wien und in der Staatsgalerie Stuttgart. Foto: Erich Malter
(www.hgb-leipzig.de/)