Past Artfairs
CURRENT EXHIBITION
Julika Rudelius, Hail Mary Pass, 05.04. – 11.05.2019



ARTIST NEWS 
ART ALARM 2019 – Galerienrundgang Stuttgart, Saturday (21.09.2019), 11 am - 9 pm; Sunday (22.09.2019), 11 am - 6 pm
21.09. – 22.09.2019,

(www.art-alarm.de/)



„14. Triennale Kleinplastik Fellbach. 40.000 – Ein Museum der Neugier“ with Tim Berresheim, Opening: Saturday, June 1st, 2019, 11 am
01.06. – 29.09.2019, Alte Kelter Fellbach, Untertürkheimer Str. 33, 70734 Fellbach
The Triennial was born in Fellbach in 1980 as a forum of contemporary small-scale sculpture. Every three years the Small Sculpture Triennial presents contemporary sculptures by international artists on 3000m² of exhibition space. The idea underlying the Triennial − to give renowned curators extensive freedom to formulate a concept and select the participating artists, while working within the parameters of the binding and unifying term ′small sculpture′ − guarantees that every single Triennial is vibrantly innovative and unique. The exhibition is fully committed to the current art discourse. The success story that is the Triennial was decisively shaped by the respective artistic directors. While geographical and geopolitical premises set the framework for the first seven Triennials, since 2001 − at a juncture when the globalisation of art came to the fore − those responsible have decided to pursue a conceptual orientation, meaning that emphasis was placed on aesthetic, art historical and sociological questions. The international profile of the exhibited artists remained the guiding principle however − so too the focusing on sculpture in smaller format, which was by no means understood dogmatically however. The curators engaged up until now were Heinz Fuchs, Manfred Schneckenburger, Christoph Brockhaus, Lóránd Hegyi, Werner Meyer, Thomas Deecke, Jean-Christoph Ammann, Matthias Winzen and Ulrike Groos. They were followed by Yilmaz Dziewior and Angelika Nollert. The 13th Triennial was curated by Susanne Gaensheimer. The 14th Small Sculpture Triennial will be curated by Dr Brigitte Franzen (*1966).
(www.triennale.de/triennale.php)



LINIE WEST 2019 + LINIE WEST Night, LINIE WEST: Saturday, May 11th, 2019, 11 am - 11 pm (at all locations without Künstlerhaus Stuttgart); from 10 pm LINIE WEST Night at Künstlerhaus Stuttgart
11.05. – 11.05.2019, Die LINIE WEST verbindet als Rundgang folgende Häuser miteinander: AKKU (Projektraum des Künstlerbundes Baden-Württemberg, Clemens Ottnad), Galerie von Braunbehrens (http://www.galerie-braunbehrens.de/), Galerie Thomas Fuchs (http://www.galeriefuchs.de/), Galerie Reinhard Hauff (http://www.reinhardhauff.de/), Galerie Michael Sturm (http://www.galerie-sturm.de/), Galerie Kernweine (https://www.galerie-kernweine.com/), Künstlerhaus Stuttgart (http://kuenstlerhaus.de/) und Strzelski Galerie (http://www.strzelski.de/).
LINIE WEST. Der Galerienrundgang 2019 im Stuttgarter Westen. Die beteiligten Häuser haben sich entschlossen die LINIE WEST ab sofort einmal im Frühjahr stattfinden zu lassen. Sechs Galerien, ein Projektraum und das Künstlerhaus Stuttgart freuen sich am Samstag, den 11. Mai 2019, zwischen 11 und 23 Uhr ihre Türen für den Galerienrundgang der LINIE WEST zu öffnen. Zudem nehmen die Galerien Reinhard Hauff und Strzelski den Galerienrundgang zum Anlass ihre aktuellen Ausstellungen an diesem Tag zu eröffnen. Neu dabei sind die Galerie Kernweine und der Projektraum AKKU des Künstlerbundes Baden-Württemberg. Am Abend laden alle Häuser zum Abschluss der LINIE WEST ab 22 Uhr zur LINIE WEST Night im Künstlerhaus Stuttgart ein.
(www.linie-west.de/)



Solo Show „Clément Cogitore“, Opening: Saturday, May 11th, 2019, 11 am
11.05. – 22.10.2019, Marc Chagall National Museum, Nice
Over the past 15 years, the Musées nationaux of XXth century of the Alpes-Maritimes have placed contemporary art at the heart of their artistic and cultural programs: building bridges between the three iconic avant-garde art masters that were Marc Chagall (1887-1985), Fernand Léger (1881-1955) and Pablo Picasso (1881-1973) and 21st-century artists. In spring 2019, Clément Cogitore (born in 1983) will be taking over the Musée national Marc Chagall and opening a new chapter based on motion picture, a process the museum already embarked upon in 2018, when it took part in the MOVIMENTA Festival and hosted for artists film-makers duo Joana Hadjithomas and Khalil Joreige. In addition, this year’s exhibition is the Musée national Marc Chagall’s contribution to the City of Nice's “L’Odyssée du Cinéma” initiative for celebrating the centenary of the Studios de La Victorine. Video artist and filmmaker, Clément Cogitore produces expansive and unique work that draws on documentary images, still images and motion picture. This is an ode to images in all their many statuses and uses but also to the wonderment inspired by the processes of making and revealing them. In his films, photographs and installations, Cogitore combines a mixed assortment of visual components that shed light on contemporary society through staged structures, often inspired by timeless myths and archetypal forms. Like Chagall, another artist who drew regularly on narrative, his ending is not an end in itself, with the priority being to render the world around us present, rather than depict its realities (Daniel Sibony, “Chagall; Créer un monde qu’on jouisse de faire exister” in Fantasmes d'artistes, Odile Jacob, Paris, 2014.) The tale structure and the use of allegory both link the two artists; this exhibition attempts to underline their formal similarities. First the shared interest in the idea of conflict with riot scenes (Ghost Horseman of the Apocalypse in Cairo Egypt, 2017), Anonymous gatherings (We are legion, 2012) and military uniforms decomposing in the desert (Digital Desert, 2015), showcased alongside the Russian painter’s war scenes and crucifixions. In these closed-off, shadow worlds, the subject is not only underlying violence but also utopia - Thomas More’s Nowhere Land - that exists outside time and place, a world destined to collapse and to exist in hope of redemption. A second motif emerges around the idea of the sacred and related forms of faith. Chagall’s work is underpinned by Hasidic Jewish influences in which human lives and objects are tirelessly ritualised. In parallel, Clément Cogitore tells a story through images of contemporary ceremony (Élégies, 2014), an 18th-century celestial sphere (Zodiac, 2017) and prehistoric wall painting (Untitled, 2017). Images sourced from popular culture that serve as an extension of the permeable frontier that exists between the divine and the profane, the visible and the imperceptible. Both artists share this urge to unify and reach the absolute, allowing them to build highly personal links with theatre, opera, music and dance. Les Indes Galantes is a lyrical and spectacular baroque opera ballet by Jean-Baptiste Rameau (1735). Clément Cogitore's adaptation of a short opening extract (2017) will be screened in the Museum concert hall, then the artist will stage the full opera in autumn 2019 at Bastille - Opéra national de Paris. Thus, it is another new chapter in his career as the young artist continues to approach the world as an endless source of inspiration. In line with the Cinéma-Nice season, the exhibition will include film screenings scheduled in collaboration with contributors from the region’s cultural and artistic scene. Curator: Anne Dopffer, General curator and Director of the Musées Nationaux of XXth of the Alpes-Maritimes museums, in collaboration with Gaïdig Lemarié, head of cultural partnerships. Clément Cogitore is the 2018 winner of the Marcel Duchamp Prize awarded by the ADIAF - Association for the International Promotion of French Art. He was born in 1983 in Colmar, works and lives between Paris and Strasbourg. In 2011, he was awarded the Grand Prix du Salon de Montrouge and was a resident of the Académie de France at the Villa Medici in Rome in 2012. His films have been selected and awarded prizes at many international festivals (Cannes, Locarno, Telluride, Los Angeles, San Sebastian, etc.). His work has also been exhibited in a number of museums and art centres in France and abroad (Palais de Tokyo and Georges Pompidou Centre in Paris, the ICA in London, the Museum of Fine Arts in Boston and the MOMA in New York). In 2015, his first feature film, Ni Le ciel, Ni la terre, was awarded the Fondation Gan prize at the Cannes Film Festival – Critics’ Week, and was nominated for a César Award for the Best Film. That same year, he was awarded the BAL prize for emerging talent, followed by the SciencePo prize for contemporary art and the Fondation d'Entreprise Ricard prize for contemporary art in 2016. In 2017, his documentary Braguino was unanimously hailed as a success by critics, and garnered several prizes (best artistic contribution, best original soundtrack, etc.) and special mentions at international festivals. In celebration of its 350th anniversary, the Opéra national de Paris commissioned Clément Cogitore to stage the entire production of the Les Indes Galantes ballet opera by Jean-Baptiste Rameau. The first performance will take place in September 2019. Clément Cogitore's works have been acquired by many collections: Georges Pompidou Centre, Musée national d’Art moderne, Fonds national d’art contemporain, Fonds d’art contemporain of the City of Paris, FRAC Alsace, Aquitaine and Auvergne, MAC/VAL, Musée d’Art Moderne et Contemporain in Strasbourg, Daimler Art collection, NMNM Monaco and a number of private collections.
(en.musees-nationaux-alpesmaritimes.fr/chagall/event/c-clement-cogitore)



Symposium „Film Screening and Roundtable: Josephine Meckseper, PELLEA[S] (2016-17)“ with Josephine Meckseper, Symposium: Wednesday, May 1st, 2019, 4:30-6 pm
01.05. – 01.05.2019, Princeton University, Humanities Council
Program in European Cultural Studies. „Film Screening and Roundtable: Josephine Meckseper, PELLEA[S] (2016-17)“. Roundtable participants: Josephine Meckseper (artist), Brigid Doherty (German), Jan-Werner Mueller (Politics), Spyros Papapetros (Architecture), Effie Rentzou (French and Italian), Michael Steinberg (Brown University; photo: Josephine Meckseper.)
(humanities.princeton.edu/event/film-screening-and-roundtable-josephine-meckseper-pelleas-2016-17/)



Solo Show “Josephine Meckseper. tu nichts gut”, Opening: Wednesday, April 24th, 2019, Forum: 6 pm
25.04. – 21.06.2019, Grzegorzki Shows, Berlin
Hair. Hair on floor. Wood floor. Skin without hair. Skin pressed against mirror. Shoes on pavement. Stone pavement. Lost coins on pavement. Toilet mats. Toilet brush. Earlier that day on the West Side Highway the sunlight was hitting leafless trees at a sharp angle. It was spring again. And I was in luck, the pizza box with the image of a dough juggling man was still there next to a flattened rat. A decision had to be made. I carried the dirty pizza box heading East towards my studio against a dark blue sky. The grease running onto my leather gloves and down coat.  The rat run over by a car was the only interesting discovery all day. Too many sirens and firetrucks coming and going to get any work done. On average one every ten minutes. And this wasn‘t even on the day of the explosion ten blocks away, filling the air with smoke and helicopters. The wind had shifted unfavorably to the North and was now blowing directly towards the 13th floor. The smell of death and old building material soon mixing with rain.  A week later, sun, moon and earth were going to line up in a straight axis. A total eclipse accompanied by record high ocean tides. I was feeling tense in anticipation. Nobody else seemed particularly worried about this on the street with the rat. Most people were ending their weekend rushing back to the suburbs in their cars. Cherokees, Patriots, Explorers and Compasses. Now we have become objects and the death of a rat is meaningless. No other species has ever left more than its skin and bones behind on this planet. Pants blending in with floor. White carpet. White chairs. White flowers. Yellow flowers. Unused TVs. Leopard skin towels. Mirrors. More mirrors. Empty beer cans. Chrysler building afar. No ceiling lamps. Just shades. Metal counter. Absence of cat. Fur pillow. (photo: Josephine Meckseper.)
(grzegorzkishows.com)



Artikel „In den Top Ten der Exklusiv-Marken. Mit Teppich-Kunst zum internationalen Erfolg: der Bochumer Jan Kath“ von Jens Greinke, Opening in der Galerie Reinhard Hauff: „CARPETBAGGERS“ mit Jan Kath, LELLO//ARNELL, Mark Pearson, Viron Erol Vert. In Zusammenarbeit mit KAMPE | 54 am Freitag, den 17. Mai 2019 von 19 - 22 Uhr
15.04.19 – 01.01.2020, im Westfälischen Anzeiger, NRW am 15.04.2019
Die Produkte von Jan Kath aus Bochum sind international gefragt, liegen in Prominenten-Villen und arabischen Königshäusern. Das Label „Jan Kath“ gehört in Deutschland zu den Top-Ten der Exklusiv-Marken – neben Glashütte, Leica oder Porsche. Bochum - Wenn Jan Kath durch die alte Industrieanlage in Bochum läuft, in der gerade rund 4000 Teppiche lagern, fühlt er sich erkennbar wohl. Es wäre kein Problem für ihn gewesen, das so genannte „Headquarter“ seiner Firma in Berlin-Mitte oder im hippen Kreuzberg zu verorten. Überhaupt keins. Doch das Herz seines kleinen, aber feinen Teppich-Imperiums schlägt in Bochum-Ehrenfeld, mitten in einem Wohngebiet, nebenan steht das Universitäts-Klinikum Bergmannsheil. „Ich bin ein Kind des Ruhrgebiets und genieße es, hier zu leben. Die Art und Weise, wie die Menschen hier miteinander umgehen, spricht mich total an. Ich bin eine direkte Haut“, sagt der 47-Jährige. Jan Kath hat die Bodenhaftung trotz seines märchenhaften Erfolges nicht verloren. Eine ziemlich passende Einstellung für jemanden, der Teppiche herstellt. Oder in seinem Fall: der Teppiche malt. Die Teppiche, die hier in den großen Hallen hängen, sind Gemälde aus tibetischer Hochlandwolle und sehr viel Seide. Manchmal scheint sie wie mit Goldfäden durchwirkt, mal ist der Flor unterschiedlich hoch, so dass sie eine pastöse Wirkung erzielen fast wie ein Bild von Vincent van Gogh. Eigentlich sind sie viel zu schade, um auf ihnen herumzulaufen. Dennoch sagt Kath auf die Frage, ob er seine Teppiche lieber an der Wand oder auf dem Fußboden sieht: „Auf dem Boden.“ Die Teppiche von Jan Kath haben fast immer zwei Ebenen. Sie sind oft eine Fusion aus Tradition und Moderne, bei der das klassische Teppichmuster von einem anderen Thema überlagert wird. „Im Design-Ansatz in unserem Team ist ganz klar erkennbar, dass wir aus dem Ruhrgebiet sind. Wir sind stark beeinflusst von den morbiden Erscheinungsbildern der Industriekultur. Es war die ursprüngliche Idee, den Orientteppich mit der Industriekultur und dem Verfall zu verbinden“, sagt Kath. Manche Teppiche sehen deshalb auf den ersten Blick aus, als seien sie durchgewetzt oder hätten farbige Flecken. Auf den zweiten Blick sind sie wunderschön. Und sehr edel. Mittlerweile gibt es gut 20 verschiedene Kollektionen, die Kath mit seinem Team entworfen hat. Sie heißen „Jungle“, „Heiter bis wolkig“ oder „Spacecrafted“, jede Kollektion behandelt ihr eigenes Thema. Ein großer Erfolg ist die Serie „Erased Heritage“. „Das sind Teppiche, die eine Fusion eingegangen sind zwischen ganz alten traditionellen Mutterstücken und der Moderne. Wir haben für diese traditionellen Teppiche eine zweite Ebene geschaffen, eine zweite Schablone. Wobei: Diese wird nicht im Nachgang aufgebracht, sondern ist Teil des ursprünglichen Produktionsvorgangs. Das ist ganz wichtig“, erzählt Kath. Der Werdegang des 47-Jährigen ist auch aus pädagogischer Sicht eine hoch spannende Geschichte. Eine Geschichte davon, wohin es führen kann, wenn die Eltern ihrem Sohn den maximalen Freiraum lassen. Wenn Kath an seine Jahre als Heranwachsender zurückdenkt, dann spricht er von einer „starken Sturm- und Drangperiode“. In die Fußstapfen seines Vaters, der einen angesehenen Teppichhandel in zweiter Generation führt, möchte er partout nicht treten. Und er ist konsequent. Er bricht die Lehre als Einzelhandelskaufmann ab und zieht in die Welt. „Ich hatte keinen Bock mehr darauf.“ Er reist als Backpacker nach Indien, nach Nepal und nach Tibet. „Mit einem sehr leichten und kleinen Rucksack“, wie er sagt. Mit möglichst wenig Ballast. In Indien tritt er unter anderem als Veranstalter von Techno-Partys auf. „Das war aber auch eine sehr anstrengende Zeit in jeglicher Hinsicht, muss ich heute sagen“, so Kath. Wenn er von seiner Zeit in Indien erzählt, klingt es ein wenig nach Bewusstseinserweiterung. Er reiste weiter nach Kathmandu, wo er auf der Straße zufällig einen ehemaligen Lieferanten seines Vaters traf. Wobei: Zufall? „Ich glaube, ehrlich gesagt, gar nicht so an Zufälle. Irgendwie war es Schicksal“, sagt Kath: „Der Lieferant hat mich dann zu einem echten Espresso eingeladen, der damals eine Rarität in Kathmandu war. Er hat mir seine Geschichte erzählt und dabei kam heraus, dass er, nun ja, nach einem Nachfolger suchte. Er wollte nicht weiter in Nepal leben, ich wiederum wollte noch nicht zurück nach Europa.“ So habe sich „die Sache“ schließlich ergeben, 1996 übernahm Jan Kath die Werkstatt in Kathmandu mit 300 Arbeitern. Er war 24 Jahre alt. „Ich bin bis heute meiner Mutter Ruth und meinem Vater sehr, sehr dankbar, dass er mich an der ganz, ganz langen Leine gelassen hat“, sagt Kath: „Ich glaube, dass ich damals Dinge machen konnte, die mein Vater immer machen wollte, aber nicht gedurft hatte.“ So gab es nie einen Bruch mit Kath senior, auch nicht, als der Sohn seine Lehre im elterlichen Betrieb abbrach. Ganz im Gegenteil: Der Senior ermöglichte Jan Kath später den Sprung ins Gewerbe, als er ihm für den Kauf der Teppich-Werkstatt vorzeitig sein Erbe zur Verfügung stellte. Wenn Jan Kath heute von seinem Vater, der vor zwei Jahren verstarb, spricht, nennt er diesen oft „meinen großen Lehrer“. Mit ebenso großer Hochachtung spricht er von seiner Mutter Ruth, die heute gemeinsam mit Jan und seinem Bruder David der Geschäftsführung des Bochumer Unternehmens angehört. Als nepalesischer Teppich-Produzent orientierte sich Kath zunächst auf die gängigen Muster und Designs. „Wir hatten noch keine eigene Handschrift“, sagt er. Außerdem schien sich Ende der 1990er Jahr die Zeit der Teppiche dem Ende zuzuneigen. „Die Menschen hatten gar kein Interesse an Teppichen“, erinnert sich der 47-Jährige. Also wagte er etwas Neues. 1999 kratzte er für ein Foto-Shooting in der Zeche Zollverein in Essen „die letzten Kröten“ zusammen, investierte 25.000 Mark für den Fotografen und den Katalog und inszenierte seine Teppiche in einer Industrie-Ruine. Das Design seiner Stücke war der Umgebung angepasst. Kath gestaltete sozusagen Teppiche, die vom Stil her in die zerfallenen Hallen der Ruhrgebietszechen passten. Und hatte damit einen Nerv getroffen. „Das Ding ging durch die Decke“, erinnert sich Kath. Seine Kreationen wurden international wahrgenommen. Und zwar nicht nur als Teppiche, sondern auch als Statement in der Kunstwelt. „Damit hatte ich überhaupt nicht gerechnet. Es war ein bisschen ein Schock für uns. Ein toller Schock“, sagt Kath. Danach habe sich „alle Welt auf uns“ gestürzt. Es war der Anfang einer Erfolgsgeschichte, die bis heute andauert. Die Marke „Jan Kath“ ist ein Synonym für exklusive und hochwertige Teppiche geworden. In Deutschland existieren mittlerweile „Showrooms“ in Berlin, Hamburg, Stuttgart, Köln und München, dazu kommen drei weitere in New York, Vancouver und Toronto. Zudem existiert ein weltweites Händlernetz. In Kürze will sich Jan Kath dem asiatischen Markt mit Schwerpunkt China zuwenden. Die Jan-Kath-Teppiche liegen in den Villen von Prominenten, in arabischen Königshäusern und auf Luxusyachten. Ex-US-Präsident Bill Clinton gehört ebenso zu den Kunden wie Anthony Kiedis von den Red Hot Chilli Peppers. Für die Hochzeit von Fürst Albert II. von Monaco mit Charlène Wittstock wurde 2011 nach dem speziellen Tuft-Verfahren ein 103 Meter langer roter Teppich produziert, der 1,3 Tonnen wog. Kaths Antrieb ist in all den Jahren derselbe geblieben: „Ich will schöne Sachen für tolle Leute machen“, sagt er. Und zu den tollen Leuten gehören nicht nur Stars und Fürsten, ganz im Gegenteil. „Wenn eine Frau Müller von nebenan zu uns kommt und sich einen dieser Teppiche gönnt, finde ich es viel, viel spannender. Viel spannender, als wenn irgendwo auf der Welt jemand mit dem Finger schnippt und sagt; Bring’ mir mal!“, sagt Kath. Da ist sie wieder, die Bodenhaftung. Jan Kath käme wohl niemals auf die Idee abzuheben. Selbst, falls er eines Tages auf die Idee kommen sollte, fliegende Teppiche zu produzieren (Foto: Jan Kath © Jens Greinke).
(www.wa.de/nordrhein-westfalen/teppich-kunst-internationalen-erfolg-kath-bochum-12193191.html)



Group Show „Negativer Raum. Skulpturen und Installationen im 20. und 21. Jahrhundert“ with Wolfgang Flad, Opening: Friday, April 5th, 2019, 7 pm
06.04. – 11.08.2019, ZKM – Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe, Karlsruhe, Lichthof 1+2, EG + 1.OG
Die letzte Ausstellung, die sich umfassend mit der Frage »Was ist moderne Skulptur?« beschäftigt hat, fand 1986 im Centre Georges Pompidou in Paris unter dem Titel »Qu'est-ce que la sculpture moderne?« statt. Die Ausstellung »Negativer Raum« im ZKM | Karlsruhe hebt den Speer dort auf, wo ihn das Centre Pompidou fallen ließ. Die Geschichte der westlichen Skulptur ist seit der Antike auf das Engste mit der Idee des Körpers verbunden. Ob geschnitzt, modelliert oder gegossen, Statuen wurden über Jahrhunderte als solide Monolithe entworfen – als feste und in sich geschlossene Körper, als mehr oder minder mächtige und gewichtige Positiva im Raum. Unsere Vorstellungen und Erwartungen davon, was eine moderne oder zeitgenössische Skulptur ist, werden noch immer wesentlich von eben jenem Konzept der Körperskulptur geprägt, das formal auf den drei elementaren Kategorien Masse, Volumen und Schwerkraft gründet. Ob körperbezogen wie bei Auguste Rodin oder abstrahiert wie bei Richard Serra, Skulptur ist immer noch in erster Linie Masse, Volumen und Gravitation. Die Ausstellung »Negativer Raum« möchte den Blick auf die moderne und zeitgenössische Skulptur ändern und eine andere Geschichte der Skulptur erzählen. Ziel der Ausstellung ist es, die Beziehungen von Skulptur und Raum dezidiert vom Raum aus zu denken. Alle Exponate thematisieren das skulpturale Phänomen in Relation zu vielfältigen Raumvorstellungen: Freiräume, Um-, Hohl- und Zwischenräume, Spiegel-, Licht- und Schattenräume, virtuelle Datenräume etc. Die Ausstellung bietet einen umfassenden Überblick zur Kunst der Skulptur, die entgegen der traditionellen Definition der Kontur, Leere und Levitation verpflichtet ist: leicht statt schwer, nicht voll doch leer, geöffnet statt geschlossen, diaphan statt dicht, luftig und licht. Infolge der Fortschritte in den Naturwissenschaften und der Architektur, der Entwicklung neuer Werkstoffe, Konstruktionstechniken und der Orientierung von der zweidimensionalen Fläche der nicht-gegenständlichen Malerei in den dreidimensionalen Raum vollzog sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts ein Entwicklungssprung von der Körperplastik zur Raumplastik. Dass dabei nicht nur zeitgenössische Raumtheorien die künstlerische Imagination aktivierten, sondern ebenso mathematische Gips- und Drahtmodelle aus dem 19. und 20. Jahrhundert wird in der Ausstellung anhand von Exponaten aus den mathematischen Sammlungen der TU Darmstadt, TU Dresden, TU Freiberg, der Georg-August-Universität Göttingen und Ruprecht-Karls-Universität Heidelberg sowie des KIT Karlsruhe zu erkunden sein. Anhand von mehr als 200 wegweisenden künstlerischen Positionen, die neue Ansätze der Skulptur durch Verfahren und Modelle der Abstraktion, der Konstruktion und Nicht-Gegenständlichkeit entwickeln, werden vielfältige Bezüge im Raum herausgearbeitet und das Konzept des »Negativen Raums« entfaltet. Aufgezeigt werden die Entwicklungslinien der Raumskulptur ausgehend von Kubismus, Konstruktivismus, Neo-Konstruktivismus, Minimal Art hin zu installativen immersiven Environments. Peter Weibel (Kurator/in), Daria Mille (Ko-Kurator/in), Anett Holzheid (Ko-Kurator/in).
(zkm.de/de/ausstellung/2019/04/negativer-raum)



Group Show „Gemalte Diagramme. Bauhaus, Kunst und Infografik“ with Stephen Willats, Opening: Saturday, March 30th, 2019, 7 pm
31.03. – 29.09.2019, MUSEUM FÜR KONKRETE KUNST INGOLSTADT
Die Ausstellung „Gemalte Diagramme. Bauhaus, Kunst und Infografik“ legt offen, dass bis heute eine erstaunliche Wechselwirkung zwischen Infografik und Kunst besteht, deren Anfänge im Bauhaus und seinem Umfeld zu finden sind. Ob Organisationspläne im Büro, Fieberkurven im Krankenhaus oder Wahlergebnisse im Fernsehen – Diagramme sind omnipräsent. Sie umgeben uns im Alltag und prägen unsere visuelle Erfahrung. Keine Zeitung oder Nachrichtensendung, die ohne diese Form des Infotainments auskäme. Wer etwas erklären oder von etwas überzeugen will, der versucht, Zahlen verpackt in Bildern zu liefern. Diagramme sind Bilder, die statistische Größen und Größenbeziehungen vermitteln möchten; Bilder mit hohem Grad an Abstraktion, erzeugt mit minimalen Mitteln. Exakt so lassen sich viele Werke der Konkreten Kunst beschreiben. Dieser Parallele zwischen Infografik und Kunst geht das Museum für Konkrete Kunst (MKK) nach und spürt dabei auf, dass der Eindruck einer Ähnlichkeit nicht auf einem diffusen Gefühl beruht. Mit dem Titel der Ausstellung nimmt sich das MKK dem Begriff einer Bauhaus-Schülerin an: Margaret Camilla Leiteritz ließ auf der Basis von Grafiken der Naturwissenschaften ihre „Gemalten Diagramme“ entstehen. Ausgehend hiervon nutzt das MKK die Irritation, die sich durch die Kombination der beiden Worte ergibt, für seine Präsentation zeitgenössischer Kunst: Das Gemalte lässt sich doch (zu) schnell mit dem Malerischen und dadurch mit einem subjektiven Kunstwerk gleichsetzen. Dem gegenüber steht das Diagramm als nüchterne, datengestützte und vermeintlich objektive Repräsentationsform. Die Ausstellung legt jedoch offen, dass seit der Zeit des Bauhauses bis in die Gegenwart eine erstaunliche Wechselwirkung zwischen Infografik und Kunst besteht. Die Präsentation zeigt Werke von rund 30 internationalen Künstler*innen und demonstriert, wie Inhalte und Ästhetiken von Diagrammen auf subversive, ironische oder affirmative Art in der Bildenden Kunst eingesetzt werden. Andersherum betrachtet sie auch, welches Repertoire an künstlerischen Gestaltungsmitteln abermals von Grafikern*innen wie selbstverständlich angewandt wird. Aus beiden Perspektiven zeigt sich: Es geht immer um einen durch ästhetische Mittel gesteuerten Erkenntnisprozess, hinter dem im schlechtesten Fall die Manipulation und im besten Fall ein Wahrheitsgewinn steckt (Foto: Stephen Willats: „Information Transfer Series No. 1“, 1994).
(www.mkk-ingolstadt.de/besuchen/ausstellungen/vorschau/)



Group Show „The unkown City: China Modern Architecture Installation Media Exhibition“ with Yuan Shun, Opening: Saturday, March 30th, 2019, Forum: 9 - 12 am and Ceremony: 3 - 4 pm
30.03. – 30.09.2019, Shenzhen Pingshan Art Museum, Shenzhen, China
Pingshan Art Museum, a new cultural landmark in Pingshan District, was officially unveiled to the public Saturday, bringing an “Unknown city” themed exhibition that shows China’s contemporary architecture and explores the future of urban.  Designed by famous Chinese architect Dong Gong and covering a floor area of 9,900 square meters with six floors, the museum stands just beside Pingshan Library, which opened to the public March 23. In addition to exhibition halls, the art museum also provides visitors with delicately landscaped outdoor gardens and a spacious coffee shop. The exhibition, running from March 30 to Sept. 30, is a celebration of the opening of the museum and features installation, photography and video works from 71 groups of the most outstanding contemporary Chinese architects, urban planners, designers, artists and researchers specializing in urban planning. In the future, the museum will be developed to meet international standards, housing collections that demonstrate Shenzhen’s characteristics. It is currently conducting curator recruitment nationwide (photo: Yuan shun's "yuan,yuan,yuan,yuan" installation view 2019 at pingshan art museum.)
(xyaqzm.epub360.com.cn/v2/manage/book/25ytay/?from=timeline&isappinstalled=0)



Solo Show „Josephine Meckseper“, Opening: Saturday, March 9th, 2019, 4:30 pm at Frac des Pays de la Loire in Carquefou and 7 pm at HAB Gallery in Nantes. Exhibition period in HAB Galerie, Nantes: 09.02-21.04.2019 and in Frac des Pays de la Loire, Carquefou: 09.03.-26.05.2019.
09.03. – 26.05.2019, Frac des Pays de la Loire in Carquefou and HAB Gallery in Nantes.
Josephine Meckseper is presenting, at the invitation of the Frac des Pays de la Loire regional collection of contemporary art, her first solo exhibition in a French establishment. Spread over two sites — the HAB Galerie, Nantes and the Frac at Carquefou — this twofold event brings together a significant selection of works created by the German artist over the past fifteen years, in conjunction with selected works from the Frac collection. As an artist and curator, Josephine Meckseper also incorporates some twenty works by other artists, mainly women (Becky Beaskey, Sherrie Levine, VALIE EXPORT, Lili Dujourie, Monica Bonvicini, Sister Corita Kent, Karla Black…) into her own offerings, vitrines and shelving units in particular. Josephine Meckseper looks to topical issues for the raw material of her works, with a particular penchant for the rhetoric and modes of representation employed by political and economic actors. In 2009, she produced a series of works focussing on wars waged in countries of strategic importance in terms of US national interests. Josephine Meckseper takes life-size oil pumpjacks out of their original context „Untitled (Oil Rig n° 2)“. She pits these icons of industrial power against the replica of a World War II bunker, „Untitled (Bunker)“, reminiscent of the bunkers photographed and described by Paul Virilio in his book „Bunker Archaeology“ (1975). Meckseper’s aim here is to create links between American economic interests, the automobile industry’s huge dependence on this fossil fuel and the wars waged in the Middle East. The question of freedom of speech, which was severely restricted by censorship during the presidency of George W. Bush, particularly after September 11, 2001, lies at the heart of her video, „March for Peace, Justice and Democracy“, made in 2007. It contains footage of activists marching in protest against the American presence in Iraq. Here the artist has recorded one of the few demonstrations authorised in New York that year (and censored by the American media). Shot on 16 mm film, the movie recalls some of the archival images of much more high-profile mediated protests against the Vietnam War in the late 1960s. The artist often combines symbols of political protest, such as signs or photographs, with consumer goods. Presented in vitrines or on elevated platforms, these installations possess a subtle sophistication, a cold luxury. For the artist, these smooth chrome surfaces are “designed to be targets, like high-end shop windows being smashed during riots and protests. These works mimic retail aesthetics in order to activate the commercial zone into a political one”. The artist arranges disparate elements on an equal footing within these structures. Her method is to accumulate and to juxtapose. Through consumer items, ready-mades, facsimiles (some of which, like Brancusi’s endless column, are taken from modern art history), the artist draws on the reified world of merchandising and the way in which the object captivates the viewer in order to deliver a critical message. Moreover, the installations touch on the historical background of works by Hoetger, Brancusi and Mies van der Rohe and show how the emergence of modernism, German expressionism and the avant-garde was transformed into a form of political and aesthetic resistance to the upsurge in extremism during the first quarter of the twentieth century. In her latest series of works, which feature heavily in the exhibition, large canvas pieces, digitally modified to convey the texture of paintings, act at once as abstract compositions, contemporary “ready-mades”, images, or even as merely decorative objects. Through this series, the artist shows how the consumer and communication society tends to dissipate any ideological discourse and militant practice by fetishizing political symbols and reducing utopias (such as those embraced by avant-garde artists)to phenomena of fashion. Josephine Meckseper was born in 1964 in Lilienthal, Germany. Her works are featured in various institutional collections including the Brooklyn Museum; the Frac Nord – Pas-de-Calais regional collection of contemporary art, Dunkirk; the Kunsthalle Bremen, Germany; the Kunstmuseum Stuttgart, Germany; the Metropolitan Museum of Art, New York; the Migros Museum für Gegenwartskunst, Zürich, Switzerland; the Museum of Modern Art, New York; the Museum on the Seam, Jerusalem; the National Gallery of Victoria, Melbourne; the Solomon R. Guggenheim Museum, New York; and the Whitney Museum of American Art, New York (photo: Josephine Meckseper: „Untitled (Oil Rig No. 2)“, 2009.)
(fracdespaysdelaloire.com/fr/programme/2019/au-frac/josephine-mecksepper)



Group Show „Lust der Täuschung. Von antiker Kunst bis zur Virtual Reality“ with Tim Berresheim
22.02. – 30.06.2019, Ludwig Forum Aachen
Schon immer spielte die Kunst mit unserer Wahrnehmung und führt uns vor Augen, wie einfach wir doch zu täuschen sind. Neue Materialien und digitale Bildbearbeitung sind mittlerweile so perfekt, dass genaues Hinsehen nicht ausreicht, um zu wissen, womit wir es zu tun haben: Fakt oder Fiktion. Das ist allerdings kein neues Phänomen, denn seit der Antike nutzen KünstlerInnen stets neueste Techniken, um unsere Wahrnehmung zu irritieren, die Betrachtenden zu verblüffen und vor allem, um ihre große Kunstfertigkeit zu beweisen. Die Ausstellung Lust der Täuschung. Von antiker Kunst bis zur Virtual Reality widmet sich in einem weit gefassten Panorama den unterschiedlichsten ästhetischen Spielformen von Schein, Illusion und Simulation. Mit rund 100 Werken aus vier Jahrtausenden präsentiert die Ausstellung faszinierende Beispiele aus den Bereichen Malerei, Skulptur, Fotografie, Film, Video, immersiver und interaktiver Medienkunst, Augmented und Virtual Reality (AR / VR), angewandter Kunst sowie Design. Sie bietet damit einen höchst unterhaltsamen Parcours durch die (Kunst-)Geschichte von Schein und Illusion. In Zeiten von Fake News, alternativen Realitäten und einer allgemeinen Verunsicherung unserer Vorstellung von Realität, regt die Schau zu einem höchst aktuellen Diskurs an. Meisterwerke des Trompe l´oeil, also der Augentäuschung, lassen die Bildgegenstände so plastisch erscheinen, dass die Betrachtenden die Finger ausstrecken und sie am liebsten berühren möchten – dieses Phänomen ist bis hin zu jüngsten medialen Kunstwerken zu erleben. Mit dem Einzug von Augmented und Virtual Reality in die gegenwärtige Kunst wird diese Grenze zwischen Schein und Wirklichkeit noch einmal mehr verschoben. Einen besonderen Nervenkitzel erleben die AusstellungsbesucherInnen beispielsweise bei Richie’s Plank Experience der Gruppe ToastVR: Mit dem Aufsetzen der VR-Brille, sieht man sich am Rand eines schwindelerregenden Abgrundes in einer Großstadtschlucht. Zahlreiche weitere Werke der zeitgenössischen Kunst ergänzen den so abwechslungsreichen wie tiefsinnigen Rundgang durch die künstlerische Welt der Täuschung. Großzügig kontextualisiert und erweitert wird die Ausstellung in Aachen durch zahlreiche hyperrealistische Werke aus der Sammlung von Peter und Irene Ludwig. Lust der Täuschung. Von antiker Kunst zur Virtual Reality wurde gemeinsam mit der Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung in München erarbeitet. Beide Stationen unterscheiden sich durch ihren jeweils eigenen Zuschnitt, der in Aachen einen Schwerpunkt auf zeitgenössischen Kunstwerken sowie auf Medienkunst findet. Eine reich bebilderte Publikation (hg. von Andreas Beitin und Roger Diederen; Hirmer Verlag München) und ein umfangreiches Rahmenprogramm mit museumspädagogischen Sonderprojekten, sowie Kooperationen u.a. mit dem Visual Computing Institute der RWTH Aachen University sowie mit der Kunsthochschule der Medien, Köln, ergänzen die Ausstellung und setzen in Aachen einen weiteren besonderen Schwerpunkt. Kuratoren-Team Aachen: Andreas Beitin und Annette Lagler Kuratorische Assistenz: Dominik Bönisch Ausstellungs-Assistenz: Marie Gentges Die Ausstellung wird großzügig gefördert von der Peter und Irene Ludwig Stiftung und dem Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen. Foto: Tim Berresheim: „Forst (Kohärentes Licht) Anaglyph“, 2017, Pigment und Harz auf Papier, 180 × 150 cm, Besitz des Künstlers, © Tim Berresheim und SNA – Studios New Amerika GmbH.
(ludwigforum.de/event/lust-der-taeuschung/)



Solo Show „Clément Cogitore“, Opening Part I: Thursday, February 14th, 2019, 6:30 pm; Opening Part II: Thursday, May 16th, 2019, 6:30 pm
15.02. – 07.07.2019, Kunsthaus Baselland, Muttenz / Basel, Schwitzerland
Das Kunsthaus Baselland präsentiert die erste Einzelausstellung des in Paris lebenden Künstlers Clément Cogitore (*1983, Colmar) in der Schweiz. In seinem seit Jahren gewachsenen Werk verhandelt der französische Filmer und Fotograf eingehend die Frage nach der Rolle von Bildern aus Werbung, Unterhaltung, sozialen Netzwerken oder auch Ritualen, Geheimnissen und Scheinwelten, die eine aktive Rolle in der Konstruktion von Lebensentwürfen einnehmen. Die erste Ausstellungssequenz (15. Februar bis 28. April 2019) wird mit unterschiedlichen Arbeiten einen Überblick über sein Schaffen der letzten Jahre geben, während im zweiten Teil (17. Mai bis 7. Juli 2019) sein neues Werk „The Evil Eye“, für das er den Prix Marcel Duchamp 2018 erhalten hat, erstmals im Fokus einer institutionellen Präsentation stehen wird. Kuratorin: Dr. Ines Goldbach (Film Still: Clément Cogitore: „Les Indes Galantes“, 2018).
(kunsthausbaselland.ch/ausstellungen/cl%C3%A9ment-cogitore)



Solo Show „Thomas Locher. The Shape of Words to Come. Edge / Corner / Margin“, Opening: Thursday, February 14th, 2019, 8 pm
14.02. – 04.05.2019, Galeria Helga de Alvear, Madrid
In this new series, the artist examines the space between the possibility and the impossibility of communication. What moves within the frame, and is the frame itself not movable? It is about social and political ties and relationships, their “infinite” diversity and future possibilities, but also about the impossibility of human communication. The line between them seems malleable and is often unrecognizable. And even in this impossibility, this breakdown of human communication, beauty can always be found, Life’s experiences teach us that success and failure, sense and nonsense, the logical and the paralogical, are closely linked in communication. In today’s global climate of daily hypertrophic communication and its phenomena, the big news stories and the small messages, the law and finance, we see a growing mistrust, which generally brings together linguistically structured systems. The title of the exhibition invites us to contemplate things from the edge again, because when the centre is closed, we must be open to discovering and enabling other places, fields and spaces. These need not be very far away, and can be very close to us (photo: Thomas Locher.)
(www.helgadealvear.com/web/index.php/thomas-locher-5/?lang=en)



Group Show „Die Zukunft der Zeichnung: Konzept. Das Neue in der Sammlung Etzold – Folge 3“ with Thomas Locher, Opening: Thursday, February 3rd, 2019, 12 am
03.02. – 01.09.2019, Museum Abteiberg, Mönchengladbach
„Ideen allein können Kunstwerke sein. Sie sind Teil einer Entwicklung, die irgendwann einmal ihre Form finden mag. Nicht alle Ideen müssen physisch verwirklicht werden.“ (Sol LeWitt, „Sentences on Conceptual Art“, 1969) Über einen Zeitraum von drei Jahren wird die Sammlung Etzold, die sich seit 1970 als Dauerleihgabe in Mönchengladbach befindet, unter dem Gesichtspunkt der Zeichnung in einer mehrteiligen Ausstellungsreihe neu betrachtet. Die Sammlung umfasst etwa 600 Exponate und beginnt bei den konstruktivistischen Avantgarden der 1920er Jahre. Sie hat ihren Schwerpunkt in Pop Art, Zero, Op Art, Minimal und Conceptual Art und anderen künstlerischen Bewegungen, deren Werke das Ehepaar Hans Joachim und Berni Etzold von den 1950er bis zu Beginn der 1970er Jahre in der Zeit ihres Entstehens ankaufte. Welche Relevanz hat die Zeichnung in diesen Jahrzehnten der Kunstgeschichte? Der Zeichnung kommt seit der späten Renaissance in Italien eine besondere Bedeutung zu. Die Kunsttheorie beschrieb sie Ende des 16. Jahrhunderts als Ursprung von Malerei, Skulptur und Architektur, als das animierende Prinzip, das allen kreativen Prozessen zugrunde liegt (disegno); der schöpferische Funke zeige sich genau in dem Moment, in dem die Hand des Künstlers auf dem Papier zu zeichnen ansetzt. Diese Überzeugung war in der Künstlerausbildung bis ins 20. Jahrhundert von Bedeutung und schwingt unterschwellig vielleicht bis heute mit. Mit den radikalen und rapiden Veränderungen in der Kunst, die sich zunächst in den ersten Jahren des 20. Jahrhunderts, dann in den 1960er Jahren in Europa und vor allem in den USA vollzogen, veränderte sich auch die Bedeutung, die Künstlerinnen und Künstler der Zeichnung zusprachen. Die erste Folge KONSTRUKTION untersuchte die veränderte Rolle der Zeichnung in der konstruktivistischen Avantgarde in den 1920er Jahren sowie die Wiederkehr des Konstruktiven seit den 1960er Jahren. Die zweite Folge ALGORITHMUS (noch zu sehen bis 13. Januar) rückte das Konvolut der frühen Computergrafik ins Zentrum. In der Computergrafik waren es Zeichenautomaten, wie sie Mitte der 1960er Jahre für die Nutzung in Wirtschaft und Forschung auf den Markt kamen, die graphische Muster aufs Papier brachten, basierend auf zuvor von den Künstlerinnen und Künstlern programmierten Algorithmen – Künstler als Programmierer, die ein Konzept schreiben, das die Maschine ausführt. Damit ist die Brücke zur dritten und letzten Folge der Ausstellungsreihe geschlagen, die mit dem Begriff KONZEPT überschrieben ist und eine kleine Auswahl an Werken aus den 1960er und 70er Jahren von Marcel Broodthaers, Stanley Brouwn, Christo, Hanne Darboven, Walter de Maria, Marcel Duchamp, Michael Heizer, Sol LeWitt, Konrad Sieben und Timm Ulrichs zeigt. Die Ausstellung fasst den Begriff „Konzept“ weit, geht aber zunächst von dem Jahrzehnt etwa zwischen 1965 und 1975 aus. Für diese Zeit ist der Begriff der „Conceptual Art“ prägend, wie ihn Sol LeWitt (1928-2007) in seinen theoretischen Schriften Ende der 1960er Jahre umriss. Mit der Skulptur Modular Piece (1966) ist ein Werk des US-amerikanischen Künstlers zu sehen. LeWitts künstlerische Denkweise und Formensprache erschließen sich vor dem Hintergrund der Minimal Art, in der modulare Elemente Neutralität versprachen, um als Bausteine für Variationen und Serien zu dienen. Conceptual Art / Konzeptkunst lässt sich in der durch ihn geprägten Auffassung so charakterisieren, dass die Idee mit der Ausführung eines Werks als gleichwertig zu betrachten ist. Wird die Zeichnung als künstlerisches Medium eingesetzt, dann erscheint sie nicht mehr als Ausdruck unmittelbarer Inspiration. Sie nimmt etwa im Werk von Hanne Darboven (1941-2009) einen neuen Stellenwert ein, wie sich in Ohne Titel (I-Isp) aus dem Jahr 1966 nachvollziehen lässt, einer Zeichnung mit Bleistift und Kugelschreiber auf Millimeterpapier. Um die Mitte der 1960er Jahre basieren ihre Werke auf einer vorab von ihr festgelegten Systematik, die häufig von numerischen Relationen ausgeht und die sie dann zeichnerisch umsetzt. Konrad Sieben (*1946) stellt für seine Skulptur Elementstruktur (Gruppe Diagonal) von 1969/70 verschiedene Möglichkeiten zur Wahl, ihre Bestandteile – neun lose Aluminiumstreben – bei jedem Aufbau zu einer anderen Formation anzuordnen. In einem mit dem Objekt gleichberechtigt präsentierten Schaukasten befinden sich kleine Zeichnungen und winzige Papiermodelle als Anregung für Variationen. Hier ist Konzeptkunst ausdrücklich partizipativ; die Zeichnung dient als Anleitung zum Handeln. Bei den Künstlerinnen und Künstlern der Land Art, die sich Ende der 1960er Jahre in den USA und in Europa entwickelte, stehen „Konzept“ und „Zeichnung“ in einem anderen Verhältnis zueinander. Den gigantischen Dimensionen der in der Natur ausgeführten Arbeiten von Michael Heizer (*1944) wohnt eine graphische Dimension inne, die sich in vorab gefertigten Zeichnungen auf dem Papier genauso zeigt wie in Fotografien der ausgeführten Werke aus der Vogelperspektive, die Gräben und Einschnitte auf dem Boden als Zeichnungen auf der Erdoberfläche erscheinen lassen. Mit Walter de Maria (1935-2013) ist ein weiterer Künstler der Land Art vertreten. Durch eine völlig andere Erscheinungsweise zeichnen sich die Werke des Konzeptkünstlers Timm Ulrichs (*1940) aus, dessen Arbeit Das literarische Gesamtwerk 1968, Band I (1968) zu sehen ist: ein Plexiglaskasten, in dem zehn Meter eines abgespulten, durch den Künstler beschriebenen Schreibmaschinen-Farbbands aufbewahrt sind. In solchen Kunstwerken versteht die Ausstellung „Zeichnung“ gewissermaßen symbolisch: Zeichnung – traditionell an der Basis des kreativen, schöpferischen Akts – verlagert sich hin zu einer „Zeichnung im Geiste“, zur Idee als animierendes Prinzip. Marcel Duchamp (1887-1986) ist mit dem Siebdruck Fliegende Herzen (1961) in der Ausstellung vertreten, vor dem Hintergrund, dass er ab Anfang der 1960er Jahre in den USA eine neue, große Popularität gewann und eine wichtige Inspiration für konzeptuell arbeitende Künstler wurde. Er hatte am Beginn des Jahrhunderts aus der Malerei des Kubismus heraus einen Ansatz entwickelt, in dem es weniger darauf ankam, das dargestellte Motiv mithilfe von malerisch-zeichnerischen Effekten zu vermitteln, als die Idee und das Prinzip des Dargestellten per se den Betrachtern kognitiv verständlich zu machen. Die Schnittmenge der unterschiedlichen Positionen besteht darin, dass die individuelle handwerkliche Geste bei der Ausführung der Kunstwerke entweder eine geringere, oder im Verhältnis zur Konzeption gleichwertige Rolle spielt. Die Künstlerinnen und Künstler weisen die Idee eines „schöpferischen Funkens“ zurück, der nach traditioneller Auffassung im ausgeführten Werk ablesbar wäre. Die Vorstellung des Künstlers als Genie – ein Künstlerbild, das sich über Jahrhunderte tradiert hatte – tritt vor dem nun in den Fokus rückenden Prozess der Werkgenese zurück, in dem das Werk nach vorab definierten Handlungsanweisungen vom Künstler selbst, aber auch von Anderen ausgeführt werden kann. „Der Wille des Künstlers ist dem von ihm ausgelösten Prozess von der Idee zur Vollendung der Arbeit untergeordnet.“ (Sol LeWitt, „Sentences on Conceptual Art“, 1969) In den 1960er Jahren entwickelte sich die Kunst rasant. Die Vielfalt der künstlerischen Medien wuchs an und viele künstlerische Bewegungen fanden gleichzeitig und mit fließenden Übergängen statt. Die auf wenige Werke konzentrierte Kabinettausstellung in der Gartenebene des Museums Abteiberg geht in diesem Sinne über in die Sammlung des Museums, die sich durch besondere Schwerpunkte in den 60er Jahren auszeichnet. So schließen sich einige neu eingerichtete Sammlungsbereiche an, die im Bezug zu den gezeigten Werken der Sammlung Etzold stehen. Neben Objekten und graphischen Arbeiten von Marcel Duchamp liegt ein Fokus auf der Minimal Art mit einem frisch restaurierten Werk von Donald Judd (Brass, 1969, Restaurierung 2018 mit Förderung durch das Restaurierungsprogramm Bildende Kunst des Landes Nordrhein-Westfalen) und einem Raum mit Werken des Ende November 2018 verstorbenen Minimal Art-Künstlers Robert Morris, der 2009 im Museum Abteiberg mit einer umfassenden Ausstellung vertreten war. Als Teil der Ausstellung wird auch eine zeitgenössische Position gezeigt, die ein Schlaglicht auf konzeptuelle künstlerische Ansätze in der Gegenwart wirft. Thomas Locher (*1956) führt anlässlich der Ausstellung seine Wandarbeit Imperative / Aufforderungen, Befehle und Kommandos (Konzept: Firminy, 1993) an einem neuen Ort auf: dem Museumscafé. Es handelt sich dabei um eine Wiederaufführung einer Arbeit, die er 1993 für den Wohnkomplex Unité d´Habitation von Le Corbusier in Firminy entwickelte und die im Jahr 2012 als Schenkung aus Privatbesitz in die Sammlung des Museums Abteiberg einging. Foto: Thomas Locher: „G.HANG“, 2017.
(museum-abteiberg.de/ausstellungen/aktuell-ausstellungen/die-zukunft-der-zeichnung-konzept-das-neue-in-der-sammlung-etzold-folge-3/)



Interview: „Linda Ginsberg, New York, United States“ with works by Anne-Lise Coste, “My grandmother left her other grandchildren money but I got these sculptures – the sweeter deal.“
28.01.19 – 29.02.2032, Linda Ginsberg, New York, United States
Passionate New York art collector Linda Ginsberg is the founder of an elite legal recruiting firm focusing on partners in law firms. She tells us about supporting starving artists and keeping provocative artwork under the bed! FAM (fineartmultiple magazine): The blue color that your apartment is painted in is very striking. What provoked this aesthetic decision? Linda Ginsberg: In 2001 when I bought my very first apartment of my own, I thought white stood for “rental”, so for me a different color constituted ownership. When I told my decorator I wanted a color, he said “Great, what’s your favorite color?” I said blue, but I can’t have a blue apartment. And he said: “Why not? Make it blue”. So I did. That was 15 years ago. Today I would definitely paint the apartment white but my kids won’t let me! They identify it as home—and can see when I am home from about a mile away as the blue lights at night are a beacon in the neighborhood. FAM: When did you start collecting art? Linda Ginsberg: I first became a collector in 2003, when I started to become successful as a recruiter. FAM: What’s your favorite work that you have up now in the apartment? Linda Ginsberg: I’m a bad rotator, even though I have tons in storage. But I’m attached to everything here. My most sentimental pieces are these two sound sculptures by Harry Bertoia, an Italian artist who worked in the US and is best known for his ubiquitous wire chairs. My grandmother bought them from the artist himself in the 70s and when I was growing up she would let us touch them. As a kid it feels subversive to be able to touch art—and the very purpose of these is to “boing” them together so that they make this chiming sound. When my grandmother died she left her other grandchildren money but I got these sculptures—which I think was the sweeter deal. These days, when I “boing” them in my apartment I always look up, say hello, and can hear her laughing in delight. FAM: Do you have any works of a political nature? Linda Ginsberg: Yes, I am a huge fan of the French artist Anne-Lise Coste’s work. She combines poetry with protest and comments on political and personal issues with a rebellious honesty. Her style often reminds me of street graffiti, but she uses airbrush, pencils, pastels, markers and watercolors to give her gestures permanence by materializing them on paper or canvas. Her work does not follow any rules and yet there is a harmony and delicateness to it. I own more of Anne-Lise’s work than that of any other artist and it is all different. Her range is vast. But if you know her, you can follow the thought line from this Picasso-like portrait to this brilliant Lee Ufan in France to perhaps her purist text piece, Poem. If I collected works from no other artist, I would still have an amazingly diverse collection. FAM: Could you tell us something about this site-specific work above your television? Linda Ginsberg: Everybody gravitates to that. It is by Harold Ancart, a young Belgian artist. He was the first “starving artist” that I befriended, and I believe this is the first piece he sold in the US. After visiting his studio I knew I wanted something site-specific but wasn’t sure what or where. One night as I sat on the couch looking at that corner I knew instantly where the work needed to go. It is basically pigment thrown against the wall, and the piece has this light touch. His other work has more pigment but in 2011 Harold was young and new at installing in people’s houses, and was sweetly concerned about messing up the apartment. FAM: Do you have a preference for supporting “starving artists”? Linda Ginsberg: I go back and forth. On the one hand, I love supporting young artists. I’ve met almost every artist that I’ve bought work from and they are fascinating people—some have even become dear friends! But on the other hand, living the struggles they face to advance their career can be tough, right? The art world is tough. It’s like what Ernest Hemingway said about bullfighting: “It was not nice to watch if you cared anything about the person who was doing it.” On the other hand, I recently bought my first piece by a dead artist (a series of 30 prints by Agnes Martin) and felt bad about it, because I’m not supporting the artist with this purchase. I love the work, have tremendous admiration for the artist, but she gets no lift from my buying it. So yes, we can say I care deeply about artists. FAM: That’s a fun and somehow welcoming piece you have up in the kitchen next to the fridge. Can you tell us about it? Linda Ginsberg: Yes, that’s by Adam McEwen, a British artist who I met at a group dinner and instantly thought was terrific. He did a series of these shop signs, but this was the most aggressive. Initially I wanted to buy one of the signs, but not this one because I had young sons at that point and could not even say the word in front of them, let alone hang a sign of it. The gallerists insisted that this was THE one to buy, so I bought it and it stayed under the bed for four years. When I pulled it out, my kids were intrigued but wary of whether it being art made it OK. Now it’s just part of us and has entirely ceased to be provocative. FAM: Your kids have art in their rooms as well. Are they collectors? Linda Ginsberg: My kids appreciate the art and have selected pieces they admire. They now give tours of our collection and “boing” the Bertoias for their friends. Once on vacation we bought a Damien Hirst print for each kid as their first investment in art. One of my kids proudly displays a little Jeff Koons balloon dog sculpture which we bought for $300 and now sells at auction for an additional digit. One of my favorite pieces in this apartment is this cardboard piece that was made by my then eight year old son, a Duchampian homage. I feel like it holds up in this room. Interview by Ksenia M. Soboleva (image: a portrait of Linda Ginsberg by Anne-Lise Coste. © Linda Green.)
(fineartmultiple.com/blog/linda-ginsberg)



Group Show „1989. The End of the 20th Century“ with Stephen Willats, Opening: Thursday, January 24th, 2019, 8 pm
24.01. – 19.05.2019, IVAM Institut Valencià d'Art Modern, Valencià, Spain
1989 was a historic year. It put an end to an era defined by the Cold War and confrontations between East and West, between pro-Soviet dictatorships and Western democracies. The exhibition focuses on events such as the fall of the Berlin Wall and the opening of the Eastern Bloc, the AIDS crisis and the cultural wars that followed the conservative wave in the United States and Europe, the beginning of the end of Apartheid in South Africa, and the development of multiculturalism as a concept before globalisation. As the backdrop to the foundation of the IVAM, the project gives an overview of art production in 1989 using key events from that very year as a starting point and making visible the meta-narratives that emerged at the time. (Photo: Stephen Willats: „Code Breaker from Mothercare“, 1988-89.)
(www.ivam.es/en/exposiciones/1989-the-end-of-the-20th-century/)



Group Show „Evoking Reality“ with Clément Cogitore, Opening: Saturday, November 24th, 2018, 1 - 8 pm
25.11.18 – 19.05.2019, Daimler Contemporary Berlin, Haus Huth, Alte Potsdamer Str. 5, 10785 Berlin
›Evoking Reality‹ stellt Positionen politischer Fotografie und Videokunst aus der Daimler Art Collection (DAC) vor, die Neukonzeptionen aktueller Realitätsbilder formulieren. Beginnend in den frühen 1990er Jahren erweiterte die DAC ihren Sammlungsschwerpunkt um Werke der Neuen Medien: Fotografie, Video, Objektkunst und installative Arbeiten. Die Neuerwerbungen wurden in der dreiteiligen Ausstellungsreihe ›Photography, Video, Mixed Media I-III‹ zwischen 2003 und 2007 im Berliner Ausstellungsraum Daimler Contemporary vorgestellt. Dieser Fokus auf Fotografie und Video ist seither intensiv weiterverfolgt worden. Die Sammlung umfasst heute ein stetig wachsendes Konvolut bedeutender Arbeiten, die zeitgenössische Perspektiven auf globale Thematiken und politische Konflikte visualisieren. Die Ausstellung ›Evoking Reality‹ widmet sich zeitgenössischen Strategien, die sich von etablierten Darstellungsprinzipien und gängigen Narrativen des Fotojournalismus distanzieren, um ein offenes Wirklichkeitsbild entstehen zu lassen, das auf eine kritische Sensibilisierung des Betrachters zielt. Angesprochen wird ein kritisches Bewusstsein bezogen auf mediale Vermittlungs- und Darstellungsweisen, die das Auge mittels wiederkehrender Leidensbilder und Gewaltszenen seit Jahrzehnten prägen. Ausgehend von einer Re-Lektüre der Publikation ›Das Leiden Anderer betrachten‹ (2005) von Susan Sontag befasst sich die Ausstellung ›Evoking Reality‹ mit aktuellen medialen und konzeptuellen Herangehensweisen an politische, öffentliche und daraus resultierende private Konfliktsituationen. Das Ineinanderblenden von Fiktion, Inszenierung, Konstruktion und Realität verunsichert den Betrachter, der jene Verfremdungsstrategien zugleich unerwartet als realitätsstiftendes Moment erfährt. Offenheit und Vieldeutigkeit fordern den Betrachter auf, sich das Geschehen selbst zu erschließen, visuelle Impulse zu reflektieren und teils auch intellektuell zu revidieren. Wirklichkeit wird als fragiles Konstrukt erfahren, das aus unterschiedlichen Perspektiven stets seine Gestalt ändert. Die Werke dieser Ausstellung evozieren ein Realitätsmoment, das eben durch Vieldeutigkeit, Widersprüchlichkeit, Interkonnektivität und Relativität unsere globale Lebensrealität greifbar werden lässt. Die jüngst erworbene zwölfteilige Fotoserie „Congo Democratic“ (2006) von Guy Tillim, der 2004 Preisträger des ›Mercedes-Benz Award for South African Art and Culture‹ war, wird erstmals in Berlin zu sehen sein. Zudem bilden fotografische Arbeiten u.a. von Jane Alexander, Clément Cogitore, Tacita Dean, Cao Fei, Pieter Hugo, Maya Zack und die Videoinstallationen „Snow White“ (2001) von Bernie Searle, „Mermaids [Erasing the Border of Azkelon]“ (2011) von Sigalit Landau sowie „The amorous Indies“ (2017) von Clément Cogitore Schwerpunkte der Ausstellung. Kuratiert von Renate Wiehager und Nadine Henrich. (Photo: Clément Cogitore: „The amorous Indies“, 2017, still of Video HD, 6 min., Ed. 5 + 1 AP.)
(art.daimler.com/evoking-reality/)



Group Show „HEIMVORTEIL. Deutsche Künstler aus der Sammlung Schaufler“ with Josephine Meckseper, Opening: Sunday, October 28th, 2018, 11:30 am
28.10.18 – 30.06.2019, SCHAUWERK Sindelfingen
Unter dem Titel HEIMVORTEIL zeigt das SCHAUWERK eine Auswahl von mehr als 100 Werken deutscher Künstlerinnen und Künstler aus der Sammlung Schaufler. Damit bietet die Ausstellung einen vielfältigen Überblick über Malerei, Lichtkunst und Skulptur der letzten 60 Jahre in Deutschland. Positionen der ZERO-Avantgarde wie von Werner Bauer, Leo Erb, Heinz Mack sowie Günther Uecker repräsentieren in der Sammlung Schaufler einen bedeutenden Abschnitt deutscher Nachkriegskunstgeschichte. Ihr zentrales Anliegen ist die Überwindung des subjektiv-gestischen Informel zugunsten einer reduzierten elementaren Formensprache mit neuen Materialien. Licht und Bewegung sind dabei wesentliche Gestaltungsmittel. Neben gestischen und expressiven Werken von Georg Baselitz und A.R. Penck liegt ein weiterer Schwerpunkt auf Vertretern der konkreten Kunst wie Günter Fruhtrunk, Ulrich Erben und Klaus Staudt. Aber auch minimalistische Positionen wie von Imi Knoebel oder konstruktivistische Skulpturen von Christoph Freimann, die beide mit einem größeren Werkkomplex in der Sammlung vertreten sind, wird auch ein Werk von Josephine Meckseper zu sehen sein (Foto: Josephine Meckseper: Detail of „Ohne Titel (Black, Red, Gold, Repeated)“ 2001, © VG Bild-Kunst, Bonn 2018).
(www.schauwerk-sindelfingen.de/de/ausstellungen/aktuelle-ausstellungen/detail_10816.html)



Clément Cogitore wins 2018 Prix Marcel Duchamp, Announcement: Monday, October 15th, 2018, 7:30 pm
15.10.18 – 14.10.2019, Centre Pompidou, Galerie 4, Niveau 1, Paris
At a ceremony held this evening in Paris, the Centre Pompidou and the Association pour la Diffusion Internationale de l’Art Français announced that Clément Cogitore has won this year’s Prix Marcel Duchamp, an award given out annually to an artist working in France. (Cogitore is based in Paris.) Mohamed Bourouissa, Thu Van Tran, and Marie Voignier were also nominated for this year’s prize. According to a release, Cogitore is the first filmmaker to win the award. Cogitore is best-known for his feature-length films, most notably Neither Heaven Nor Earth (2015), which follows a troop of soldiers deployed in Afghanistan as they disappear one by one. That film premiered at the Cannes Film Festival and was nominated for the César award for best first film. In addition to his theatrically released work, Cogitore also makes video installations and photographs, and they have been the subject of solo exhibitions around Europe, at venues such as the Palais de Tokyo in Paris and Ikon Gallery in Birmingham, England. The focus of much of his work is the nature of collective memory and the role of rituals within communities. His work shown at the Pompidou’s Prix Marcel Duchamp show focused on a fictional female character whose identity Cogitore constructed entirely through ready-made materials, such as images culled from photo libraries and promotional materials for films. As winner of the Prix Marcel Duchamp, Cogitore will take home €35,000, or about $40,500. He was selected by a committee that included Bernard Blistène, director of the Centre Pompidou; Gilles Fuches, a collector and the president of ADIAF; Jean-Claude Grandur, a collector and the president of the Fondation Grandur pour l’Art in Geneva; Maja Hoffmann, a collector and the president of the Luma Foundation in Arles, France; Laurent Le Bon, president of the Musée Picasso in Paris; Marina Loshak, director of the Pushkin Museum of Fine Arts in Moscow; and Akhemi Shiraha, a representative for the Marcel Duchamp Association. Past winners of the Prix Marcel Duchamp include Kader Attia (2016), Cyprien Gaillard (2010), Dominique Gonzalez-Foerster (2002), Joana Hadjithomas and Khalil Joreige (2017), and Thomas Hirschhorn (2000). (Copyright 2018, Art Media ARTNEWS, llc. 110 Greene Street, 2nd Fl., New York, N.Y. 10012. All rights reserved. Photo: Clément Cogitore.)
(www.artnews.com/2018/10/15/clement-cogitore-wins-2018-prix-marcel-duchamp/)



On View: ‘I Put on a Mask and I Become That Spirit’: Watch Artist Joan Jonas Combine Drawing, Video, and Performance to Create Her Seminal Works. As part of a collaboration with Art21, hear news-making artists describe their inspirations in their own words.
26.07.18 – 28.07.2019,
For the past five decades, Joan Jonas has created work that seamlessly blends live performance, drawing, installation, video, and music. In the process, she has become one of the most influential and multidimensional artists working today. Now 82, Jonas is showing no signs of slowing down. This summer, two museums will showcase her work: the eponymously titled career retrospective “Joan Jonas” at the Tate in London and, across the pond, “Ice Drawing” at the MFA Boston. In her piece Reanimation, originally performed in 2012, she incorporates manifold modes of communication ranging from chalk drawings to closed-circuit video projections, all in the company of an otherworldly musical score. In 2014, Jonas spoke to Art21 about her intensive practice and the many sources of inspiration that have informed her work. Her collaborator for Reanimation is the pianist and artist Jason Moran, who admittedly struggled to keep pace with the octagenarian powerhouse. In the dual-interview, Moran tells Art21, “I wasn’t prepared for how rigorous the process is. And Joan really toils over this material through the text, through the images, through her movements, through the wardrobe, through the sounds that she’s going to make.” The combination of multi-sensory expression is something Jonas has become known for since she first began performance-based work in the early 1960s. During a trip to the Southwest, the artist saw the Hopi Snake Dance, where the participants don masks, “It not only transforms the body but they become something else,” she said of the act. That mode of physical transformation led her to experiment with actual masks (some bought from erotic stores, others hand-made) and to embrace the intuitive side of performing live in front of an audience, “I put on a mask,” she said, “and I become that spirit.” Jonas also learned how to articulate her modes of expression so that others can perform her conceptual works, while she stands back, conducting them in a sort of philosophical ballet. She told Art21 about re-working an early performance, Mirror Piece, where participants hold full-length vertical mirrors in front of them, facing the audience. “I liked the way the audience is uneasy seeing themselves in the mirror,” she said. “They’re not just reflecting the audience; the mirrors are reflecting the space and the other performers. So I like the dimensionality of this.” To this day, Jonas continues to conjure new ideas of space and performance in her works, defying categorization at every turn. Watch the full conversation between Joan Jonas and Jason Moran, which originally appeared as part of “Art in the Twenty-First Century” series on PBS, below. “Joan Jonas” is on view at the Tate Modern in London through August 5; “Joan Jonas: Ice Drawings” is on view at the MFA Boston through September 3. (Photo: Joan Jonas performing Reanimation, still from Art21 “Fiction” (2014). Courtesy of Art21.)
(news.artnet.com/exhibitions/joan-jonas-art21-1323164?utm_content=from_&utm_source=Sailthru&utm_medium=email&utm_campaign=Europe%20July%2027&utm_term=New%20Euro%20%2B%20Newsletter%20List)



Joan Jonas wins 2018 Kyoto Prize
19.06.18 – 19.06.2019, The Inamori Foundation in Japan, Kyoto
The Inamori Foundation in Japan has revealed the winners of this year’s Kyoto Prize, which is presented annually in each of the following categories: advanced technology, basic sciences, and arts and philosophy. The recipients – neurologist Karl Deisseroth, mathematician Masaki Kashiwara, and artist Joan Jonas – will each be presented with a twenty-karat gold medal and more than $ 900,000. Born in New York in 1936, Jonas originally trained as a sculptor but soon became a pioneer of performance and video art. Deeply influenced by the work of Trisha Brown, with whom she studied dance, as well as by John Cage and Claes Oldenburg, Jonas is known for producing work that engages with myths, rituals, poems, folk songs, and texts from around the world. “Creating labyrinth-like works that lead audiences to diverse interpretations, she hands down the legacy of 1960s avant-garde art by developing it into a postmodern framework, profoundly impacting artists of later generations,” the prize said in a statement. The recipient of numerous honors and awards, Jonas represented the United States at the Fifty-Sixth Venice Biennale, which took place in 2015. She also received the Lifetime Achievement Award from the Solomon R. Guggenheim Museum in 2009. A longtime educator, Jonas has taught at the State Academy of Fine Arts Stuttgart in Germany and the Massachusetts Institute of Technology for many years. An exhibition dedicated to the artist’s work – the largest survey to be held in the UK – is currently on view at Tate Modern in London. Founded by Kazuo Inamori, chairman emeritus of the Kyocera Corporation in 1984, the international award honors those who have made significant contributions to the scientific, cultural, and spiritual betterment of mankind. In March of next year, Jonas will give a lecture at the Kyoto Prize Symposium, which will take place in San Diego, California (image: Joan Jonas in her studio in New York. Photo: Mike McGregor for The Observer.)
(www.artforum.com/news/joan-jonas-wins-2018-kyoto-prize-75753)



Herzlichen Glückwunsch Thomas Locher!
08.02.17 – 08.02.2022, HGB Leipzig – Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig
Der Erweiterte Senat der HGB Leipzig hat gestern (08.02.2017) den Künstler Thomas Locher zum neuen Rektor der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig gewählt. Die Amtszeit des neuen Rektors beträgt fünf Jahre. Thomas Locher löst mit seiner Wahl Prof. Dr. Ana Dimke ab, die seit 2011 Rektorin der HGB war und zum 1. April 2016 aus persönlichen Gründen aus dem Amt ausgeschied. „Ich bin sehr glücklich über die Wahl! Mich ehrt das entgegengebrachte Vertrauen, das ich unbedingt zurück geben möchte“, sagte Thomas Locher nach der Wahl. „Ich freue mich auf interessante und produktive Jahre mit den Studierenden und den KollegInnen an der HGB Leipzig.“ Thomas Locher, geboren 1956 in Munderkingen, ist Künstler. Von 1979 bis 1985 studierte er an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart, 1981 bis 1985 an der Universität Stuttgart. Locher lehrte international an Kunstakademien, Fachhochschulen und Universitäten (Merzakademie Stuttgart, Technische Universität Wien) und war von 2008 bis 2016 Professor an der Königlich Dänischen Kunstakademie in Kopenhagen. Thomas Locher ist Mitglied im Deutschen Künstlerbund. Er lebte von 1986 bis 2000 in Köln, arbeitet und lebt nun in Berlin und Kopenhagen. Thomas Locher stellte weltweit aus, u. a. in der Tate Gallery, Liverpool (1989), im Museum of Contemporary Art, Sidney (1992), im Museum of Modern Art, Saitama/Japan (1994), in den Deichtorhallen, Hamburg (2004) und im Museum of Modern Art, New York (2006). Lochers Arbeiten sind heute in großen öffentlichen Sammlungen vertreten, wie im Museu d’Art Contemporani de Barcelona, im Museum of Modern Art, New York, in der Vancouver Art Gallery, in der Grafischen Sammlung Albertina, Wien und in der Staatsgalerie Stuttgart. Foto: Erich Malter
(www.hgb-leipzig.de/)



Film: 15 Jahre Freundeskreis des Kunstmuseum Stuttgart, 2018
01.01.03 – 01.01.2033, Kunstmuseum Stuttgart
Reinhard Hauff spricht über die Zeichnungen von Thomas Müller, die sich im Besitz des Kunstmuseum Stuttgart befinden.
(www.kunstmuseum-stuttgart.de/index.php?site=Videos;Videos_Details&id=48)