Past Artfairs

GALLERY
Summer break 2019
Die Galerie bleibt vom 27.07. bis 02.09.2019 geschlossen. / The gallery is closed from 27.07. until 02.09.2019.


ARTFAIRS
art berlin 2019, 12.09. – 15.09.2019
(www.artberlinfair.com/)



ARTIST NEWS 
ART ALARM 2019 – Galerienrundgang Stuttgart, Saturday (21.09.2019), 11 am - 9 pm; Sunday (22.09.2019), 11 am - 6 pm
21.09. – 22.09.2019,

(www.art-alarm.de/)



art berlin 2019. Participating galleries and program, Professional Preview: Thursday, September 12th, 2019, 12 – 4 pm, Opening: Thursday, September 12th, 2019, 4 – 8 pm, Friday and Saturday (13. + 14.09.2019); 11 am – 7 pm, Sunday (15.09.2019): 11 am – 6 pm
12.09. – 15.09.2019, Hangar 5 und 6, Flughafen Tempelhof Berlin
We are pleased to announce the third edition of art berlin with the participation of more than 110 international galleries. For the second time, art berlin takes place in the spectacular hangars of the historic Tempelhof Airport. The program focuses on young and established contemporary art as well as modern art. In order to respond to the shifting developments of the art market, art berlin is continually developing new formats for the curated and focused mediation of art alongside its Gallery presentations: In the Special Projects section, galleries highlight individual positions or concentrate on curated exhibitions, this time with the work of artists such as Georges Adéagbo, Jörg Buttgereit, Leda Bourgogne, David Horwitz, Nadira Husain, Banele Khoza, Sarah Loibl, Stefan Marx, Shawn Maximo, Lia Perjovschi, Agnieszka Polska, Camilla Steinum, and Rirkrit Tiravanija. The Salon section introduces new modes of presentation, with more than 10 young, emerging international platforms and project spaces presenting their concepts and visions for art mediation and for the art market. Among the participants are O-Town House, Los Angeles, Sans titre, Paris, Schiefe Zähne, Berlin, Sundogs, Paris, and The Performance Agency, Berlin. art berlin is pleased to announce this year´s collaboration with LISTE – Art Fair Basel, which has been invited to bring its Joinery program to art berlin. The program presents video works by artists selected by the fair’s committee from participating LISTE galleries. On display are works by Daniela and Linda Dostalkova, Gerrit Frohne-Brinkmann and Paul Spengemann, Penny Goring, Liv Schulman, Buhlebezwe Siwani and more. An extensive accompanying program will again supplement art berlin. Berlin galleries participating in the fair will open exhibitions in their gallery spaces on Friday evening with artists such as Carl Andre, Yael Bartana, Anne Collier, Hanne Darboven, Imi Knoebel, Erik van Lieshout, Bernhard Martin, John Miller, Olaf Nicolai, Roman Ondák, Laure Prouvost and others. art berlin is a partner of Berlin Art Week, which gathers together openings and exhibitions in museums, institutions and private collections www.berlinartweek.de. We are particularly pleased that Landesbank Baden-Württemberg (LBBW) has entered a multi-year partnership with art berlin. Alongside a series of talks: the LBBW Art Talks, LBBW will present a selection of work from its collection at the fair. The corporate collection combines works from classic modernism to contemporary art and comprises 16,000 pieces. Shuttle services are provided this year by our partner Audi City Berlin. Participating galleries in the Galleries and Special Projects sections are: Achenbach Hagemeier, Dusseldorf / Alber*, Cologne / Piero Atchugarry, Garzón / Athr, Jeddah / Bastian, Berlin, London / Baudach, Berlin / Klaus Benden, Cologne / Andreas Binder, Munich / Borch, Berlin / BQ*, Berlin / Brutto Gusto, Berlin / burster, Berlin / Capitain Petzel, Berlin / carlier | gebauer, Berlin / Charim, Vienna / ChertLüdde*, Berlin / Choi&Lager, Cologne / Clages*, Cologne / Gisela Clement, Bonn / Conradi, Hamburg / Conrads, Dusseldorf / Cosar HMT*, Dusseldorf / Crone, Vienna / Croy Nielsen, Vienna / Dittrich & Schlechtriem, Berlin / Ebensperger Rhomberg*, Berlin, Salzburg / Efremidis, Berlin / Eigen + Art Lab, Berlin / Kai Erdmann, Hamburg / Erti, Tbilisi / Falko Alexander Bürschinger*, Cologne / FeldbuschWiesnerRudolph, Berlin / fiebach, minninger, Cologne / Filiale (Grässlin, Rüdiger & Webelholz), Frankfurt / Konrad Fischer, Berlin, Dusseldorf / M+R Fricke*, Berlin / Klaus Gerrit Friese, Berlin / Karin Guenther*, Hamburg / Mathias Güntner*, Hamburg / Reinhard Hauff, Stuttgart / Philipp Haverkampf, Berlin / Jochen Hempel, Leipzig / House of Egorn, Berlin / Ivan*, Bucharest / Michael Janssen, Berlin / kajetan*, Berlin / Kewenig, Berlin, Palma de Mallorca / Parisa Kind*, Frankfurt / Marie Kirkegaard, Copenhagen / Kleindienst, Leipzig / Klemms*, Berlin / Noah Klink*, Berlin / Klosterfelde Edition*, Berlin / Christine König, Vienna / König, Berlin, London / Kraupa-Tuskany Zeidler, Berlin / Bernd Kugler, Innsbruck / alexander levy*, Berlin / LKB/G*, Hamburg / Daniel Marzona*, Berlin / Hans Mayer, Dusseldorf / Meyer Riegger, Berlin, Karlsruhe / Mirko Mayer, Cologne / Tobias Naehring*, Leipzig / Nagel Draxler, Berlin, Cologne / Neu, Berlin / Nome*, Berlin / Nosbaum Reding, Luxembourg / Georg Nothelfer, Berlin / Alexander Ochs Private, Berlin / Opdahl, Stavanger / Panarte, Vienna / Ute Parduhn*, Dusseldorf / Taik Persons*, Berlin / Rupert Pfab*, Dusseldorf / Piktogram*, Warsaw / Berthold Pott, Cologne / Produzentengalerie*, Hamburg / Britta von Rettberg, Munich / Petra Rinck, Dusseldorf / Roehrs & Boetsch*, Zurich / Ruttkowski;68, Cologne, Paris / Nikolaus Ruzicska, Salzburg / Sakhile&Me, Frankfurt / Samuelis Baumgarte, Bielefeld / Schimming, Hamburg / Esther Schipper, Berlin / Michael Schultz, Berlin / Setareh, Dusseldorf / Sexauer, Berlin / Sorry We're Closed, Brussels / Soy Capitán*, Berlin / Sprüth Magers, Berlin, London, Los Angeles / Elisabeth & Klaus Thoman, Vienna / Barbara Thumm, Berlin / Triangle*, Moscow / Steve Turner*, Los Angeles / Vivid, Rotterdam / Tanja Wagner*, Berlin / Barbara Wien*, Berlin / XC HuA, Berlin, Beijing / Zak | Branicka*, Berlin / Zilberman, Berlin, Istanbul / Zink*, Waldkirchen. *Special Projects.
(www.artberlinfair.com/)



Group show „COMEBACK. Kunsthistorische Renaissancen“ with Pia Maria Martin, Opening: Friday, July 19th, 2019, 7 pm
20.07. – 10.11.2019, Kunsthalle Tübingen
Zeiten des Umbruchs erzeugen den Wunsch nach Orientierung in der Vergangenheit. Dementsprechend hat alles Historische in unserer Gegenwart Konjunktur: In der Werbung, Mode und Filmwelt wird das „Alte“ als das Authentische in Opposition zu einer in Massen produzierten Einheitskultur in Stellung gebracht und nicht selten nostalgisch verklärt. Auch in der Bildenden Kunst feiert die Kunstgeschichte ein Comeback. Wurden in den 1980er Jahren unter dem Stichwort der „Appropriation Art“ von den Künstlern vor allem Traditionen des 20. Jahrhunderts zitiert, ist seit einigen Jahren eine Orientierung an alten Meistern und kunsthistorischen Techniken zu erkennen. Künstler und Künstlerinnen kopieren und verfremden Gemälde vergangener Epochen nicht nur, sondern reagieren heute in freierer und spielerischer Art und Weise auf die in alten Werken gespeicherten „mnemischen Energien“ (Aby Warburg). Nicht selten versuchen sie, das kollektive Erbe auch durch performative Strategien sowie durch fotografische und filmische Medien für die Gegenwart zu vergegenwärtigen. Das Ausstellungsprojekt stellt die kunsthistorischen Renaissancen in einer Überblickausstellung vor und dokumentiert diese in einem umfangreichen Katalogband. Künstlerinnen und Künstler der Ausstellung: Philip Akkerman, Irene Andessner, José Manuel Ballester, Glenn Brown, Leo Caillard, Wim Delvoye, Slawomir Elsner, Hans Peter Feldmann, Jochen Flinzer, Christian Jankowski, Liane Lang, Liza Lou, Pia Maria Martin, Brigitte Maria Mayer, Chantal Michel, Jean-Luc Moerman, Yasumasa Morimura, Ciprian Muresan, Agathe Pitié, Antoine Roegiers, Markus Schinwald, Cindy Sherman, Yinka Shonibare MBE, Hiroshi Sugimoto, Ged Quinn, Kehinde Wiley. Kuratorin: Nicole Fritz.
(/kunsthalle-tuebingen.de/aktuelle-ausstellung/)



LINOLSCHNITT HEUTE XI. Grafikpreis der Stadt Bietigheim-Bissingen mit Ergül Cengiz, Opening: Friday, July 19th, 2019, 7 pm
20.07. – 06.10.2019, Städtische Galerie Bietigheim-Bissingen
Der internationale Wettbewerb »Linolschnitt heute« geht in die elfte Runde! Vor 30 Jahren ins Leben gerufen, wird er seither alle drei Jahre ausgerichtet und ist längst in Fach- wie Künstlerkreisen eine feste Institution. Dieses Mal haben sich 503 internationale Künstler*innen aus 30 Ländern beworben. Nach einer Vorauswahl, die anhand eingereichter Fotos getroffen wurde, sind 128 Bewerber von Mexiko bis Australien, von Großbritannien bis zum Senegal der Einladung gefolgt, ihre Werke im Original einzusenden. Die fünfköpfige Jury hatte die Qual der Wahl: Sorgfältig wurden alle eingereichten Arbeiten in Augenschein genommen, diskutiert, sortiert, debattiert – bis schließlich die drei Preisträger sowie die drei weiteren Ankäufe für die Sammlung der Städtischen Galerie feststanden. Freuen Sie sich auf abwechslungsreiche Werke von 44 Künstler*innen – darunter sowohl arrivierte, bekannte Namen als auch viele Neuentdeckungen von erstmals Beteiligten. Mit Preisgeldern von 10.000 € sowie Ankäufen für die Sammlung der Städtischen Galerie fördert dieser Grafikpreis der Stadt Bietigheim-Bissingen sowohl zeitgenössische Künstler*innen, die sich dem Linolschnitt verschrieben haben, als auch jene, die diese traditionsreiche Technik neu für sich entdecken. Der Wettbewerb »Linolschnitt heute« hat einen wichtigen Beitrag dazu geleistet, dass sich diese Technik neben dem Holzschnitt gleichrangig als künstlerische Hochdrucktechnik etabliert hat. Nicht zuletzt hat im März 2018 die Deutsche UNESCO-Kommission künstlerische Drucktechniken zum Immateriellen Kulturerbe in Deutschland erklärt. Parallel zu den Linolschnitten aus aller Welt, zeigt die Städtische Galerie aus der eigenen Sammlung Linolschnitte von drei herausragenden süddeutschen Druckgrafikern: Fast 200 Studierende hat Karl Rössing (1897–1987) als Professor an der Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart von 1947 bis 1960 geprägt. Seine Leidenschaft für den Linolschnitt gab er u.a. an Robert Förch (*1931) und Malte Sartorius (1933–2017) weiter. Die präsentierten Arbeiten zeigen sowohl Ähnlichkeiten als auch die jeweils ganz eigenständige Entwicklung der Künstler auf. Beteiligte Künstler*innen: Alisa Alekseeva (*1991 in Yoshkar-Ola), St. Petersburg/Russland; Daniela Baumann (*1960 in Solingen), Solingen und Düsseldorf; Bettina Bürkle (*1961 in Heilbronn), Ostfildern; Ergül Cengiz (*1975 in Moosburg a. d. Isar), München; Mary Dalton (*1984 in Ascot), Rowlands Castle/Großbritannien; Ariane Fruit (*1975 in Mont-Saint-Aignan), Paris/Frankreich; Csaba Fürjesi (*1969 in Salgótarján/Ungarn), Oberalm/Österreich; Tobias Gellscheid (*1983 in Pössneck), Halle a. d. Saale; Loreto Greve Muñoz (*1982 in Santiago de Chile), Santiago de Chile/Chile; Frédéric Guille (*1979 in Straßburg/Frankreich), Leipzig; Bettina van Haaren (*1961 in Krefeld), Witten und Dortmund; Wieslaw Haladaj (*1959 in Piotrków Trybunalski), Łódź/Polen; Rew Hanks (*1958 in Sydney), Beecroft/Australien; Magdalena Hanysz-Stefańska (* 1970 in Gdynia), Gdynia/Polen; Marie Harnett (*1983 in Hertfordshire), London/Großbritannien; Rolf Hausberg (*1949 in Hausach), Vaihingen a. d. Enz; Philipp Hennevogl (*1968 in Würzburg), Berlin; Julienne Jattiot (*1980 in Toul/Frankreich), Berlin und Leipzig; Thomas Kellner (*1966 in Bonn), Siegen; Thomas Kilpper (*1956 in Stuttgart), Berlin; Kollektiv Tod Verlag (2007 in Berlin gegründet); Bodo Korsig (*1962 in Zwickau), Trier; Katharina Krenkel (*1966 in Buenos Aires/Argentinien), Püttlingen; Roberto Daniel Labra Rojas (*1980 in Cuernavaca), Taxco de Alarcón/Mexiko; Joo-Youn Lee (*1970 in Seoul), Seoul/Korea; Volker Lehnert (*1956 in Saarbrücken), Witten und Stuttgart; Margarete Lindau (*1975 in Hannover), Mannheim; Johannes Listewnik (*1988 in Leipzig), Leipzig; Philipp Mager (*1966 in Köln), Berlin; Analía Martínez (*1986 in Buenos Aires/Argentinien), München; Sergei Moser (*1976 in Grigoriopol/Moldawien), Bad Wimpfen; Carla Neis (*1954 in Barcelona/Spanien), Bern/Schweiz; Sabine Ostermann (*1968 in Backnang), Falkensee; Carola Rombouts (*1963 in Den Haag), Amsterdam/Niederlande; Stefanie Siering (*1965 in Berlin), Ulm und München; Ji-Xin Song (*1965 in Fushun), Fushun/China; Minka Strickstrock (*1965 in Freiburg i. Breisgau), Lörrach; Monika Supé (*1967 in München), Hohenschäftlarn; Anna Tishchenko (*1996 in Moskau/Russland), Leipzig; Wojciech Tylbor-Kubrakiewicz (*1974 in Warschau), Warschau/Polen; Mirja Wellmann (*1965 in Berlin), Mehrstetten; Georges Wenger (*1947 in Zürich), Neunkirch/Schweiz; Piotr Żaczek (*1966 in Warschau), Brwinów/Polen; Uta Zaumseil (*1962 in Greiz), in Zeulenroda-Triebes.
(galerie.bietigheim-bissingen.de/nc/deutsch/ausstellungen/aktuell/aktuell-event/termin/event/view-list%7Cpage_id-1025/tx_cal_phpicalendar/20/07/2019/jenseits_des_dokumentarischen_aktuelle_fotografie_aus_china_und_deutschland/)



„DOUBLE TAP #8“. Interview mit Tim Berresheim von Anna Meinecke
17.07. – 31.12.2019, gallerytalk.net. Wir schreiben Kunst
Tim Berresheim wirbelt Haare auf und lässt Mini-Burger fliegen. Gerade hat er ein beschlafmütztes Kartoffelwesen in eine Pariser Galerie verpflanzt. Ob raumgreifend oder in Buchform: Berresheim schafft Bildwelten, in die man nicht nur eintauchen will, sondern per App oder 3D-Brille auch tatsächlich eintauchen kann. Mit gallerytalk.net spricht er über Freude am Autodidaktentum und KI in der Bildenden Kunst. gallerytalk.net: Wann hast du das erste Mal eine 3D-Brille aufgehabt? Tim Berresheim: Das müsste Mitte der Achtzigerjahre im Brühler Phantasialand gewesen sein. Da gab es meiner Erinnerung nach ein 3D-Kino in 360 Grad, wo man einfach überall etwas erblicken konnte. Es war wie in eine Parallelwelt zu schauen. Zu der Zeit und noch ohne Internet war das für ein Kind vom Land geradezu berauschend. Ich hab mich so gefreut, als ich mit dem Ding auf der Nase durch deinen Jahresbericht geblättert habe. Neben der 3D-Brille braucht man eine App. Hast du das Gefühl, den Leuten wird der Zugang zu deinen Arbeiten durch solche Features erleichtert oder erschwert? Ich habe natürlich den stillen Wunsch, dass der Zugang dadurch erleichtert wird. Meine Form der Bildgenese bringt – noch – Probleme bei der Vermittlung mit sich, da das Ausgearbeitete nicht sofort zu erkennen vollständig ist. Deswegen benutze ich Apps und die 3D-Brille. Sie geben den ganz klaren Hinweis, dass sich meine Bildwelt aus der dreidimensionalen Welt speist und entsprechend erfahren werden kann. Du giltst als Vorreiter der computergenerierten Kunst. Wie hast du dich für das Medium entschieden? Haben dich traditionelle Techniken gelangweilt? Ich fand Computer schon immer toll und habe sie auch schon früh als sehr sinnvoll empfunden. Zur Kunst kam ich mit 25 Jahren eigentlich recht spät und bin dann auch erstmal in einer Malerei-Klasse gelandet. Dennoch hat mein Instinkt mich dann beim Computer bleiben lassen, der mich dahin geführt hat, wo viele Dinge noch nicht passiert sind. In der Malerei war das ja anders. Da war vieles schon geschehen und gesehen. Die Arbeit damit erschien mir, eher ein frustrierender bis quälender Prozess zu werden. Der Computer hingegen vermittelte mir, viel mehr in neuem Terrain unterwegs zu sein und dort dann auch Spaß empfinden zu können. Ich kann nur ahnen, wie komplex der technische Teil deiner Arbeit ist. Was muss man können und wer hat dir das beigebracht? Man sollte vor allem Freude am Autodidaktentum haben. Man muss eine Euphorie entwickeln können, Systeme zu knacken, die für andere vielleicht frustrierend erscheinen, sowie diese dann auch so zu beugen, dass etwas dabei herumkommt, was mit einem selbst sehr viel zu tun hat. Als ich mit der Bildproduktion durch den Computer angefangen habe, gab es keine Tutorials bei Youtube oder sonst wo. Hattest du Vorbilder aus der Kunstwelt oder vielleicht auch aus anderen Bereichen wie Gaming? Ich spiele zwar gerne Games, aber erlebe das im Nachhinein immer wie einen Missbrauch an mir selber und im Gegensatz zur Kunst als recht unbefriedigend. Einfach als ob ich nur Zeit totgeschlagen hätte. Das ist aber viel mehr mein privates Erleben. Die Kunst, die ich mag, ist meist sehr überbordend, wie zum Beispiel die von Fortunato Depero oder Mike Kelley sowie die Kunst des Barock. Ich mag die Idee, dass man aus allen Rohren gleichzeitig schießen kann. Magst du dir mal eine Arbeit raussuchen und mir als Laien erklären, mit welchen technischen Kniffen du die möglich gemacht hast, damit ich einen groben Einblick in deine Arbeitsweise bekomme? Die technischen Kniffe die zu meinem Bild „Le Suaire Digital III (Mort)“ geführt haben sind eigentlich ganz klassische: Auf einem Stück Papier sind Aquarelle entstanden, deren Atmophäre und Formensprache eine Auseinandersetzung mit dem Thema Tod darstellt, eins der drei Themen meiner Pariser Ausstellung „Sleep Walk“. Die gemalten Exponate habe ich mit einem großen Scanner in den Computer importiert. Aus den Motiven habe ich Bahnen geschnitten und diese dann einem 3D-Element appliziert, welches sich von der Physik her wie textiler Stoff verhält. Diese „Stoffbahnen“ habe ich dann über 3D-Objekte fallen lassen, also einen digitalen Faltenwurf erzeugt. Dieser „verbiegt“ dann – wie in der Realität – die vorher angebrachte Textur. Diese Form wirkt wie ein malerisches, abstraktes Bild. Ich habe sie dann in 31 Millionen Kugeln zersetzt und wie die Struktur von Styropor wirken lassen. Dann habe ich noch durch die komplette Szenerie Rauch mäandern lassen, der diese kleinen Kügelchen mit auf seinen Weg gerissen hat. Ich gehe davon aus, du brauchst ganz schön Rechenpower für deine Arbeit. Wie viele Rechner sind da beim Rendern so in Betrieb? In meinem Studio haben wir insgesamt über 152 CPUs, was ungefähr zehn Rechner sind, die an meinen Bildern arbeiten. Irgendwas mit VR-Brille ist ja im Moment ganz angesagt in der Kunst. Wie beurteilst du den Trend? Ich persönlich finde Virtual Reality weder in der Gaming- und Entertainment- noch in der Kunstwelt interessant. Das visuelle Ergebnis empfinde ich meistens recht „kinderschuhig“ – wie bei dem 90er-Film „Der Rasenmähermann“. Mich interessiert vielmehr eine Bildwelt, in der es um viel Detail, viel Fülle und eben die „Suspension of Disbelief“ geht. Die Kluft zwischen zeitgenössischer Bildproduktion und Kunstgeschichte ist jetzt schon sehr groß. Die kann nicht mit Babyschritten überbrückt werden. Es braucht einen Riesensprung. Die passendste Antwort der Kunst auf die heutige Zeit kann doch nicht die sein, dass man sich einfach einen Bildschirm in zwei Zentimeter Abstand vor die Augen klebt. Wann ist computergenerierte Kunst gute computergenerierte Kunst? Mit welchen Maßstäben kann vielleicht auch ein ungeschulter Betrachter arbeiten? Gute computergenerierte Kunst wird als solche eigentlich kaum besprochen. Das Computergenerierte ist eher nebensächlich. Es geht vielmehr um die Welt der Bilder und das computergenerierte Bild wird im besten Falle auch nur als zeitgenössisches Bild wahrgenommen. Wie es tatsächlich hergestellt wurde, ob gemalt, getupft, gebastelt oder mit dem Computer entstanden ist, finde ich unerheblich. Es sollte bei mir aber mit beiden Beinen in der Kunstgeschichte stehen und mit einem zweidimensionalen Abbild eine Antwort auf den Tumult geben können, den wir im Alltag erleben. Programme müssen erst mit Informationen gefüttert werden, um zu funktionieren. Welche Rolle spielt der Zufall noch in Zusammenhang mit computergenerierter Kunst? Vielleicht müssen wir erst einmal unterscheiden zwischen einem Zufall in der Malerei – etwa dem Spritzer oder Tropfen, der passiert, ohne das es eine Intention dafür gab – und einem Zufall, der in einem Computer generiert wird. Einem Computer „passiert“ ja eigentlich nichts, denn man muss bei ihm alles erwarten. Man kann hier auch von Erwartungstreue sprechen, da sie diese Methodik an der Bildwelt sicherlich am besten beschreibt. Der Zufall wäre dann also nur ein mathematischer Zufall, wenn man den Computer etwas entscheiden lassen möchte, was beispielsweise mit Bewegungen in einem dreidimensionalen Raum zu tun hat und nicht physikalischen Ursprungs ist. Das ist aber vielleicht gar kein so wichtiger Aspekt der computergenerierten Kunst. Welche Potenziale birgt künstliche Intelligenz für die bildende Kunst? Es birgt bestimmt das Potenzial, dass mühselige Prozesse und nervige Handwerksaufgaben von Künstlern am Computer von der KI erledigt werden können – zum Beispiel das Freistellen von Bildhintergründen, falls jemand in der Welt der Collagen weiterarbeiten will. Die KI sollte aber nichts generativ selber machen dürfen und dadurch zu einem Bild kommen können. Vor allem darf sie keine Ausrede sein, sich keine Mühe mehr zu geben. Viele Künstler wollen ihr Werk ja gern für sich sprechen lassen, du sprichst gefühlt viel über deine Arbeit, hältst Vorträge. Siehst du dich da als Wegbereiter auch in der Pflicht? Ich sehe mich in der Pflicht und ich sehe auch die Notwendigkeit, diese Bildwelt einem breiteren Publikum zugänglich zu machen. Wir sind noch nicht in der Phase, in der solche Bilder von jedem als selbsterklärend wahrgenommen werden können. Außerdem wird über die besondere Bildwelt der computergenerierten Kunst leider sonst auch recht selten von anderen geredet – zumindest wie ich den Diskurs momentan beobachte. Dafür, dass du Kunst mit Computern machst, bist du einigermaßen zurückhaltend auf Instagram aktiv. Keine Lust? Das ist tatsächlich abhängig von meiner Tagesform. Leider empfinde ich es meistens als quälend. Wann oder von wem fühlst du dich als Künstler am besten verstanden? Ich fühle mich meistens am besten verstanden, wenn meine Kunst nicht über ihren technischen Aspekt besprochen wird, sondern über das Bild an sich. Die Erfahrung habe ich häufig mit Leuten, die sich professionell mit Kunstgeschichte befassen, wie zum Beispiel Kuratoren und Galeristen, aber natürlich auch Sammlern (Tim Berresheim: „Le Suaire Digital III (Mort)“, 2019, Harz und Pigmente auf Papier).
(www.gallerytalk.net/double-tap-tim-berresheim/)



Introducing the Helmut Lang x Josephine Meckseper hand-painted Capsule Collection, Inspired by the brand‘s three-striped trucker jacket from 1997
15.07.19 – 13.07.2020, Helmut Lang, New York
Helmut Lang presented its Fall/Winter 2019 show during New York Fashion Week in February, and now the brand has released an additional capsule under the collection as a part of its ongoing artist collaborations. This time around, multimedia artist Josephine Meckseper is spotlighted in a series of hand-painted pieces, referencing the brand’s three-striped trucker jacket from the ’90s as inspiration.
(www.helmutlang.com/)



Group show „Alienations or The Fire Next Time“ with Clément Cogitore, Opening: Friday, July 12th, 2019, 7 pm
13.07. – 29.09.2019, Zachęta – National Gallery of Art, Warsaw
The title of the exhibition consists of two parts defining its thematic scope. The former introduces the concept of alienation, which is used by some research perspectives to describe contemporary society in its multiplicity and diversity resulting from the complexity of our surrounding reality: post-industrial, digital, global, consumer, informational, postmodern, late modern, etc. Since the late 19th century and the dawn of modernity, the concept has been inscribed in one of its critical trends — the alienation of humans in modern society caused by the negative changes taking place as a result of the increasing objectification and capitalisation of all values and relations. This reflection is dominated by the view that society is not organised in such a way as to meet human needs in their full and authentic dimension. As a consequence, this concept no longer describes the individual experience of alienation, but in the diagnosis of researchers, it refers to a collective disease. Alienation from a subjective perspective is expressed through a lack of a sense of reality and a loss of real contact with the outside world, but also through conformism, submission to false authorities and dissolution in their expectations; replacement of the value of the object with an exchangeable value; reduction of human uniqueness to the value of an object and the category of numbers; alienation of the production process as a result of the corporate revolution and alienation of individual private property; a high level of fear and chronic anxiety with unstable self-esteem. Conformist attitudes have serious psychological consequences in the form of alienation from one’s own self, but also from other people, especially in relations marked by differences in race, ethnicity, geography, economy, gender, generation, ideology, culture. The tensions entailed are regulated by the necessity of domination and control, mass production, but also gigantic consumption, with the rapid satisfaction of increasingly artificial needs. Alienation describes the relationship between a socioeconomic structure, a capitalist economy geared solely towards profit, and an individual who lacks a sense of identity within themselves.. It is no longer the concept of alienation, but a far-reaching self-absorption combined with greed that defines the modern transformations that have negative consequences for the whole earthly civilisation — earthly, because we still hope to discover life in space... As a result of the changes in the last three decades, alienation affects all dimensions of human activity. The origins of such a widely defined concept lie in the lack of rational human control over one’s own development, which does not keep pace with high technological achievements. The world is no longer a force alien to the individual — it is humanity that moves away from the world through the plundering exploitation of its resources and the lack of ordinary ‘human’ concern for the nature and existence of other species inhabiting the earth, which consequently endangers the human species. At this time of negative changes, when alarming reports of a catastrophe threatening the Earth are being published, the concept of total alienation shows the need for a turning point — action — because the threats are so serious that they may result in a great ‘fire’. The latter part of the title refers to this issue and is taken from a text by American writer James Baldwin published in New Yorker in November 1962: „Everything now, we must assume, is in our hands; we have no right to assume otherwise. If we — and now I mean the relatively conscious whites and the relatively conscious blacks, who must, like lovers, insist on, or create, the consciousness of the others — do not falter in our duty now, we may be able, handful that we are, to end the racial nightmare, and achieve our country, and change the history of the world. If we do not now dare everything, the fulfillment of that prophecy, re-created from the Bible in song by a slave, is upon us: God gave Noah the rainbow sign, No more water, the fire next time!“ Apart from the writer’s characteristic preacher tone, his convictions and thoughts, referring to racial conflicts from half a century ago, but still valid in the contemporary world and taken up, among others, in artistic work, serve as the most important track leading to the necessary turning point in the history of mankind. While remaining in a state of alienation — alienation from each other, from others and from the environment — the processes of degradation will only advance. Can we break our self-absorptions, stop the processes of global alienation and empower values and relationships? Faced with political alienation and its negative impact on the processes of democratisation and the growing fascist turn of attitudes, can we turn back to the path of tolerance and affirmation? Will the white race share the power? Are we capable of making a structural shift in the commercial phase of the organisation of society, which has reached its peak in capitalism? The exhibition consists of seven films by outstanding and renowned artists; some of them are presented for the first time. They show in different ways the condition of people, the Earth, what we are losing and what we desire, the effects of the different forms of alienation that we experience globally today. They make us aware of the causes of alienation, the mechanisms of destructive human behaviour, recalling historical and contemporary events that affect the state of today’s world. These works are part of a diverse trend of alienation criticism of contemporary culture, which aims to uncover the truth about often hypocritical aspects of reality. Behind them are political, economic, racial and gender differences, as well as violence, greed and anti-humanism. This also includes isolation from nature and its devastation, which is a real threat to the entire planet. Both the works at the exhibition, and above all the contemporary socio-political context, resonate with the views of Joseph Conrad, who already at the turn of the 19th and 20th centuries captured the universal mechanisms associated with globalisation, the dark sides of civilisational progress: imperialism, terrorism, plundering exploitation, all those hearts of darkness, where, under the guise of development, cruel exploitation continues. The exhibition also features a cosmic motif — a desire to make contact with ‘aliens’ resulting from our sense of isolation, but also a desire for extra-terrestrial expansion, which seems paradoxical in the absence of harmony on Earth. Another theme is the search for roots, the primeval beginnings of humanity, perhaps as an antidote to alienation, but also marked by difficulties, chaos, information overload and just plain inability to reach the truth. Racism and colonial and post-colonial issues are important in the context of the exhibition as an example of multiple ‘betrayals’ of humanity. In the dimension of individual and group experiences, alienation criticism of culture touches upon the issue of restoring dignity and equal treatment of every human being, the right to live in accordance with one’s own convictions. By showing the processes of de-alienation, such as escaping into sophisticated wealth, rejection or exemption from the obligation to understand others, the exhibition does not only show a catastrophic (though very real) vision. Its finale is an act of also counteracting alienation through assertiveness, resistance and the strength of the body and soul. The power that lies within us — individual and collective — must resound in a cathartic burst. Otherwise, as Baldwin wrote, there will be the fire next time! (Image: Clément Cogitore: „Les Indes galantes“, 2017, video still, production: Opéra national de Paris — 3 scène/Les Films Pélléas, courtesy of the artist and Galerie Reinhard Hauff.) Artists: John Akomfrah, Allora & Calzadilla, Yuri Ancarani, Clément Cogitore, Camille Henrot, Arthur Jafa, Angelika Markul. Curator: Maria Brewińska. Cooperation: Michał Kubiak. Production: Krystyna Sielska.
(zacheta.art.pl/en/wystawy/alienacje)



In memoriam of Friedrich Meckseper. With Josephine Meckseper we honor on the life and work of her beloved father: „My father, the polymath, artist and adventurer, Friedrich Meckseper“
26.06. – 31.12.2019,
The New York-based artist Josephine Meckseper shares personal memories of her father’s life and work. Profoundly interested in physics, astronomy, 19th-century technology and classic literature, my father Friedrich Meckseper set out to read the entire lexica from A-Z as a young man. Early on, during his student years at the Hochschule der Künste in Berlin from 1957-59, he developed and found his unique encyclopedic work method by arranging objects and artifacts in mysterious, timeless spatial configurations. As a pianist and drummer on the side, he opened the first artist run post-war jazz clubs in Berlin during these formative years. In the early 1960s he was invited to do a solo exhibition at Galerie Die Insel in Worpswede, Northern Germany. His friendship with the owner Klaus Pincus, a Jewish collector who barely survived the Holocaust, would last a life time. It was in Worpswede that he met my mother the photographer Barbara Müller, the grand-niece of the Jugendstil artist Heinrich Vogeler, a founding member of the early 20th-century artist colony Worpswede. My father would spend the next 20 years in Worpswede — his most prolific years, filled with museum exhibitions around the world, interrupted only by a year in Rome in 1963 for the German Rome Prize Villa Massimo, and visiting professorships in Reading, UK, Wuppertal, Germany and Salzburg, Austria. Our house was often the center of artist parties frequented by Frank Bowling, Horst Janssen, Friedensreich Hundertwasser, Katharina Sieverding, Die Rixdorfer and Jean Pit Morell and many others. A true inventor and adventurist, Friedrich extended his interest in turn of the century technology into engineering and building his own steamboat, the “James Watt” in 1972-74, the same period he permanently installed a 1913 steam train in our hometown of Worpswede. An avid balloonist, he also crossed the Alps in a balloon multiple times. A particular memory: when the travelling Circus Manzoni was stranded in our hometown after a storm had wrecked their main tent in the 1970s, my father organised a substantial fundraiser to pay for the damages. The circus family became friends and wintered in our hometown with all its animals — including an elephant — for years to come. “Everything is different than what it seems,” was a sentences my father would often declare after a long pause of silence. And in an interview, he pointed out: “The visible world is only one small part of reality. The artist carries much greater abundance within himself than he’s able to represent. He’s pursuing an ever-changing boundary — where only the effect of the moment matters. The stillness of the now at the end of the world.” In Friedrich Meckseper, one of the kindest, most generous and inspiring human beings has left us. My siblings Julia Meckseper, Cornelius Meckseper and I, his entire family, friends, collectors, gallerists and peers miss him tremendously (article: Josephine meckseper, photo: Meckseper family.)
(www.theartnewspaper.com/feature/my-father-the-polymath-artist-and-adventurer-friedrich-meckseper?utm_source=Mailing+list+Josephine&utm_campaign=55fa7f12cd-EMAIL_CAMPAIGN_2018_02_08_COPY_01&utm_medium=email&utm_term=0_109c2cbaf6-55fa7f12cd-76290211)



Solo Show „La vie en rose – Anne-Lise Coste“, Opening: Friday, June 21st, 2019, 6:30 pm
22.06. – 29.09.2019, Centre Régional d'Art Contemporain Occitanie, Sète, France
Anne-Lise Coste (1973 - Marignane) déhiérarchise avec bonheur les codes, les genres et les convenances dans une oeuvre prolifique qui mêle toutes les techniques du dessin et de la peinture.Si on la connait plus particulièrement pour ses peintures à l’aérographe, elle produit nombre de dessins au crayon, des gouaches, des lithogravures, des fresques murales, des encres sur toile, sur papier, sur des pages de carnets ou des toiles monumentales. On y croise des fleurs, des portraits, des architectures, des textes, des crânes, des pubis, des formes abstraites, aussi bien que la reprise décomplexée de Guernica. Savantes ou populaires, archaïques ou contemporaines, ses références puisent autant dans le graffiti, l’abstraction géométrique, la vanité, le paysage… tout en gardant une dimension improvisée, instinctive, brute et énergique qui est l’expression même d’une liberté sans entrave.Ses sujets sont intimes ou politiques, intimeset politiques. Ils sont traversés par la colère,la rage et l’inquiétude autant que par l’amour,l’amitié, le désir et la sexualité. Un sentiment d’urgence semble animer le travail d’Anne-Lise Coste, la volonté de dire, de parler, de l’ouvrir, autant par l’image que par le texte et l’écriture, dont la place est centrale, et fait aussi image. Pour son exposition au CRAC Occitanie à Sète, Anne-Lise Coste présente un ensemble conséquent de plus d’une centaine d’oeuvres réalisées depuis 20 ans. Sans volonté d’organisation chronologique, ni stylistique, le choix de l’accrochage est à l’image de son travail : abondant, cumulatif et non linéaire, il échappe aux catégories de tous ordres. L’exposition est également l’occasion de découvrir des aspects moins connus du travail de l’artiste, avec la présentation d’une série de maquettes en bois et une installation vidéo immersive, collage de diverses performances réalisées par l’artiste dans les années 90.
(crac.laregion.fr/exposition_fiche/235/3169-expositions-art-contemporain-du-moment-crac-sete.htm)



Group Show „GOOD SPACE – COMMUNITIES, ODER DAS VERSPRECHEN VON GLÜCK“ with Julika Rudelius, Opening: Sunday, June 2nd, 2019, 11 am
02.06. – 01.09.2019, Esslingen, Villa Merkel
GOOD SPACE – COMMUNITIES, ODER DAS VERSPRECHEN VON GLÜCK fokussiert aus Perspektiven der Gegenwartskunst die Ausprägung von Gemeinschaften. Gesellschaftliche Vielfalt realisiert sich nicht in Gestalt unverbundener, monokultureller Inseln, vielmehr im Kontakt, im Austausch, im Miteinander. Der Zusammenhalt von Gemeinschaften zeichnet sich durch etwas Verbindendes aus, seien dies geteilte Wertvorstellungen oder Identitätsentwürfe, seien dies Normen oder Regeln. Doch dem Verbindenden inhärent ist immer auch Ab- und Ausgrenzung. Die Frage danach, was das Wir bestimmt, ist voller – auch politischer – Brisanz. GOOD SPACE – COMMUNITIES, ODER DAS VERSPRECHEN VON GLÜCK ist nicht etwa ein soziologisch fundiertes Projekt, es ist angelegt als ein spielerisch sinnlicher und erfahrungsintensiver Ausstellungsessay. Mit den gezeigten künstlerischen Positionen und Haltungen zielt er je auf punktuelle, in die Tiefe greifende Auseinandersetzungen. So geht es beispielsweise um Faszinationen für die Architekturen fiktiver Gemeinschaften in abgelegenen Gebieten, frei von den Zwängen der Ordnung der Städte. Oder wir navigieren entlang der Architekturen von Macht, wobei die durchdringenden Folgen des Kolonialismus für die angestammten Gesellschaften thematisiert und deren gravierende Konsequenzen protokolliert werden. Es kommen Zeit-Räume ins Spiel, in denen sich Technologie und Spiritualität kreuzen. Die Idee, unser Leben sei frei, selbstbestimmt und voller Möglichkeiten zur Selbstverwirklichung, wird als ein vermeintlich allgemeingültiges Glücksversprechen infrage gestellt. Wir begegnen Aufforderungen zum uneingeschränkten Respekt vor dem Recht der Tiere auf ein selbstbestimmtes Leben, womit das Mensch-Tier-Verhältnis überhaupt in den Fokus rückt oder auch das Verhältnis von Kultur und Natur, etwa im detailgenauen Blick auf Pflanzen-Communities. Wir werden Zeugen paradoxer Beziehungsszenen, von Wohnkonzepten im Kontext brutalistischer Architekturen, bekommen Hinweise darauf, dass Filme nicht nur im Kinosaal für starke Gemeinschaftserlebnisse sorgen; auch begleiten wir die kleine, isolierte Gemeinschaft einer UBoot-Besatzung. Der Ausstellungsessay versteht sich als Plädoyer für ein durch Neugier, Respekt und Wertschätzung geleitetes Miteinander, das Bedürfnisse ständig neu definiert und Differenzen aushandelt. Bespielt werden die Villa Merkel, das im 19. Jahrhundert errichtete Wohngebäude eines Industriellen und heutiger Sitz der Galerie der Stadt Esslingen, der die Villa umgebende Merkelpark sowie ein Teil der nahegelegenen EAW Hallen (Eisenbahnausbesserungswerk), einst Heimat der Königlich Württembergischen Eisenbahnwerkstätten. Wie nebenbei werden mit den Spielorten Räume erlebbar, die mit der Industriegeschichte der Stadt und des gesamten Südwestens verbunden sind. Sie sind Teil eines Kulturraums, der bis heute geprägt ist durch unterschiedlich motivierte Zuwanderung und die Koexistenz verschiedenster Communities. An GOOD SPACE – COMMUNITIES, ODER DAS VERSPRECHEN VON GLÜCK nehmen international agierende Künstlerinnen und Künstler teil, namentlich Martha Atienza, Fatma Bucak, Cécile B. Evans, Melanie Gilligan, Mikhail Karikis, Mary Reid Kelley & Patrick Kelley, Frédéric Moser & Philippe Schwinger, Gabriela Oberkofler, Katrin Plavčak, Tabita Rezaire, Julika Rudelius, Lin May Saeed, Rob Voerman und Alberto Zamora Ruíz. ///// GOOD SPACE — COMMUNITIES, OR THE PROMISE OF HAPPINESS focuses on the formation of communities from perspectives of contemporary art. Social diversity arises, not in the shape of disconnected, mono-cultural islands, but instead through contact, through exchange, through cooperation. The cohesion of societies is characterised by a unifying element, whether this is shared values or concepts of identity, whether it consists of norms or of rules. But also inherent to mutual connection is always an aspect of delimitation and exclusion. The question as to what constitutes the sense of “we” is loaded with explosive power — also with regard to politics. GOOD SPACE — COMMUNITIES, OR THE PROMISE OF HAPPINESS is not a project based on sociology; instead it is structured as a playfully sensory and experientially intensive exhibition essay. With the artistic positions and attitudes on display, it aims at selective, deeply probing investigations of social phenomena. For example, there is a focus on instances of fascination with the architectural creations of fictitious communities in remote areas, free from the impositions of urban order. Or we navigate along power structures with an eye to the grave and pervasive consequences of colonialism for native societies. Coming into play are configurations of space-time in which technology and spirituality intersect. The idea that our life is free, self-determined and filled with possibilities of self-determination is put to question with regard to its supposedly universal promise of happiness. We encounter calls for an unconditional respect for the rights of animals, whereby the underlying relationship between people and animals comes to the fore and light is shed on the connection between culture and nature: for example, in an inspection of plant communities down to the last detail. We come to witness scenes of paradoxical relationship; we examine residential concepts in the context of buildings designed according to the dictates of Brutalism; our attention is directed to the fact that films engender vivid communal experiences not just in the screening room; or we accompany the tiny, isolated community of the crew on a submarine. The exhibition essay conceives of itself as the call for a cooperative stance characterised by curiosity, respect and mutual esteem, one which constantly redefines needs and negotiates differences. The sites of the presentation are the Villa Merkel, the former residence of an industrialist which was built in the nineteenth century and today houses the gallery of the city, the Merkelpark which surrounds this villa, and also a section of the nearby EAW Halls, once the home of the Royal Württemberg Railway Workshops. In addition, these particular venues make it possible to experience spaces which are linked to the industrial history of the city as well as of southwestern Germany in its entirety. They are part of a cultural space which today continues to be marked by variously motivated arrivals of immigrants / newcomers and by the coexistence of highly diverse communities. Participating in GOOD SPACE — COMMUNITIES, OR THE PROMISE OF HAPPINESS are internationally active artists namely Martha Atienza, Fatma Bucak, Cécile B. Evans, Melanie Gilligan, Mikhail Karikis, Mary Reid Kelley & Patrick Kelley, Frédéric Moser & Philippe Schwinger, Gabriela Oberkofler, Katrin Plavčak, Tabita Rezaire, Julika Rudelius, Lin May Saeed, Rob Voerman and Alberto Zamora Ruíz.
(goodspace.villa-merkel.de/?p=1353)



„14. Triennale Kleinplastik Fellbach. 40.000 – Ein Museum der Neugier“ with Tim Berresheim, Opening: Saturday, June 1st, 2019, 11 am
01.06. – 29.09.2019, Alte Kelter Fellbach, Untertürkheimer Str. 33, 70734 Fellbach
The Triennial was born in Fellbach in 1980 as a forum of contemporary small-scale sculpture. Every three years the Small Sculpture Triennial presents contemporary sculptures by international artists on 3000m² of exhibition space. The idea underlying the Triennial − to give renowned curators extensive freedom to formulate a concept and select the participating artists, while working within the parameters of the binding and unifying term ′small sculpture′ − guarantees that every single Triennial is vibrantly innovative and unique. The exhibition is fully committed to the current art discourse. The success story that is the Triennial was decisively shaped by the respective artistic directors. While geographical and geopolitical premises set the framework for the first seven Triennials, since 2001 − at a juncture when the globalisation of art came to the fore − those responsible have decided to pursue a conceptual orientation, meaning that emphasis was placed on aesthetic, art historical and sociological questions. The international profile of the exhibited artists remained the guiding principle however − so too the focusing on sculpture in smaller format, which was by no means understood dogmatically however. The curators engaged up until now were Heinz Fuchs, Manfred Schneckenburger, Christoph Brockhaus, Lóránd Hegyi, Werner Meyer, Thomas Deecke, Jean-Christoph Ammann, Matthias Winzen and Ulrike Groos. They were followed by Yilmaz Dziewior and Angelika Nollert. The 13th Triennial was curated by Susanne Gaensheimer. The 14th Small Sculpture Triennial will be curated by Dr Brigitte Franzen (*1966).
(www.triennale.de/triennale.php)



Solo Show „Clément Cogitore“, Opening: Saturday, May 11th, 2019, 11 am
11.05. – 22.10.2019, Marc Chagall National Museum, Nice
Over the past 15 years, the Musées nationaux of XXth century of the Alpes-Maritimes have placed contemporary art at the heart of their artistic and cultural programs: building bridges between the three iconic avant-garde art masters that were Marc Chagall (1887-1985), Fernand Léger (1881-1955) and Pablo Picasso (1881-1973) and 21st-century artists. In spring 2019, Clément Cogitore (born in 1983) will be taking over the Musée national Marc Chagall and opening a new chapter based on motion picture, a process the museum already embarked upon in 2018, when it took part in the MOVIMENTA Festival and hosted for artists film-makers duo Joana Hadjithomas and Khalil Joreige. In addition, this year’s exhibition is the Musée national Marc Chagall’s contribution to the City of Nice's “L’Odyssée du Cinéma” initiative for celebrating the centenary of the Studios de La Victorine. Video artist and filmmaker, Clément Cogitore produces expansive and unique work that draws on documentary images, still images and motion picture. This is an ode to images in all their many statuses and uses but also to the wonderment inspired by the processes of making and revealing them. In his films, photographs and installations, Cogitore combines a mixed assortment of visual components that shed light on contemporary society through staged structures, often inspired by timeless myths and archetypal forms. Like Chagall, another artist who drew regularly on narrative, his ending is not an end in itself, with the priority being to render the world around us present, rather than depict its realities (Daniel Sibony, “Chagall; Créer un monde qu’on jouisse de faire exister” in Fantasmes d'artistes, Odile Jacob, Paris, 2014.) The tale structure and the use of allegory both link the two artists; this exhibition attempts to underline their formal similarities. First the shared interest in the idea of conflict with riot scenes (Ghost Horseman of the Apocalypse in Cairo Egypt, 2017), Anonymous gatherings (We are legion, 2012) and military uniforms decomposing in the desert (Digital Desert, 2015), showcased alongside the Russian painter’s war scenes and crucifixions. In these closed-off, shadow worlds, the subject is not only underlying violence but also utopia - Thomas More’s Nowhere Land - that exists outside time and place, a world destined to collapse and to exist in hope of redemption. A second motif emerges around the idea of the sacred and related forms of faith. Chagall’s work is underpinned by Hasidic Jewish influences in which human lives and objects are tirelessly ritualised. In parallel, Clément Cogitore tells a story through images of contemporary ceremony (Élégies, 2014), an 18th-century celestial sphere (Zodiac, 2017) and prehistoric wall painting (Untitled, 2017). Images sourced from popular culture that serve as an extension of the permeable frontier that exists between the divine and the profane, the visible and the imperceptible. Both artists share this urge to unify and reach the absolute, allowing them to build highly personal links with theatre, opera, music and dance. Les Indes Galantes is a lyrical and spectacular baroque opera ballet by Jean-Baptiste Rameau (1735). Clément Cogitore's adaptation of a short opening extract (2017) will be screened in the Museum concert hall, then the artist will stage the full opera in autumn 2019 at Bastille - Opéra national de Paris. Thus, it is another new chapter in his career as the young artist continues to approach the world as an endless source of inspiration. In line with the Cinéma-Nice season, the exhibition will include film screenings scheduled in collaboration with contributors from the region’s cultural and artistic scene. Curator: Anne Dopffer, General curator and Director of the Musées Nationaux of XXth of the Alpes-Maritimes museums, in collaboration with Gaïdig Lemarié, head of cultural partnerships. Clément Cogitore is the 2018 winner of the Marcel Duchamp Prize awarded by the ADIAF - Association for the International Promotion of French Art. He was born in 1983 in Colmar, works and lives between Paris and Strasbourg. In 2011, he was awarded the Grand Prix du Salon de Montrouge and was a resident of the Académie de France at the Villa Medici in Rome in 2012. His films have been selected and awarded prizes at many international festivals (Cannes, Locarno, Telluride, Los Angeles, San Sebastian, etc.). His work has also been exhibited in a number of museums and art centres in France and abroad (Palais de Tokyo and Georges Pompidou Centre in Paris, the ICA in London, the Museum of Fine Arts in Boston and the MOMA in New York). In 2015, his first feature film, Ni Le ciel, Ni la terre, was awarded the Fondation Gan prize at the Cannes Film Festival – Critics’ Week, and was nominated for a César Award for the Best Film. That same year, he was awarded the BAL prize for emerging talent, followed by the SciencePo prize for contemporary art and the Fondation d'Entreprise Ricard prize for contemporary art in 2016. In 2017, his documentary Braguino was unanimously hailed as a success by critics, and garnered several prizes (best artistic contribution, best original soundtrack, etc.) and special mentions at international festivals. In celebration of its 350th anniversary, the Opéra national de Paris commissioned Clément Cogitore to stage the entire production of the Les Indes Galantes ballet opera by Jean-Baptiste Rameau. The first performance will take place in September 2019. Clément Cogitore's works have been acquired by many collections: Georges Pompidou Centre, Musée national d’Art moderne, Fonds national d’art contemporain, Fonds d’art contemporain of the City of Paris, FRAC Alsace, Aquitaine and Auvergne, MAC/VAL, Musée d’Art Moderne et Contemporain in Strasbourg, Daimler Art collection, NMNM Monaco and a number of private collections.
(en.musees-nationaux-alpesmaritimes.fr/chagall/event/c-clement-cogitore)



Artikel „In den Top Ten der Exklusiv-Marken. Mit Teppich-Kunst zum internationalen Erfolg: der Bochumer Jan Kath“ von Jens Greinke, Opening in der Galerie Reinhard Hauff: „CARPETBAGGERS“ mit Jan Kath, LELLO//ARNELL, Mark Pearson, Viron Erol Vert. In Zusammenarbeit mit KAMPE | 54 am Freitag, den 17. Mai 2019 von 19 - 22 Uhr
15.04.19 – 01.01.2020, im Westfälischen Anzeiger, NRW am 15.04.2019
Die Produkte von Jan Kath aus Bochum sind international gefragt, liegen in Prominenten-Villen und arabischen Königshäusern. Das Label „Jan Kath“ gehört in Deutschland zu den Top-Ten der Exklusiv-Marken – neben Glashütte, Leica oder Porsche. Bochum - Wenn Jan Kath durch die alte Industrieanlage in Bochum läuft, in der gerade rund 4000 Teppiche lagern, fühlt er sich erkennbar wohl. Es wäre kein Problem für ihn gewesen, das so genannte „Headquarter“ seiner Firma in Berlin-Mitte oder im hippen Kreuzberg zu verorten. Überhaupt keins. Doch das Herz seines kleinen, aber feinen Teppich-Imperiums schlägt in Bochum-Ehrenfeld, mitten in einem Wohngebiet, nebenan steht das Universitäts-Klinikum Bergmannsheil. „Ich bin ein Kind des Ruhrgebiets und genieße es, hier zu leben. Die Art und Weise, wie die Menschen hier miteinander umgehen, spricht mich total an. Ich bin eine direkte Haut“, sagt der 47-Jährige. Jan Kath hat die Bodenhaftung trotz seines märchenhaften Erfolges nicht verloren. Eine ziemlich passende Einstellung für jemanden, der Teppiche herstellt. Oder in seinem Fall: der Teppiche malt. Die Teppiche, die hier in den großen Hallen hängen, sind Gemälde aus tibetischer Hochlandwolle und sehr viel Seide. Manchmal scheint sie wie mit Goldfäden durchwirkt, mal ist der Flor unterschiedlich hoch, so dass sie eine pastöse Wirkung erzielen fast wie ein Bild von Vincent van Gogh. Eigentlich sind sie viel zu schade, um auf ihnen herumzulaufen. Dennoch sagt Kath auf die Frage, ob er seine Teppiche lieber an der Wand oder auf dem Fußboden sieht: „Auf dem Boden.“ Die Teppiche von Jan Kath haben fast immer zwei Ebenen. Sie sind oft eine Fusion aus Tradition und Moderne, bei der das klassische Teppichmuster von einem anderen Thema überlagert wird. „Im Design-Ansatz in unserem Team ist ganz klar erkennbar, dass wir aus dem Ruhrgebiet sind. Wir sind stark beeinflusst von den morbiden Erscheinungsbildern der Industriekultur. Es war die ursprüngliche Idee, den Orientteppich mit der Industriekultur und dem Verfall zu verbinden“, sagt Kath. Manche Teppiche sehen deshalb auf den ersten Blick aus, als seien sie durchgewetzt oder hätten farbige Flecken. Auf den zweiten Blick sind sie wunderschön. Und sehr edel. Mittlerweile gibt es gut 20 verschiedene Kollektionen, die Kath mit seinem Team entworfen hat. Sie heißen „Jungle“, „Heiter bis wolkig“ oder „Spacecrafted“, jede Kollektion behandelt ihr eigenes Thema. Ein großer Erfolg ist die Serie „Erased Heritage“. „Das sind Teppiche, die eine Fusion eingegangen sind zwischen ganz alten traditionellen Mutterstücken und der Moderne. Wir haben für diese traditionellen Teppiche eine zweite Ebene geschaffen, eine zweite Schablone. Wobei: Diese wird nicht im Nachgang aufgebracht, sondern ist Teil des ursprünglichen Produktionsvorgangs. Das ist ganz wichtig“, erzählt Kath. Der Werdegang des 47-Jährigen ist auch aus pädagogischer Sicht eine hoch spannende Geschichte. Eine Geschichte davon, wohin es führen kann, wenn die Eltern ihrem Sohn den maximalen Freiraum lassen. Wenn Kath an seine Jahre als Heranwachsender zurückdenkt, dann spricht er von einer „starken Sturm- und Drangperiode“. In die Fußstapfen seines Vaters, der einen angesehenen Teppichhandel in zweiter Generation führt, möchte er partout nicht treten. Und er ist konsequent. Er bricht die Lehre als Einzelhandelskaufmann ab und zieht in die Welt. „Ich hatte keinen Bock mehr darauf.“ Er reist als Backpacker nach Indien, nach Nepal und nach Tibet. „Mit einem sehr leichten und kleinen Rucksack“, wie er sagt. Mit möglichst wenig Ballast. In Indien tritt er unter anderem als Veranstalter von Techno-Partys auf. „Das war aber auch eine sehr anstrengende Zeit in jeglicher Hinsicht, muss ich heute sagen“, so Kath. Wenn er von seiner Zeit in Indien erzählt, klingt es ein wenig nach Bewusstseinserweiterung. Er reiste weiter nach Kathmandu, wo er auf der Straße zufällig einen ehemaligen Lieferanten seines Vaters traf. Wobei: Zufall? „Ich glaube, ehrlich gesagt, gar nicht so an Zufälle. Irgendwie war es Schicksal“, sagt Kath: „Der Lieferant hat mich dann zu einem echten Espresso eingeladen, der damals eine Rarität in Kathmandu war. Er hat mir seine Geschichte erzählt und dabei kam heraus, dass er, nun ja, nach einem Nachfolger suchte. Er wollte nicht weiter in Nepal leben, ich wiederum wollte noch nicht zurück nach Europa.“ So habe sich „die Sache“ schließlich ergeben, 1996 übernahm Jan Kath die Werkstatt in Kathmandu mit 300 Arbeitern. Er war 24 Jahre alt. „Ich bin bis heute meiner Mutter Ruth und meinem Vater sehr, sehr dankbar, dass er mich an der ganz, ganz langen Leine gelassen hat“, sagt Kath: „Ich glaube, dass ich damals Dinge machen konnte, die mein Vater immer machen wollte, aber nicht gedurft hatte.“ So gab es nie einen Bruch mit Kath senior, auch nicht, als der Sohn seine Lehre im elterlichen Betrieb abbrach. Ganz im Gegenteil: Der Senior ermöglichte Jan Kath später den Sprung ins Gewerbe, als er ihm für den Kauf der Teppich-Werkstatt vorzeitig sein Erbe zur Verfügung stellte. Wenn Jan Kath heute von seinem Vater, der vor zwei Jahren verstarb, spricht, nennt er diesen oft „meinen großen Lehrer“. Mit ebenso großer Hochachtung spricht er von seiner Mutter Ruth, die heute gemeinsam mit Jan und seinem Bruder David der Geschäftsführung des Bochumer Unternehmens angehört. Als nepalesischer Teppich-Produzent orientierte sich Kath zunächst auf die gängigen Muster und Designs. „Wir hatten noch keine eigene Handschrift“, sagt er. Außerdem schien sich Ende der 1990er Jahr die Zeit der Teppiche dem Ende zuzuneigen. „Die Menschen hatten gar kein Interesse an Teppichen“, erinnert sich der 47-Jährige. Also wagte er etwas Neues. 1999 kratzte er für ein Foto-Shooting in der Zeche Zollverein in Essen „die letzten Kröten“ zusammen, investierte 25.000 Mark für den Fotografen und den Katalog und inszenierte seine Teppiche in einer Industrie-Ruine. Das Design seiner Stücke war der Umgebung angepasst. Kath gestaltete sozusagen Teppiche, die vom Stil her in die zerfallenen Hallen der Ruhrgebietszechen passten. Und hatte damit einen Nerv getroffen. „Das Ding ging durch die Decke“, erinnert sich Kath. Seine Kreationen wurden international wahrgenommen. Und zwar nicht nur als Teppiche, sondern auch als Statement in der Kunstwelt. „Damit hatte ich überhaupt nicht gerechnet. Es war ein bisschen ein Schock für uns. Ein toller Schock“, sagt Kath. Danach habe sich „alle Welt auf uns“ gestürzt. Es war der Anfang einer Erfolgsgeschichte, die bis heute andauert. Die Marke „Jan Kath“ ist ein Synonym für exklusive und hochwertige Teppiche geworden. In Deutschland existieren mittlerweile „Showrooms“ in Berlin, Hamburg, Stuttgart, Köln und München, dazu kommen drei weitere in New York, Vancouver und Toronto. Zudem existiert ein weltweites Händlernetz. In Kürze will sich Jan Kath dem asiatischen Markt mit Schwerpunkt China zuwenden. Die Jan-Kath-Teppiche liegen in den Villen von Prominenten, in arabischen Königshäusern und auf Luxusyachten. Ex-US-Präsident Bill Clinton gehört ebenso zu den Kunden wie Anthony Kiedis von den Red Hot Chilli Peppers. Für die Hochzeit von Fürst Albert II. von Monaco mit Charlène Wittstock wurde 2011 nach dem speziellen Tuft-Verfahren ein 103 Meter langer roter Teppich produziert, der 1,3 Tonnen wog. Kaths Antrieb ist in all den Jahren derselbe geblieben: „Ich will schöne Sachen für tolle Leute machen“, sagt er. Und zu den tollen Leuten gehören nicht nur Stars und Fürsten, ganz im Gegenteil. „Wenn eine Frau Müller von nebenan zu uns kommt und sich einen dieser Teppiche gönnt, finde ich es viel, viel spannender. Viel spannender, als wenn irgendwo auf der Welt jemand mit dem Finger schnippt und sagt; Bring’ mir mal!“, sagt Kath. Da ist sie wieder, die Bodenhaftung. Jan Kath käme wohl niemals auf die Idee abzuheben. Selbst, falls er eines Tages auf die Idee kommen sollte, fliegende Teppiche zu produzieren (Foto: Jan Kath © Jens Greinke).
(www.wa.de/nordrhein-westfalen/teppich-kunst-internationalen-erfolg-kath-bochum-12193191.html)



Group Show „Gemalte Diagramme. Bauhaus, Kunst und Infografik“ with Stephen Willats, Opening: Saturday, March 30th, 2019, 7 pm
31.03. – 29.09.2019, MUSEUM FÜR KONKRETE KUNST INGOLSTADT
Die Ausstellung „Gemalte Diagramme. Bauhaus, Kunst und Infografik“ legt offen, dass bis heute eine erstaunliche Wechselwirkung zwischen Infografik und Kunst besteht, deren Anfänge im Bauhaus und seinem Umfeld zu finden sind. Ob Organisationspläne im Büro, Fieberkurven im Krankenhaus oder Wahlergebnisse im Fernsehen – Diagramme sind omnipräsent. Sie umgeben uns im Alltag und prägen unsere visuelle Erfahrung. Keine Zeitung oder Nachrichtensendung, die ohne diese Form des Infotainments auskäme. Wer etwas erklären oder von etwas überzeugen will, der versucht, Zahlen verpackt in Bildern zu liefern. Diagramme sind Bilder, die statistische Größen und Größenbeziehungen vermitteln möchten; Bilder mit hohem Grad an Abstraktion, erzeugt mit minimalen Mitteln. Exakt so lassen sich viele Werke der Konkreten Kunst beschreiben. Dieser Parallele zwischen Infografik und Kunst geht das Museum für Konkrete Kunst (MKK) nach und spürt dabei auf, dass der Eindruck einer Ähnlichkeit nicht auf einem diffusen Gefühl beruht. Mit dem Titel der Ausstellung nimmt sich das MKK dem Begriff einer Bauhaus-Schülerin an: Margaret Camilla Leiteritz ließ auf der Basis von Grafiken der Naturwissenschaften ihre „Gemalten Diagramme“ entstehen. Ausgehend hiervon nutzt das MKK die Irritation, die sich durch die Kombination der beiden Worte ergibt, für seine Präsentation zeitgenössischer Kunst: Das Gemalte lässt sich doch (zu) schnell mit dem Malerischen und dadurch mit einem subjektiven Kunstwerk gleichsetzen. Dem gegenüber steht das Diagramm als nüchterne, datengestützte und vermeintlich objektive Repräsentationsform. Die Ausstellung legt jedoch offen, dass seit der Zeit des Bauhauses bis in die Gegenwart eine erstaunliche Wechselwirkung zwischen Infografik und Kunst besteht. Die Präsentation zeigt Werke von rund 30 internationalen Künstler*innen und demonstriert, wie Inhalte und Ästhetiken von Diagrammen auf subversive, ironische oder affirmative Art in der Bildenden Kunst eingesetzt werden. Andersherum betrachtet sie auch, welches Repertoire an künstlerischen Gestaltungsmitteln abermals von Grafikern*innen wie selbstverständlich angewandt wird. Aus beiden Perspektiven zeigt sich: Es geht immer um einen durch ästhetische Mittel gesteuerten Erkenntnisprozess, hinter dem im schlechtesten Fall die Manipulation und im besten Fall ein Wahrheitsgewinn steckt (Foto: Stephen Willats: „Information Transfer Series No. 1“, 1994).
(www.mkk-ingolstadt.de/besuchen/ausstellungen/vorschau/)



Group Show „The unkown City: China Modern Architecture Installation Media Exhibition“ with Yuan Shun, Opening: Saturday, March 30th, 2019, Forum: 9 - 12 am and Ceremony: 3 - 4 pm
30.03. – 30.09.2019, Shenzhen Pingshan Art Museum, Shenzhen, China
Pingshan Art Museum, a new cultural landmark in Pingshan District, was officially unveiled to the public Saturday, bringing an “Unknown city” themed exhibition that shows China’s contemporary architecture and explores the future of urban.  Designed by famous Chinese architect Dong Gong and covering a floor area of 9,900 square meters with six floors, the museum stands just beside Pingshan Library, which opened to the public March 23. In addition to exhibition halls, the art museum also provides visitors with delicately landscaped outdoor gardens and a spacious coffee shop. The exhibition, running from March 30 to Sept. 30, is a celebration of the opening of the museum and features installation, photography and video works from 71 groups of the most outstanding contemporary Chinese architects, urban planners, designers, artists and researchers specializing in urban planning. In the future, the museum will be developed to meet international standards, housing collections that demonstrate Shenzhen’s characteristics. It is currently conducting curator recruitment nationwide (photo: Yuan shun's "yuan,yuan,yuan,yuan" installation view 2019 at pingshan art museum.)
(xyaqzm.epub360.com.cn/v2/manage/book/25ytay/?from=timeline&isappinstalled=0)



Group Show „Die Zukunft der Zeichnung: Konzept. Das Neue in der Sammlung Etzold – Folge 3“ with Thomas Locher, Opening: Thursday, February 3rd, 2019, 12 am
03.02. – 01.09.2019, Museum Abteiberg, Mönchengladbach
„Ideen allein können Kunstwerke sein. Sie sind Teil einer Entwicklung, die irgendwann einmal ihre Form finden mag. Nicht alle Ideen müssen physisch verwirklicht werden.“ (Sol LeWitt, „Sentences on Conceptual Art“, 1969) Über einen Zeitraum von drei Jahren wird die Sammlung Etzold, die sich seit 1970 als Dauerleihgabe in Mönchengladbach befindet, unter dem Gesichtspunkt der Zeichnung in einer mehrteiligen Ausstellungsreihe neu betrachtet. Die Sammlung umfasst etwa 600 Exponate und beginnt bei den konstruktivistischen Avantgarden der 1920er Jahre. Sie hat ihren Schwerpunkt in Pop Art, Zero, Op Art, Minimal und Conceptual Art und anderen künstlerischen Bewegungen, deren Werke das Ehepaar Hans Joachim und Berni Etzold von den 1950er bis zu Beginn der 1970er Jahre in der Zeit ihres Entstehens ankaufte. Welche Relevanz hat die Zeichnung in diesen Jahrzehnten der Kunstgeschichte? Der Zeichnung kommt seit der späten Renaissance in Italien eine besondere Bedeutung zu. Die Kunsttheorie beschrieb sie Ende des 16. Jahrhunderts als Ursprung von Malerei, Skulptur und Architektur, als das animierende Prinzip, das allen kreativen Prozessen zugrunde liegt (disegno); der schöpferische Funke zeige sich genau in dem Moment, in dem die Hand des Künstlers auf dem Papier zu zeichnen ansetzt. Diese Überzeugung war in der Künstlerausbildung bis ins 20. Jahrhundert von Bedeutung und schwingt unterschwellig vielleicht bis heute mit. Mit den radikalen und rapiden Veränderungen in der Kunst, die sich zunächst in den ersten Jahren des 20. Jahrhunderts, dann in den 1960er Jahren in Europa und vor allem in den USA vollzogen, veränderte sich auch die Bedeutung, die Künstlerinnen und Künstler der Zeichnung zusprachen. Die erste Folge KONSTRUKTION untersuchte die veränderte Rolle der Zeichnung in der konstruktivistischen Avantgarde in den 1920er Jahren sowie die Wiederkehr des Konstruktiven seit den 1960er Jahren. Die zweite Folge ALGORITHMUS (noch zu sehen bis 13. Januar) rückte das Konvolut der frühen Computergrafik ins Zentrum. In der Computergrafik waren es Zeichenautomaten, wie sie Mitte der 1960er Jahre für die Nutzung in Wirtschaft und Forschung auf den Markt kamen, die graphische Muster aufs Papier brachten, basierend auf zuvor von den Künstlerinnen und Künstlern programmierten Algorithmen – Künstler als Programmierer, die ein Konzept schreiben, das die Maschine ausführt. Damit ist die Brücke zur dritten und letzten Folge der Ausstellungsreihe geschlagen, die mit dem Begriff KONZEPT überschrieben ist und eine kleine Auswahl an Werken aus den 1960er und 70er Jahren von Marcel Broodthaers, Stanley Brouwn, Christo, Hanne Darboven, Walter de Maria, Marcel Duchamp, Michael Heizer, Sol LeWitt, Konrad Sieben und Timm Ulrichs zeigt. Die Ausstellung fasst den Begriff „Konzept“ weit, geht aber zunächst von dem Jahrzehnt etwa zwischen 1965 und 1975 aus. Für diese Zeit ist der Begriff der „Conceptual Art“ prägend, wie ihn Sol LeWitt (1928-2007) in seinen theoretischen Schriften Ende der 1960er Jahre umriss. Mit der Skulptur Modular Piece (1966) ist ein Werk des US-amerikanischen Künstlers zu sehen. LeWitts künstlerische Denkweise und Formensprache erschließen sich vor dem Hintergrund der Minimal Art, in der modulare Elemente Neutralität versprachen, um als Bausteine für Variationen und Serien zu dienen. Conceptual Art / Konzeptkunst lässt sich in der durch ihn geprägten Auffassung so charakterisieren, dass die Idee mit der Ausführung eines Werks als gleichwertig zu betrachten ist. Wird die Zeichnung als künstlerisches Medium eingesetzt, dann erscheint sie nicht mehr als Ausdruck unmittelbarer Inspiration. Sie nimmt etwa im Werk von Hanne Darboven (1941-2009) einen neuen Stellenwert ein, wie sich in Ohne Titel (I-Isp) aus dem Jahr 1966 nachvollziehen lässt, einer Zeichnung mit Bleistift und Kugelschreiber auf Millimeterpapier. Um die Mitte der 1960er Jahre basieren ihre Werke auf einer vorab von ihr festgelegten Systematik, die häufig von numerischen Relationen ausgeht und die sie dann zeichnerisch umsetzt. Konrad Sieben (*1946) stellt für seine Skulptur Elementstruktur (Gruppe Diagonal) von 1969/70 verschiedene Möglichkeiten zur Wahl, ihre Bestandteile – neun lose Aluminiumstreben – bei jedem Aufbau zu einer anderen Formation anzuordnen. In einem mit dem Objekt gleichberechtigt präsentierten Schaukasten befinden sich kleine Zeichnungen und winzige Papiermodelle als Anregung für Variationen. Hier ist Konzeptkunst ausdrücklich partizipativ; die Zeichnung dient als Anleitung zum Handeln. Bei den Künstlerinnen und Künstlern der Land Art, die sich Ende der 1960er Jahre in den USA und in Europa entwickelte, stehen „Konzept“ und „Zeichnung“ in einem anderen Verhältnis zueinander. Den gigantischen Dimensionen der in der Natur ausgeführten Arbeiten von Michael Heizer (*1944) wohnt eine graphische Dimension inne, die sich in vorab gefertigten Zeichnungen auf dem Papier genauso zeigt wie in Fotografien der ausgeführten Werke aus der Vogelperspektive, die Gräben und Einschnitte auf dem Boden als Zeichnungen auf der Erdoberfläche erscheinen lassen. Mit Walter de Maria (1935-2013) ist ein weiterer Künstler der Land Art vertreten. Durch eine völlig andere Erscheinungsweise zeichnen sich die Werke des Konzeptkünstlers Timm Ulrichs (*1940) aus, dessen Arbeit Das literarische Gesamtwerk 1968, Band I (1968) zu sehen ist: ein Plexiglaskasten, in dem zehn Meter eines abgespulten, durch den Künstler beschriebenen Schreibmaschinen-Farbbands aufbewahrt sind. In solchen Kunstwerken versteht die Ausstellung „Zeichnung“ gewissermaßen symbolisch: Zeichnung – traditionell an der Basis des kreativen, schöpferischen Akts – verlagert sich hin zu einer „Zeichnung im Geiste“, zur Idee als animierendes Prinzip. Marcel Duchamp (1887-1986) ist mit dem Siebdruck Fliegende Herzen (1961) in der Ausstellung vertreten, vor dem Hintergrund, dass er ab Anfang der 1960er Jahre in den USA eine neue, große Popularität gewann und eine wichtige Inspiration für konzeptuell arbeitende Künstler wurde. Er hatte am Beginn des Jahrhunderts aus der Malerei des Kubismus heraus einen Ansatz entwickelt, in dem es weniger darauf ankam, das dargestellte Motiv mithilfe von malerisch-zeichnerischen Effekten zu vermitteln, als die Idee und das Prinzip des Dargestellten per se den Betrachtern kognitiv verständlich zu machen. Die Schnittmenge der unterschiedlichen Positionen besteht darin, dass die individuelle handwerkliche Geste bei der Ausführung der Kunstwerke entweder eine geringere, oder im Verhältnis zur Konzeption gleichwertige Rolle spielt. Die Künstlerinnen und Künstler weisen die Idee eines „schöpferischen Funkens“ zurück, der nach traditioneller Auffassung im ausgeführten Werk ablesbar wäre. Die Vorstellung des Künstlers als Genie – ein Künstlerbild, das sich über Jahrhunderte tradiert hatte – tritt vor dem nun in den Fokus rückenden Prozess der Werkgenese zurück, in dem das Werk nach vorab definierten Handlungsanweisungen vom Künstler selbst, aber auch von Anderen ausgeführt werden kann. „Der Wille des Künstlers ist dem von ihm ausgelösten Prozess von der Idee zur Vollendung der Arbeit untergeordnet.“ (Sol LeWitt, „Sentences on Conceptual Art“, 1969) In den 1960er Jahren entwickelte sich die Kunst rasant. Die Vielfalt der künstlerischen Medien wuchs an und viele künstlerische Bewegungen fanden gleichzeitig und mit fließenden Übergängen statt. Die auf wenige Werke konzentrierte Kabinettausstellung in der Gartenebene des Museums Abteiberg geht in diesem Sinne über in die Sammlung des Museums, die sich durch besondere Schwerpunkte in den 60er Jahren auszeichnet. So schließen sich einige neu eingerichtete Sammlungsbereiche an, die im Bezug zu den gezeigten Werken der Sammlung Etzold stehen. Neben Objekten und graphischen Arbeiten von Marcel Duchamp liegt ein Fokus auf der Minimal Art mit einem frisch restaurierten Werk von Donald Judd (Brass, 1969, Restaurierung 2018 mit Förderung durch das Restaurierungsprogramm Bildende Kunst des Landes Nordrhein-Westfalen) und einem Raum mit Werken des Ende November 2018 verstorbenen Minimal Art-Künstlers Robert Morris, der 2009 im Museum Abteiberg mit einer umfassenden Ausstellung vertreten war. Als Teil der Ausstellung wird auch eine zeitgenössische Position gezeigt, die ein Schlaglicht auf konzeptuelle künstlerische Ansätze in der Gegenwart wirft. Thomas Locher (*1956) führt anlässlich der Ausstellung seine Wandarbeit Imperative / Aufforderungen, Befehle und Kommandos (Konzept: Firminy, 1993) an einem neuen Ort auf: dem Museumscafé. Es handelt sich dabei um eine Wiederaufführung einer Arbeit, die er 1993 für den Wohnkomplex Unité d´Habitation von Le Corbusier in Firminy entwickelte und die im Jahr 2012 als Schenkung aus Privatbesitz in die Sammlung des Museums Abteiberg einging. Foto: Thomas Locher: „G.HANG“, 2017.
(museum-abteiberg.de/ausstellungen/aktuell-ausstellungen/die-zukunft-der-zeichnung-konzept-das-neue-in-der-sammlung-etzold-folge-3/)



Interview: „Linda Ginsberg, New York, United States“ with works by Anne-Lise Coste, “My grandmother left her other grandchildren money but I got these sculptures – the sweeter deal.“
28.01.19 – 29.02.2032, Linda Ginsberg, New York, United States
Passionate New York art collector Linda Ginsberg is the founder of an elite legal recruiting firm focusing on partners in law firms. She tells us about supporting starving artists and keeping provocative artwork under the bed! FAM (fineartmultiple magazine): The blue color that your apartment is painted in is very striking. What provoked this aesthetic decision? Linda Ginsberg: In 2001 when I bought my very first apartment of my own, I thought white stood for “rental”, so for me a different color constituted ownership. When I told my decorator I wanted a color, he said “Great, what’s your favorite color?” I said blue, but I can’t have a blue apartment. And he said: “Why not? Make it blue”. So I did. That was 15 years ago. Today I would definitely paint the apartment white but my kids won’t let me! They identify it as home—and can see when I am home from about a mile away as the blue lights at night are a beacon in the neighborhood. FAM: When did you start collecting art? Linda Ginsberg: I first became a collector in 2003, when I started to become successful as a recruiter. FAM: What’s your favorite work that you have up now in the apartment? Linda Ginsberg: I’m a bad rotator, even though I have tons in storage. But I’m attached to everything here. My most sentimental pieces are these two sound sculptures by Harry Bertoia, an Italian artist who worked in the US and is best known for his ubiquitous wire chairs. My grandmother bought them from the artist himself in the 70s and when I was growing up she would let us touch them. As a kid it feels subversive to be able to touch art—and the very purpose of these is to “boing” them together so that they make this chiming sound. When my grandmother died she left her other grandchildren money but I got these sculptures—which I think was the sweeter deal. These days, when I “boing” them in my apartment I always look up, say hello, and can hear her laughing in delight. FAM: Do you have any works of a political nature? Linda Ginsberg: Yes, I am a huge fan of the French artist Anne-Lise Coste’s work. She combines poetry with protest and comments on political and personal issues with a rebellious honesty. Her style often reminds me of street graffiti, but she uses airbrush, pencils, pastels, markers and watercolors to give her gestures permanence by materializing them on paper or canvas. Her work does not follow any rules and yet there is a harmony and delicateness to it. I own more of Anne-Lise’s work than that of any other artist and it is all different. Her range is vast. But if you know her, you can follow the thought line from this Picasso-like portrait to this brilliant Lee Ufan in France to perhaps her purist text piece, Poem. If I collected works from no other artist, I would still have an amazingly diverse collection. FAM: Could you tell us something about this site-specific work above your television? Linda Ginsberg: Everybody gravitates to that. It is by Harold Ancart, a young Belgian artist. He was the first “starving artist” that I befriended, and I believe this is the first piece he sold in the US. After visiting his studio I knew I wanted something site-specific but wasn’t sure what or where. One night as I sat on the couch looking at that corner I knew instantly where the work needed to go. It is basically pigment thrown against the wall, and the piece has this light touch. His other work has more pigment but in 2011 Harold was young and new at installing in people’s houses, and was sweetly concerned about messing up the apartment. FAM: Do you have a preference for supporting “starving artists”? Linda Ginsberg: I go back and forth. On the one hand, I love supporting young artists. I’ve met almost every artist that I’ve bought work from and they are fascinating people—some have even become dear friends! But on the other hand, living the struggles they face to advance their career can be tough, right? The art world is tough. It’s like what Ernest Hemingway said about bullfighting: “It was not nice to watch if you cared anything about the person who was doing it.” On the other hand, I recently bought my first piece by a dead artist (a series of 30 prints by Agnes Martin) and felt bad about it, because I’m not supporting the artist with this purchase. I love the work, have tremendous admiration for the artist, but she gets no lift from my buying it. So yes, we can say I care deeply about artists. FAM: That’s a fun and somehow welcoming piece you have up in the kitchen next to the fridge. Can you tell us about it? Linda Ginsberg: Yes, that’s by Adam McEwen, a British artist who I met at a group dinner and instantly thought was terrific. He did a series of these shop signs, but this was the most aggressive. Initially I wanted to buy one of the signs, but not this one because I had young sons at that point and could not even say the word in front of them, let alone hang a sign of it. The gallerists insisted that this was THE one to buy, so I bought it and it stayed under the bed for four years. When I pulled it out, my kids were intrigued but wary of whether it being art made it OK. Now it’s just part of us and has entirely ceased to be provocative. FAM: Your kids have art in their rooms as well. Are they collectors? Linda Ginsberg: My kids appreciate the art and have selected pieces they admire. They now give tours of our collection and “boing” the Bertoias for their friends. Once on vacation we bought a Damien Hirst print for each kid as their first investment in art. One of my kids proudly displays a little Jeff Koons balloon dog sculpture which we bought for $300 and now sells at auction for an additional digit. One of my favorite pieces in this apartment is this cardboard piece that was made by my then eight year old son, a Duchampian homage. I feel like it holds up in this room. Interview by Ksenia M. Soboleva (image: a portrait of Linda Ginsberg by Anne-Lise Coste. © Linda Green.)
(fineartmultiple.com/blog/linda-ginsberg)



Clément Cogitore wins 2018 Prix Marcel Duchamp, Announcement: Monday, October 15th, 2018, 7:30 pm
15.10.18 – 14.10.2019, Centre Pompidou, Galerie 4, Niveau 1, Paris
At a ceremony held this evening in Paris, the Centre Pompidou and the Association pour la Diffusion Internationale de l’Art Français announced that Clément Cogitore has won this year’s Prix Marcel Duchamp, an award given out annually to an artist working in France. (Cogitore is based in Paris.) Mohamed Bourouissa, Thu Van Tran, and Marie Voignier were also nominated for this year’s prize. According to a release, Cogitore is the first filmmaker to win the award. Cogitore is best-known for his feature-length films, most notably Neither Heaven Nor Earth (2015), which follows a troop of soldiers deployed in Afghanistan as they disappear one by one. That film premiered at the Cannes Film Festival and was nominated for the César award for best first film. In addition to his theatrically released work, Cogitore also makes video installations and photographs, and they have been the subject of solo exhibitions around Europe, at venues such as the Palais de Tokyo in Paris and Ikon Gallery in Birmingham, England. The focus of much of his work is the nature of collective memory and the role of rituals within communities. His work shown at the Pompidou’s Prix Marcel Duchamp show focused on a fictional female character whose identity Cogitore constructed entirely through ready-made materials, such as images culled from photo libraries and promotional materials for films. As winner of the Prix Marcel Duchamp, Cogitore will take home €35,000, or about $40,500. He was selected by a committee that included Bernard Blistène, director of the Centre Pompidou; Gilles Fuches, a collector and the president of ADIAF; Jean-Claude Grandur, a collector and the president of the Fondation Grandur pour l’Art in Geneva; Maja Hoffmann, a collector and the president of the Luma Foundation in Arles, France; Laurent Le Bon, president of the Musée Picasso in Paris; Marina Loshak, director of the Pushkin Museum of Fine Arts in Moscow; and Akhemi Shiraha, a representative for the Marcel Duchamp Association. Past winners of the Prix Marcel Duchamp include Kader Attia (2016), Cyprien Gaillard (2010), Dominique Gonzalez-Foerster (2002), Joana Hadjithomas and Khalil Joreige (2017), and Thomas Hirschhorn (2000). (Copyright 2018, Art Media ARTNEWS, llc. 110 Greene Street, 2nd Fl., New York, N.Y. 10012. All rights reserved. Photo: Clément Cogitore.)
(www.artnews.com/2018/10/15/clement-cogitore-wins-2018-prix-marcel-duchamp/)



Herzlichen Glückwunsch Thomas Locher!
08.02.17 – 08.02.2022, HGB Leipzig – Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig
Der Erweiterte Senat der HGB Leipzig hat gestern (08.02.2017) den Künstler Thomas Locher zum neuen Rektor der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig gewählt. Die Amtszeit des neuen Rektors beträgt fünf Jahre. Thomas Locher löst mit seiner Wahl Prof. Dr. Ana Dimke ab, die seit 2011 Rektorin der HGB war und zum 1. April 2016 aus persönlichen Gründen aus dem Amt ausgeschied. „Ich bin sehr glücklich über die Wahl! Mich ehrt das entgegengebrachte Vertrauen, das ich unbedingt zurück geben möchte“, sagte Thomas Locher nach der Wahl. „Ich freue mich auf interessante und produktive Jahre mit den Studierenden und den KollegInnen an der HGB Leipzig.“ Thomas Locher, geboren 1956 in Munderkingen, ist Künstler. Von 1979 bis 1985 studierte er an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart, 1981 bis 1985 an der Universität Stuttgart. Locher lehrte international an Kunstakademien, Fachhochschulen und Universitäten (Merzakademie Stuttgart, Technische Universität Wien) und war von 2008 bis 2016 Professor an der Königlich Dänischen Kunstakademie in Kopenhagen. Thomas Locher ist Mitglied im Deutschen Künstlerbund. Er lebte von 1986 bis 2000 in Köln, arbeitet und lebt nun in Berlin und Kopenhagen. Thomas Locher stellte weltweit aus, u. a. in der Tate Gallery, Liverpool (1989), im Museum of Contemporary Art, Sidney (1992), im Museum of Modern Art, Saitama/Japan (1994), in den Deichtorhallen, Hamburg (2004) und im Museum of Modern Art, New York (2006). Lochers Arbeiten sind heute in großen öffentlichen Sammlungen vertreten, wie im Museu d’Art Contemporani de Barcelona, im Museum of Modern Art, New York, in der Vancouver Art Gallery, in der Grafischen Sammlung Albertina, Wien und in der Staatsgalerie Stuttgart. Foto: Erich Malter
(www.hgb-leipzig.de/)



Film: 15 Jahre Freundeskreis des Kunstmuseum Stuttgart, 2018
01.01.03 – 01.01.2033, Kunstmuseum Stuttgart
Reinhard Hauff spricht über die Zeichnungen von Thomas Müller, die sich im Besitz des Kunstmuseum Stuttgart befinden.
(www.kunstmuseum-stuttgart.de/index.php?site=Videos;Videos_Details&id=48)